Black Forest Movie Guide

Magnolia

2010-06-03T12:29:00.003+02:00

Paul Thomas Anderson, nicht zu verwechseln mit Paul W. S. Anderson (Mortal Kombat, Resident Evil), befand sich bisher nicht auf der Liste meiner bevorzugten Regisseure, besser gesagt, seine Werke wurden gekonnt ignoriert.

Magnolia zeigt mir aber, dass ich dem werten Herrn wohl noch eine weitere Chance geben sollte.
Anderson verknüpft im Verlauf der Story zusehends, auf sehr geschickte Weise, zwei zuvor paralelle laufende Geschichtsstränge. So will sich in der einen der sterbenskranke TV-Mogul Earl Partridge kurz vor seinem Tode mit seinem Sohn Frank versöhnen. Auch Showmaster Jimmy Gator will sich wieder seiner drogensüchtigen Tochter annähern. Doch in beiden Fällen gibt es tief liegende Gründe für die Zerwürfnisse, die Frank zu dem selbstgerechten Macho haben werden lassen, der er nun ist und die Jimmys Tochter in die Drogensucht getrieben haben.
Viele weitere Charaktere, allesamt problembehaftet, finden sich in Andersons Werk wieder und treten in manigfaltiger Form in die Leben der Hauptprotagonisten.

Ein neurotischer Krankenpfleger, eine, aufgrund ihrer Untreue, unglückliche Ehefrau, ein einsamer Polizeibeamter, ein überfordertes "Wunderkind", ein gescheiterter Kinderstar und viele weitere handelnde Personen suchen nach Erlösung, Hoffnung oder dem ganz persönlichen Glück.

Der Film lebt von seinen Schauspielern, aber auch den skurillen Situationen, die Anderson erschafft. Dazu gehört definitiv auch das Ende, auf dessen Besonderheit ich aber an dieser Stelle nicht näher eingehen möchte. Vielleicht möchte der ein oder andere von euch den Film ja auch noch relativ unvoreingenommen anschauen.

Der Cast ist gelinde gesagt exzellent. Da hätten wir zum Beispiel William H. Macy in seiner Rolle als vom Leben gezeichneter ehemaliger Kinderstar, Julianne Moore als untreue und deshalb unglückliche Ehefrau, John C. Reilly als einsamer Polizist, Tom Cruise als schleimiger und selbstverliebter Sex-Guru, Philip Seymour Hofman als engagierter Krankenpfleger und der große Jason Robards in seiner vorletzten Rolle als sterbender TV-Mogul. Die Liste ließe sich beliebig fortführen, alle Akteure des Schauspielensembles spielen groß auf.

Kameramann Robert Elswit generiert stimmige Bilder und auch der Score von Jon Brion fängt die melancholische Stimmung des Filmes adäquat ein.

Paul Thomas Anderson hat mit Magnolia einen sehr ruhigen, meditativen Film vorgelegt, der die vielen Geschichtslinien fließend miteinander verbindet, aber leider nicht durchgehend ohne Längen auskommt.

Die großartigen Leistungen der Darsteller und das stimmige Setting entschädigen aber dafür und machen "Magnolia" zu einem "runden" Drama.

7,5 von 10 Punkten

Conan - der Barbar

2010-06-02T22:50:00.002+02:00

Conan - der Barbar war sozusagen der Startschuss zu Arnold Schwarzeneggers beispielloser Karriere als der Welt liebster Muskelprotz. Zwar kam der endgültige Durchbruch erst zwei Jahre später mit James Camerons Science-Fiction Kracher "Terminator", doch "Conan" darf eindeutig als der Wegbereiter angesehen werden.

Schwarzenegger hatte zuvor zwar schon das ein ums andere Mal vor der Kamera gestanden, doch Werke wie "Herkules in New York" wollten schon damals kaum einen begeistern.

Arnie zeichnet sich auch in "Conan - der Barbar" nicht wirklich als ausgeprägter Charaktermime aus, doch verleiht er seiner Figur durch seine noch recht naive und tollpatschige Schauspielerei Seele und Authentizität.

Er stellt Conan dar, dessen Eltern, in Conans Gegenwart, vom Anführer des Schlangenordens Thulsa Doom brutal hingerichtet werden. Conan ist der einzige Überlebende seines Dorfes und wird in der Folge bereits in jüngsten Jahren versklavt. Die harte Arbeit der folgenden Jahre lässt Conans Muskeln anschwellen und auch sein Ansinnen auf Rache treibt ihn an. Schließlich flieht Conan und begibt sich auf die gefährliche Suche nach dem Mörder seiner Eltern. Er findet in der schönen Valeria, in die er sich verliebt, und dem Dieb Subotai treue Weggefährten. Thulsa Doom ist mittlerweile zu einem ebenso mächtigen wie grausamen Herrscher gereift und so kommt es zu der finalen Konfrontation der Beiden.

Conan - der Barbar ist ein ebenso epischer wie bluttriefender Fantasy-Actioner, der ganz von seiner Atmosphäre und dem umwerfenden Score von Basil Poledouris lebt. Das geringe Budget weiß Regisseur John Milius zumeist durch schöne Landschaftsaufnahmen und seltene aber exquisit inszenierte Actionszenen zu kaschieren.

Der Film ist absolut humorfrei inszeniert und sein Status im Genre der Fantasy-Action beweist, dass auch heute, 28 Jahre nach Entstehen des Filmes, kaum unfreiwillige Komik bei Ansicht des Filmes entsteht.

Kritisieren kann man natürlich die Einsilbigkeit der Protagonisten, die unzureichende Charaktertiefe und die allzu offensichtliche Gut/ Böse - Separation, aber gerade diese Mängel stehen Conan, dem Barbaren auch wieder gut zu Gesicht.

Heimlicher Star des Films ist der Darsteller des Thulsa Doom James Earl Jones, besser bekannt als die Stimme von Darth Vader. Er verleiht Thulsa Doom eine zugleich dermaßen bösartige aber auch erhabene Aura, dass es eine Wonne ist.

Conan - der Barbar ist sicher kein Film, der den Intellekt des Zuschauers fordert, aber wunderbare und vor allem in Würde gealterte Unterhaltung.

7,5 von 10 Punkten

Die purpurnen Flüsse 2

2010-05-18T22:17:00.002+02:00

Es gibt Filme, die traut man sich kaum zu schauen.
Die purpurnen Flüsse 2 - Die Engel der Apokalypse ist so ein Fall.
Die Kritik zerriss das Werk vielerorten förmlich in der Luft und auch der mangelnde literarische Background gereichte zu einem leicht mulmigen Gefühl.
Der erste Teil basiert auf einem meiner Lieblingsromane und bietet bis auf das leicht verquere Finale Thrillerkost vom Allerfeinsten.
Der zweite Teil fusst zwar wieder auf einem Drehbuch von Jean-Christophe Grangé, doch dieser hat sich schon in der Vergangenheit eher als hervorragender Autor einen Namen gemacht, denn als Drehbuchschreiberling.

Und nach Ansicht dieses Films sehe ich meine Aussage weiter untermauert.

Aber fangen wir von vorne an. Der zweite Teil hat eine prägnante Gemeinsamkeit mit Teil 1. Jean Reno spielt erneut den hemdsärmligen, grobschlächtigen aber sicher nicht auf den Kopf gefallenen Komissar Pierre Niemans. Nur diesmal steht ihm nicht Vincent Cassel als Partner zur Seite, sondern Benoît Magimel in der Rolle des Polizisten Reda.

Wie gehabt treffen die beiden Polizisten erst nach einer gewissen Weile aufeinander, als sich die Wege der jeweiligen Ermittlungen kreuzen. Eine Gruppe von Mördern hat es auf Personen abgesehen, die denselben oder zumindest artverwandten Berufen nachgehen, wie seinerzeit die 12 Apostel.
Die beiden Ermittler scheinen es mit einer religiösen Sekte zu tun zu haben, deren Mitglieder über übermenschliche Fähigkeiten verfügen.

Doch im Verlauf der Story stellt sich heraus, dass vieles nicht so ist wie es scheint und nicht jeder der ist, der er vorgibt zu sein.

Soweit klingt das alles ja sehr gefällig und die erste Stunde war auch durchaus spannend konstruiert. Aber dann gehen sowohl mit Drehbuchautor Grangé als auch Regisseur Oliver Dahan die Gäule durch. Eine Finte nach der anderen wird gelegt, der Plot triftet zunehmend ins Absurde und auch die majestätische Präsenz eines Christopher Lee wird gnadenlos verschenkt.

Ein Film mit guten Ansätzen, aber einem Finale, dass einen doch arg ratlos und erschüttert, ob der teils peinlich konstruierten Story, zurücklässt. Grangé zeigt in den letzten Jahren, sowohl in seinen Romanen als auch Drehbüchern, leider einen Trend zu immer konstruierteren Storys und unglaubwürdigen Finalwendungen. Ich hoffe, dass ändert sich in den kommenden Jahren, weil ansonsten ruiniert sich dieser Meister des Spannungsaufbaus und Kopfkinos seinen hervorragenden Ruf nachhaltig.

Die purpurnen Flüsse - Die Engel der Apokalypse ist lange nicht der Reinfall, zu dem ihn die Kritik seinerzeit machte, aber ein klarer Fall von:
"Da wäre viel mehr drin gewesen!"

6 von 10 Punkten

The Marine

2010-05-18T21:38:00.004+02:00

Neue Muskelberge braucht das Land?

Oder wie darf ich es verstehen, dass einer wie Wrestler John Cena die Hauptrolle in einem gut budgetierten B-Actioner der Marke "The Marine" übernehmen darf.

Der gute hat eine Mimik, die einen darüber sinnieren lässt, ob man Steven Seagal nicht doch unterschätzt hat. Seine Statur jedoch, und das gilt hiermit als unumstritten, ist beachtlich und prädestiniert Cena schier für eine Karriere im No Brainer-Genre.

Doch konnten ähnlich gelagerte Akteure wie Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone oder Dwayne "The Rock" Johnson zu Beginn ihrer Karrieren noch mit einem gewissen, wenn auch tumben, Charisma aufwarten, so geht das Cena vollkommen ab.

Dieser riesenhafte Muskelberg stapft mit einem zwischen treudoof und entschlossen schwankenden Gesichtsausdruck durch Sumpflandschaften und Explosionsreste, um seine werte Gattin aus den Krallen ach so böser Entführer zu befreien.

Die Gruppe der Entführer besteht aus einer Reihe stereotyper Knallchargen oberster Kajüte und lediglich deren Anführer Rome, dargestellt von Terminator Fiesling Robert Patrick, kann sich leicht profilieren.

Die häufigen Explosionen und Fights sind gut inszeniert und choreografiert, doch fehlt es ihnen an dem gewissen Feeling und den handelnden Akteuren eindeutig an Charisma.

Über die Story an dieser Stelle Worte zu verlieren käme einer groben Zeitverschwendung gleich, der Film ist auf der narrativen Ebene zu beschränkt, sich dessen aber immerhin zu jedem Zeitpunkt bewusst.

Das Finale setzt dem Ganzen die Krone auf, ist es doch viel zu sehr in die Länge gezogen und schlichtweg dramaturgisch völlig daneben.

Wer die guten alten Chuck Norris Zeiten zurücksehnt und sie für die Speerspitze des Actionkinos hält, dem wünsche ich viel Spaß mit "The Marine".
Wer sich seine Zeit lieber mit sinnvollen Dingen vertreibt, dem sei gründlichst abgeraten.

"The Marine" gehört zweifelsfrei nicht zum Bodensatz der Filmgeschichte, ein guter Film ist er trotzdem nicht.

3, 5 von 10 Punkten

Ex Drummer

2010-03-28T15:27:00.002+02:00

Eines vorweg:

Ex Drummer ist anders. Anders als alles, was ich bisher gesehen habe.
Und das waren einige Filme.

Koen Mortier setzt hier einen Roman von Hermann Brusselmanns um und legt sich dabei keine Beschränkungen auf. Sein Werk schwankt irgendwo zwischen Gesellschaftsstudie, Drama, Komödie, Arthouse-Film, Freak-Zurschaustellung, Porno, Musikerdoku und Konzertfilm.
Klingt abgefahren und das ist es definitiv auch.

Die Kamerafahrten spotten jeder Beschreibung, scheren sie sich doch einen Dreck um Konventionen und bieten Innovationen am laufenden Band. Der Soundtrack ist rau, unangepasst und von daher vollkommen passend zu Mortiers Werk. Der Look ist zugleich siffig und ästhetisch. Die Darsteller roh, ungeschliffen, echt und zugleich so voller Talent.

Der letzte Film der mich in seiner offensichtlichen Frische so mitgenommen hat, auch wenn beide Werke vollkommen verschieden sind, ist "City of God".
Nur geht Ex Drummer in allem so viel weiter, zeigt das, was man eigentlich nicht sehen will und entführt einen in eine ganz eigene Welt.

Es gibt sicherlich auch Momente, deren es nicht bedurft hätte und auch die Länge der Konzertszenen mag Grund zur Beanstandung geben, aber alles in allem vergebe ich definitiv eine ganz klare Sehempfehlung.

Ex Drummer ist ein Film, den man nicht wirklich beschreiben kann, man sollte ihn einfach ansehen, um zu verstehen.

8,5 von 10 Punkten (über eine mögliche höhere Wertung entscheiden kommende Sichtungen)

High School Confidential

2010-03-28T14:38:00.002+02:00

High School Confidential ist nach außen hin eine typische, wenn auch bitterböse Highschool Dramödie. Im Mittelpunkt steht Evan Rachel Woods "Kimberly Joyce", welche den Zuschauer durch direkte Ansprache mit ins Geschehen bezieht.

Sie ist einerseits eine typische, manipulative Highschool-Schönheit, doch auch unter ihrer scheinbar heilen Welt brodelt es gewaltig. Ihr Vater ist ein reicher, selbstgerechter, fauler und rassistischer Charakter, der sich den lieben langen Tag lieber selbst befriedigt und mit den Mätzchen seiner jungen Geliebten beschäftigt, als seiner Tochter ein Ohr zu leihen.

Kimberly erfindet immer wieder neue Geschichten, um Aufmerksamkeit zu erregen, andere zu diffamieren oder Existenzen zu zerstören. Im einen Augenblick erscheint sie als normales, verletzliches 15-jähriges Mädchen, nur um nächsten Augenblick, scheinbar regungslos, über ganze menschliche Existenzen zu richten.

Das Ende setzt dem drastischen Ton dieser zynischen Satire die Haube auf und lässt den Zuseher doch etwas rat- und fassungslos zurück.

Großes Kompliment an Hauptdarstellerin Evan Rachel Wood, auch wenn sie so manches Mal den schmalen Grad zum Overacting etwas überschreitet und natürlich James Woods, welcher ihren Filmvater Hank spielt, eine gleichzeitig so zutiefst abstoßende, süffisante und wahrlich beeindruckende Darstellung.

Der ab und an sehr subtile Stil der Kamera gefällt und auch Regisseur Marcos Siega beweist Talent für die Inszenierung der entscheidenden Momente.

Ein lohnenswerter, äußerst zynischer Streifen, der aber gerade daraus seine Glaubwürdigkeit bezieht.

8 von 10 Punkten

Walking Tall

2010-03-28T14:04:00.002+02:00

In a long long time ago, i can't still remember...
Ja, ich gebe es ja zu, hier hat sich sehr lange nichts mehr getan. Asche auf mein Haupt.
Aber heute soll es wieder einmal die ein oder andere Rezension geben und es gibt auch weiterhin noch so manchen gesehenen Film der letzten Monate aufzubereiten.Beginnen möchte ich mit Walking Tall, einem sehr ungewöhnlichen Film für mein grundlegendes filmisches Gusto. Die Handlung ist so einfach wie effektiv. Chris Vaughn, gespielt von Hollywoods Muskelberg Nr. 1 Dwayne "The Rock" Johnson, kommt nach Jahren heim in seine kleine Heimatstadt. Doch diese lebt nicht mehr, wie einstmals, vom Holzgewerbe, sondern hat sich zu einem Sündenpfuhl voll der Laster und des Glücksspiels entwickelt.

Der Schuldige, in Form von Neal McDonoughs Charakter "Jay Hamilton", und seine Schergen sind rasch ausgemacht. Und da Chris ein hemdsärmeliger Typ mit mindestens soviel Herz wie Muskelkraft ist und die Polizei, wie sollte es auch anders sein, korrupt bis zum Sankt Nimmerleinstag, nimmt er das Gesetz einfach selbst in die Hand.

Und da macht auch ein erster Rückschlag in Form eines Gerichtsverfahrens nichts. Chris weiß die Geschworenen zu beeindrucken und selbstredend auf seine Seite zu ziehen. Und ehe er sich versieht ist der gute Chris Sheriff und stellt sich ein paar Mitstreiter im Feldzug gegen das Böse zur Seite. Schon kann es losgehen mit der fröhlichen Klopperei.

Ein Film, welcher ganz klar nach der Maxime "Hirn aus und Spaß dabei" funktioniert. Doch ihn unterscheidet etwas ganz entscheidendes von den vielen anderen Vertretern dieser Gattung, er ist sich dieser Tatsache bewusst. Wer einen psychologisch tiefgründigen oder charakterbetonten Film erwartet, der sollte einen relativ großen Bogen um vorliegendes Werk machen. Wer aber, ab und an, Spaß an Handmade-Action findet, dem grummelig sympathischen "The Rock" als Schauspieler etwas abgewinnen kann und einer soliden Inszenierung beiwohnen will, der ist hier richtig.

Und für alle Romantiker, Chris' Jugendliebe ist selbstredend auch am Start.

Innovationslos, nach Schema F, aber durchaus sympathisch.

5 von 10 Punkten

The Fall

2009-12-13T22:24:00.004+01:00

Habe ich mit "Batman: The Dark Knight" zuletzt ein medial enorm gehyptes Werk besprochen, so gilt dies für Tarsem Singhs "The Fall" ebenfalls, wenn auch in etwas kleineren Dimensionen.

Singh, seines Zeichens einer der berühmtesten Werbe- und Musikclipregisseure der Gegenwart, drehte dieses Werk über einen Zeitraum von vier Jahren. Er brachte nahezu das gesamte Budget des vorliegenden Filmes aus eigenen Mitteln auf.

Singh hatte dieses Filmprojekt bereits lange vor Drehstart im Blick. Auf jeder seiner Reisen notierte er sich stets die eindrücklichsten Bauten, schönsten Landschaften und beeindruckendsten Kulturen. Fussend auf diesen Eindrücken formulierte er ein Drehbuch aus, welches diese Plätze der Erde in seine Geschichte miteinbezog. Dieses Skript basierte zu großen Teilen auf dem bulgarischen Film Yo ho ho aus dem Jahre 1981, an welchem Singh Jahre zuvor die Filmrechte erworben hatte.

Der Film spielt zu Anfang des 20. Jahrhunderts und schildert die Geschichte eines frühen Hollywood Stuntmans, der in der Folge eines Drehunfalls gelähmt bleibt und in einem Krankenhaus gepflegt wird. Hier trifft er auf die kleine Alexandria, die ihre Eltern verloren hat.
Roy, der Stuntman, beginnt damit Alexandria eine Geschichte zu erzählen, die von einem boshaften Herrscher handelt, der 5 Widersacher aus den unterschiedlichsten Gründen verbannt hat, worauf diese sich verbünden und auf Rache sinnen. Roy schmückt die Geschichte aus und lenkt sie zumeist in die Richtung, die Alexandria vorgibt. Nur verlässt er diese Pfade in Momenten, in welchen er große Schmerzen oder enorme Traurigkeit empfindet. Dann umfängt die Geschichte zumeist großer Schwermut und ihr Verlauf nimmt düsteren Züge an.

Roy ist lebensmüde und verfolgt durch seine Geschichte einen perfiden Plan. Er will Alexandria dazu bringen, dass sie ihm Morphium aus dem Arzneizimmer besorgt. Im Gegenzug verspricht er ihr die Fortsetzung seiner Geschichte.

An diesem Punkt steige ich aus der Schilderung der zugrunde liegenden Geschichte aus, weil ich nicht zuviel von deren Verlauf preisgeben möchte. Weiterhin ist die Story für Tarsem Singh eher Mittel zum Zwecke. Er hat mit "The Fall" einen wahren Bilderrausch geschaffen, der sich große Teile der Laufzeit kaum um Sehkonventionen und narrative Regularien schert. Man sieht dem Film zu jedem Zeitpunkt an, wie lange der Regisseur brauchte, um die perfekten "Kulissen" für sein Werk zu finden. Der Film kommt häufig komplett ohne Effekte aus, die Schauplätze sprechen für sich.

Aber auch "The Fall" zeigt die Probleme auf, die schon Singhs erster Spielfilm "The Cell" hatte. Die Geschichte fungiert eher als loser Rahmen für eine überbordende Bilderflut und ist dieser zu keinem Zeitpunkt ebenbürtig. Im Gegensatz zu "The Cell" inszeniert Singh hier aber genau das, was er intendiert. Er beugt sich nicht den Einflüssen eines großen Studios, setzt auf einen komplett unbekannten - wenn auch nicht minder guten - Cast und erzeugt Bildkompositionen die zugleich verstörend wie auch wunderschön sind.

"The Fall" ist ein einzigartiges, unheimlich intensives Filmerlebnis, dass kaum mit anderen filmischen Werken vergleichbar ist. Singh geht sturr seinen Weg und genau das zeichnet "The Fall" aus.

Ich habe noch nie ein Werk von Alejandro Jodorowsky gesehen, aber genauso habe ich sie mir stets vorgestellt.
Ein Glück, dass Singh in David Fincher und Spike Jonze zwei bekannte Regisseure gefunden hat, die, wie er auch, der Werbefilmbranche entstammen und das Potential des Filmes erkannt haben. Sie haben mit ihren Namen und Kontakten dafür gesorgt, dass "The Fall" weitere Verbreitung findet und sich hoffentlich noch viele Filmliebhaber an diesem Werk erfreuen dürfen.

Hochinteressante, komplett eigenständige Bilderflut, deren Geschichte sich den Singh'schen Bildkompositionen komplett unterordnet.
Eigenständig und sicher nicht Jedermanns Sache.

8,5 von 10 Punkten

Batman: The Dark Knight

2009-12-10T23:24:00.004+01:00

Es gleicht einem Wunder, dass ich mich diesem Film so lange verschließen konnte.
Das lag weniger an bösen Vorahnungen denn an mangelndem Budget.
Das Special Edition Boxset hatte es mir angetan und so hieß es sparen oder, wie im hier vorliegenden Falle, ein günstiges Angebot erwarten.
Aber genug der Vorrede, widmen wir uns Christopher Nolan's zweiter Regiearbeit im Batman-Universum.
Überraschte sein Batman Begins schon mit einer sehr düsteren Grundstimmung, die sich deutlich von den bisherigen Verfilmungen der bekannten amerikanischen Comic-Ikone abhob, so sollte Batman: The Dark Knight in diesem Punkt, laut Ankündigungen der Macher, noch einen draufsetzen.
Doch düster wurde es bereits weit vor Filmstart. Heath Ledger, der als Darsteller des Jokers Erkorene, verstarb wenige Tage vor der, auf seine Person zugeschnittenen, Werbekampagne in Folge von überhöhtem Tablettenkonsum.

Das trieb den ohnehin schon riesigen Hype um das Werk in unermessliche Höhen und führte schlussendlich zum erfolgreichsten Filmstart aller Zeiten in den Vereinigten Staaten. Ledgers mit vielen Gerüchten verbundenes, viel zu frühes Ableben und die stimmigen Trailer sorgten für ausverkaufte Säle.

Doch irgendwie war ich zu jener Zeit noch nicht bereit für eine Sichtung. Und so ergab es sich, dass diese erst vor Wochenfrist erstmalig stattfand.

Eins sei gleich erwähnt. Der Film beginnt mit einem Paukenschlag. Die Szene zu Beginn, die den Joker im Anschnitt zeigt und sein Vorhaben ohne viele Worte bebildert, gehört mit zu den großartigsten Opening-Scenes, denen ich je beiwohnen durfte.

Der Film fokussiert sich, gegenteilig zu seinem direkten Vorgänger, weniger stark auf die Figur des Bruce Wayne/ Batman, sondern entspinnt viele weitere interessante Subplots und stellt Christian Bale mehrere nahezu ebenbürtige Nebendarsteller zur Seite.

Aaron Eckhart, beispielhaft, gibt seinen Harvey Dent, die gute Seele Gothhams, so vielschichtig wie auch gekonnt. Er verleiht diesem schwierigen, im Verlaufe des Filmes zunehmend tragischen Charakter, eine Tiefe, die einen das ein ums andere Mal staunend zurücklässt. Hier ist Nolan eine exzellente Wahl gelungen. Das gilt selbstredend auch für Ledger. Man spürt wie sehr er sich in diese Rolle gebissen und hineinversetzt hatte. Er gibt diesen diabolischen Charakter mit einer angsteinflösenden Präsenz, die einzelne Abschnitte des Filmes ganz von alleine trägt und bei mir Wehmut aufkommen lässt. Das so ein talentierter Akteur, der in jüngerer Vergangenheit mit dieser Rolle und der des Ennis del Mar in "Brokeback Mountain" zwei solch herausragende ablieferte, so früh verstarb, ja das macht mich tieftraurig.
Nichtsdestotrotz sollten wir an dieser Stelle auch weitere Mitglieder des Casts lobend hervorheben. Da wären zum einen die aus dem Vorgänger bekannten Herren Freeman, Oldman und Caine, die so souverän wie fabelhaft agieren und sich wahrhaft supporting Actors nennen dürfen, aber auch Maggie Gyllenhaal, die Katie Holmes im direkten Vergleich in Grund und Boden spielt und kleine aber prägnante Highlights setzt. Selbst alternden B-Movie Stars wie Eric Roberts und Anthony Michael Hall verhilft Nolan zu einem gelungenen Career Refreshment.

Der Film selbst präsentiert sich als ausgewogene Mischung zwischen dramatischen, puren Momenten und grandios fotografierten Actionsequenzen. Die Actionszenen dienen aber nie zum Selbstzweck, sondern treiben die Geschichte stets voran. Der Film ist überlang, doch zumindest ich habe bei der Ansicht nichts davon gespürt.

Ungewöhnlich ist die schier greifbare Tiefe und Düsternis des Werkes, die so untypisch ist, für das Hollywoodkino moderner Prägung. Ein Vergleich mit dem Comedy-Batman eines Joel Schuhmacher verbietet sich von selbst. Batman ist stets ein gebrochener Held, der Erretter und Gejagte zugleich, Freund und Feind in einer Person und stets ambivalent in seinem Handeln. Kein Superheld, sondern ein Mensch, der für das Gute kämpft und dabei wie jeder andere seiner Spezies Fehler begeht.

Der Score ist superb und wer hätte je gedacht, dass ich das je über einen Hans Zimmer Score behaupten würde. Nun gut, James Newton Howard war ebenfalls nicht ganz unbeteiligt an der musikalischen Untermalung. Die Kameraaufnahmen von Wally Pfister sind gleichzeitig so düster und doch so schön und poesievoll, dass es eine Wonne ist. Ohne jetzt alle weiteren technischen Departments aufzuzählen, so sei ihnen doch allen ein Lob gegönnt.

Ein Film, welchen ich jedem Comic Fan aber ebensosehr alle anderen Filminteressierten nur wärmstens empfehlen kann. Schiere Perfektion in der Verquickung von Bombast und Tiefgang.

9,5 von 10 Punkten

(So recht kann ich den halben Punkt Abzug nicht erklären, aber zur Höchstwertung fehlt mir etwas, dass ich nicht in Worte fassen kann)

Burn after Reading

2009-11-19T23:47:00.007+01:00

It's Birthday Time.

Den Black Forest Movie Guide gibt es nun seit 2 Jahren.
Viele Rezensionen, wenige anders gelagerte Beiträge und Newsmeldungen und vor allem viel Nonsens liegen hinter ihm.
Er kam in den Genuss einiger Meisterwerke, vieler überdurchschnittlicher Sehfreuden, mittelmäßiger Filmkost und hatte leider auch den ein oder anderen Rohrkrepierer zu verdauen.

Zum Jubiläum gibt es eine recht erfreuliche Rezension. Der Film, um welchen es gehen soll, hört auf den Namen "Burn after Reading" und wurde von den Coen-Brüdern Joel und Ethan (The Big Lebowski, Fargo, Blood Simple, O Brother there Art thou?) geschrieben als auch inszeniert.

Der Cast kann sich nun wirklich sehen lassen. Da wären zum einen Brad Pitt und George Clooney in recht untypischen Rollen, John Malkovich mit einer Spielfreude, welche seinesgleichen sucht, Tilda Swinton und Frances McDormand als großartige und sehr unterschiedliche Leading Ladys und ein erfrischend aufspielender Richard Jenkins. Auch das weitere Ensemble ist bis in die kleinste Nebenrolle hervorragend besetzt.

Der Film lebt vom typischen trockenen Coen-Humor und einer Direktheit, die nahezu alle Werke der Brüder auszeichnet. So werden Charaktere skurillen Szenen "geopfert", von welchen man es nun wirklich nicht erwarten durfte. Skurill ist auch die richtige Bechreibung für das Drehbuch. Es dreht sich nämlich eigentlich um nichts.
Brad Pitts und Frances McDormands Alter Egos gerät eine CD in die Hände, deren Inhalt sie als höchst vertraulich und von höchster Wichtigkeit für den Eigentümer und diverse Organisationen vermuten. Sie versuchen einerseits die Daten zu verhökern und zweitens auch beim Eigentümer einen gewissen Obulus für ihre "Diskretion" zu erhalten. Aus und um diese plumpe Erpressung entspinnt sich ein Kabinett des Sonderbaren, was narrativ seines Gleichen sucht.

Herrlich ist es auch den Darstellern dabei zuzusehen, wie sie ihren Legendenstatus genüsslich demontieren und gegen die oftmals vorhandenen Rollenklischees anspielen bzw. diese persiflieren.

Der Film ist ausgezeichnet bebildert von einem der Meister seines Fachs, Emmanuel Lubezki, welcher auch schon Werke wie Children of Men und Sleepy Hollow mit seinen Bildkompositionen veredelt hat. Die Musik stammt, wie so oft bei dem kauzigen Brüderpaar aus der Feder von Carter Burwell. Zwar reicht er nicht an die Genialität seines "Oh Brother there Art thou?" - Scores heran, weiß aber zu gefallen und unterstreicht die skurillen aber auch die melancholischen Momente der Geschichte adäquat und einfühlsam.

Die Coens zeigen erneut, welch Raffinesse und Ideenreichtum ihnen innewohnt. Kaum jemand versteht es so gekonnt wie diese Beiden, anspruchsvolles und unterhaltendes Kino miteinander zu verbinden.
Bis auf wenige "Ausrutscher" sind die Beiden immer noch eine sichere Bank und das ist eine erfreuliche Konstante im schnelllebigen Filmgeschäft

Großartige Aufarbeitung der Themen Gier, Schönheitswahn und Liebe. Ein Film dessen Ziel es ist zu amüsieren, aber trotz des Amüsements auch nachdenklich zu machen.

8,5 on 10 Punkten

p.s.: Auf die nächsten beiden Jahre "Black Forest Movie Guide". Ich bleibe mir treu, ich hoffe so mancher von euch mir und meinem Blog auch.

I'm a Cyborg, but that's ok

2009-11-12T00:04:00.005+01:00

Chan-Wook Park die Zweite.
Nach der Rezension zu seinem Erstlingswerk Joint Security Area folgt nun die zweite Besprechung eines seiner Werke binnen Wochenfrist.

Das vorliegende Werk trägt den klangvollen Namen "I'm a Cyborg, but that's OK". Nach Abschluss seiner Rache-Trilogie rund um Sympathy Mr. Vengeance, Oldboy und Lady Vengeance hatte Park, nach eigener Aussage, für's erste genug der düsteren Stoffe.

Nun möchte man meinen, der Regisseur nähme sich eines leichten, eventuell komödiantischen, Stoffes an. Aber weit gefehlt...

I'm a Cyborg... könnte man als Kreuzung aus "Einer flog über das Kuckucksnest" und einer lakonischen Außenseiterdramödie ansehen.

Alleine die Startsequenz rechtfertigt die Sichtung des Filmes. Sie ist gleichzeitig kreativ inszeniert, äußerst skurill, tieftraurig, voller schwarzem Humor und bietet alle typischen Trademarks des visionären Regisseurs Chan-Wook Park.

Die Musik ist wiederum herausragend, kein Wunder zeichnet sich doch der selbe Komponist wie schon bei JSA für den Score verantwortlich.

Der Film verschließt sich einer stringenten narrativen Ebene beinahe vollständig und lässt seine Bilder, seine Situationskomik und die stets unterschwellig spürbare Tragik der Situationen und Charaktere für sich sprechen.
Die Darsteller transportieren die kleinen oder zumeist eher größeren Macken ihrer Charaktere nahezu durchgehend sehr glaubwürdig, auch oder gerade weil ihr Spiel oftmals von kleinen Gesten lebt.

Der Film hat unbestritten gewisse Längen und ist definitiv eine Erfahrung der schrägeren Sorte (die koreanische Jodeleinlage sei nur ein Indiz hierfür), aber gerade diese übertriebene Elegie und der verschrobene Charme machen den Film sehenswert. Schade ist, dass das Ende etwas kurz geraten ist, aber unterm Strich bleibt ein lohnenswertes und wahrlich schwer vergleichbares bzw. kategorisierbares Filmerlebnis.

Ein Tipp für Open-Minded Filmseher und eine Warnung für Liebhaber einfach zu konsumierender Werke.

7 von 10 Punkten

District 9

2009-11-08T23:38:00.004+01:00

Ein Film, dessen Klasse sich fast im Vornherein abzeichnete.
Am Anfang war ein großartiger Kurzfilm des Südafrikaners Neill Blomkamp namens "Alive in Joburg", welchen ein gewisser Peter Jackson aus Neuseeland zu Gesicht bekam.
Dieser war so fasziniert von diesem Stück Film, dass er Blomkamp vom Fleck weg als Regisseur für die kommende Verfilmung des Computerspieles Halo verpflichten wollte. Doch da diese nach diversen Querelen und Unstimmigkeiten bei den diversen Drehbuchentwürfen vorerst auf Eis liegt musste ein neuer Job für den fähigen Jungregisseur her.
So kamen Jackson und Blomkamp auf die Idee aus dem spannenden Kurz- einen noch spannenderen Langfilm zu machen. Gesagt, getan, hieß es nun das Ergebnis sichten.

Und was soll man sagen, Blomkamps Debüt ist eine hervorragende Verbindung von dramatischen Elementen und kurzen aber eruptiven Action Momenten. Sowohl die zwischenmenschlichen Passagen als auch die Effektschlachten wissen zu beeindrucken. Man sieht an allen Ecken und Kanten, wer hier für die Effekte zuständig war und dabei handelt es sich um niemand Geringeren als die Leute von Weta, die schon Jacksons Herrn der Ringe oder King Kong veredelt haben.

Der Film und seine Macher beweisen in vielen Aspekten Mut. So sind die Darsteller durch die Bank bisher relativ unbekannt, Johannesburg als Spielplatz wenig populär und die Ausrichtung des Filmes oftmals eher pessimistischer Natur.

Doch gerade das macht den Film auch aus. Er bietet zum Ende keine A-typischen Lösungen, hat keine Identifikationsfiguren im herkömmlichen Sinne und bricht das ein ums andere Mal mit Sehgewohnheiten.

Aber gerade die Szenen, in welchen zum Beispiel die ungewöhnliche Egoshooter-Perspektive zum Einsatz kommt oder ein ruhiger Dialog zwischen Mensch und Alien stattfindet, sind es, die diesen Film so besonders machen.

Der Film nimmt sich der Immigranten-Thematik auf eine ungewöhnliche und gleichzeitig passgenaue Art an, vergisst es aber nie seinen Zusehern zur rechten Zeit unterhaltende Elemente zu liefern.

Dieser gelungene Spagat trug wohl auch maßgeblich zum großen Erfolg der Produktion bei. Man sieht dem Film zu keinem Zeitpunkt an, dass er "nur" 30 Millionen Dollar verschlungen hat. Was Effekte angeht, aber auch vieles andere, so spielt er eindeutig in der ersten Liga.

Großartige Parabel, die noch einiges von Herrn Blomkamp erwarten lässt. Aber jetzt ist erstmal sein Produzent und Meister Peter an der Reihe zu zeigen, dass auch er es noch beherrscht großartige Filme zu drehe. Sein neuer Film "The Lovely Bones" startet hierzulande im Dezember.

Hochverdiente 9,5 von 10 Punkten

Dawn of the Dead (2004)

2009-11-08T14:04:00.003+01:00

Nachdem ich oben benanntes Werk nun zum vierten Mal bewundern durfte, kommt es auch in den Genuss einer Rezension an Ort und Stelle.

Der Aufschrei war groß als im Jahre 2003 bekannt wurde, dass George A. Romeros bekanntestes Werk "Opfer" der Remake-Industrie werden sollte. Dazu noch ein, bis dahin, gänzlich unbekannter Regisseur und ein Trailer, welcher die geneigten Untoten nicht wie Romero einstmals als schlurfende Wesen sondern als Horde sprintender Gesellen darstellte.

Mir bereitete diese Modernisierung keine Probleme und auch ansonsten sah der Trailer sehr geschmackvoll aus. Und so hieß es am Premierentage, ab ins Lichtspielhaus meines Vertrauens.
Und was mich dort erwartete, dass konnte ich noch lange danach kaum in Worte fassen. Zack Snyder hatte ein unbeschreibliches Debüt hingelegt. Eine Geschichte, angelehnt an das Original, aber aufgefüllt mit viel Sarkasmus, der Gesellschaftskritik die auch das Vorbild auszeichnete und randvoll mit derbsten Effekten.

Der Film bot 100 Minuten voller Kurzweil und Spannung und endete so verstörend, wie er begonnen hatte. Zu den Klängen von Disturbed ließ Znyder seinen Film mit unkommentierten aber deutungsintensiven Szenen enden.

Der Soundtrack ist allgemein eine sehr große Stärke dieses Werkes, hier hat Tayler Bates ganze Arbeit geleistet. Und auch bei der Effektabteilung muss man sich bedanken. Schwarzhumorige Szenen wie beispielsweise das Zombie-Prominenten-Quiz mit anschließender Beseitigung haben sich mir umgehend eingeprägt.

Der Look des Films ist modern aber dennoch an den morbiden Stil des Originals angelehnt und die Cameos diverser Protagonisten des Originals bzw. Szenegrößen der Horrorcommunity freuen wohl jeden Fan des Genres.

Kurzum, ein rundum gelungenes Remake, dass sowohl den Geist des Originals transportiert als auch neue Ansätze mit einbindet. Der Film machte auch bei der vierten Sichtung noch enormen Spaß.

9 von 10 Punkten

Joint Security Area

2009-11-08T11:54:00.003+01:00

Nach (zu) langer Zeit melde ich mich an dieser Stelle wieder einmal zu Wort.
Als Ehrenrettung sei gesagt, dass ich in den zurückliegenden Wochen auch kaum Filme goutiert habe.
Aber über einen von diesen möchte ich dann doch ein paar Worte verlieren.
Der internationale Titel lautet Joint Security Area oder knapp JSA. Inszeniert wurde das Ganze von Maestro Chan-wook Park, seines Zeichens Regisseur der Rache Trilogie beginnend mit Sympathy for Mr. Vengeance und endend mit Lady Vengeance. Der Mittelpart Oldboy ist noch wie vor ein herausragender Vertreter der asiatischen Filmkunst und auch Lady Vengeance wusste mich in nahezu allen Belangen zu überzeugen. Den Anfang der Trilogie habe ich leider noch nicht ansehen dürfen, dass werde ich aber bestimmt in Bälde nachholen.

Aber nun zu JSA. Wir haben es mit einem waschechten Drama zu tun, dass sich mit den Konflikten der beiden Teile Koreas, Süd- und Norkorea, beschäftigt. Wir betrachten eine schweizerische Ermittlerin mit koreanischen Wurzeln, welche im Auftrag der Aufsichtsbehörde der neutralen Staaten den scheinbar kaltblütigen Mord an zwei nordkoreanischen Grenzsoldaten untersuchen soll.
Doch hinter dem scheinbar brutalen Angriff seitens der Südkoreaner steckt etwas Gänzlich anderes. Die Geschehnisse werden in Rückblenden erzählt und schildern, immer wieder unterbrochen von Szenen in der Gegenwart, wie es zu der folgenschweren Schießerei kommen konnte.
An dieser Stelle mehr über den Geschichtsverlauf zu verraten wäre sträflich.

Verraten werden darf aber, dass die Musik, für welche sich Jeong-wook Jo und Jun-Seok Bang verantwortlich zeichnen, exorbitant gelungen ist. Hier beweist Chan-wook Park auch schon in der frühen Phase seiner Karriere ein Händchen bei der Komponistenwahl. Stellenweise erinnern die Melodien etwas an den hervorragenden Soundtrack zu Lady Vengeance, was wohl kaum ein Zufall ist, da dort Jeong-wook Jo ebenfalls eine wichtige Rolle zukam.
Die Kameraführung gibt einem die Möglichkeit das ein ums andere Mal tief ins Geschehen einzutauchen und den Protagonisten so näher zu kommen, als einem lieb ist.

Die Darsteller agieren auf einem glaubwürdigen Niveau, hier seien vor allem Yeong-ae Lee, die später auch die Hauptrolle in Park's Werk Lady Vengeance einnehmen sollte, und Byung hun Lee erwähnt.

Regisseur Chan-wook Park versteht es wieder einmal eine Geschichte mit viel Herz, Tiefgang und vor allem einer Message zu erzählen und den Zuschauer über nahezu die gesamte Dauer der Filmlaufzeit zu fesseln. JSA ist sein erster großer Film und bereits hier offenbart er Talente, welche bei seinen kommenden Filmen noch weiter zum Tragen kamen. JSA ist meiner Meinung nicht Park's Meisterwerk, aber nichtsdestotrotz in jedem Falle empfehlenswert.
Weiterhin nimmt der Film Annäherungen der beiden Teile Koreas vorweg, welche nur wenige Monate nach der Filmpremiere geschahen.

7,5 von 10 Punkten

In meinem Himmel

2009-10-03T09:30:00.002+02:00

Heute widme ich mich nicht der Rezension eines Filmes, sondern befasse mich mit Alice Sebolds Roman "The Lovely Bones" oder "In meinem Himmel", seinem deutschen Titel.

Aufmerksam wurde ich auf das Buch wiederum durch einen Filmschaffenden. Ausnahmetalent Peter Jackson (Der Herr der Ringe, The Frighteners, Heavenly Creatures, King Kong, Bad Taste) hat es sich zur Aufgabe gemacht die vorliegende Geschichte in filmischer Form umzusetzen.

Da ich seinen frühen Ausflug ins phantastisch-dramatische Genre, Heavenly Creatures, sehr mag war ich äußerst gespannt auf die Lektüre.

Etwa 380 Seiten später bin ich um einiges schlauer und kann mit Sicherheit sagen, dass dies ein hervorragender Stoff für den Visionär Jackson darstellt.

Im Buch dreht sich alles um die 13-jährige Susie Salmon, die gleich zu Beginn einem Vergewaltiger zum Opfer fällt, welcher sie in der Folge ermordet und ihre Leiche verschwinden lässt. Doch die Tat bildet nicht den Kern der Geschichte. Susie kommt in den Himmel, in ihren Himmel, und betrachtet von dort ihre Familie, ihre Freunde, Schulkameraden, Nachbarn und ihren Mörder George Harvey, der, wie sie bald merkt, in ihr wahrlich nicht sein einziges Opfer gefunden hat. Susie muss mit ansehen wie ihre Familie, in den Monaten nach der Tat, immer mehr auseinander fällt. Ihre Eltern entzweien sich immer mehr, ihre Schwester Lindsey leidet darunter, dass alle in ihr nur das Abbild Susies sehen und selbst ihr kleiner Bruder Buckley wird sich, trotz seines Alters, bewusst, dass das Fernbleiben Susies nun für immer anhalten wird.

Susie versucht für sie da zu sein, Tipps auf ihren Mörder zu geben, sie in wichtigen Momenten zu begleiten, doch das ist reichlich schwierig für Jemanden, der nicht mehr auf Erden wandelt.

In meinem Himmel ist ein anrührendes Buch, dass gefühlvoll das Leben einer Familie und ihres umgebenden Mikrokosmos einfängt. Es beschäftigt sich mit Motiven wie Trauer, Verlust, Entfremdung, Heranwachsen und der universalen Liebe. Dazu eingestrickt ist geschickt die Geschichte, die sich mit den Gräueltaten George Harveys beschäftigt, nie aber explizit wird.
Ein herrlicher Schachzug ist es, die Geschichte aus der Perspektive der ermordeten Susie Salmon zu erzählen und wie sie ihre eigene Lage, aber auch den Fortlauf der Dinge auf Erden, beurteilt.

Das Buch ist sicherlich kein reines Drama und wahrlich kein Thriller, wobei Spannungsmomente durchaus zahlreicher Natur sind. Es ist viel mehr die Studie einer trauernden Gemeinschaft, die erst langsam lernt mit dem Verlust zu leben. Gespickt ist das ganze mit wohldosierten phantastischen Nuancen.

Ein tolles Buch, dass die Erwartungen an den Film kräftig nach oben schraubt und auf ein erneutes Meisterwerk ala "Heavenly Creatures" hoffen lässt.
Ich harre gespannt der Dinge, die da kommen.

Ghost Rider

2009-10-02T22:13:00.002+02:00

Ein Film, der mir über seine ganze Zeit kaum eine Regung abverlangt und mich zu keiner Zeit zum Denken anregt. Man mag sagen, dass das bei Comicverfilmungen ala Ghost Rider auch nicht nötig sei. Aber da bin ich anderer Meinung, die ersten beiden X-Men Teile und Batman Begins habens gezeigt und selbst der Regisseur des hier vorliegenden Werkes, Mark Steven Johnson, hat mit Daredevil einen recht ansprechenden Vertreter des Superhelden-Genres geschaffen.

Doch Ghost Rider ist schlichtweg seelenlos, Nicolas Cage wie so oft fehlbesetzt (der Mann scheint erstens sein schauspielerisches Talent und zweitens sein Händchen für die richtige Rollenwahl komplett verloren zu haben) und die Effekte, trotz eines riesenhaften Budgets, teils eher dem B-Movie Sektor zuzuordnen.

Der Cast hat weitesgehend kein deutliches Profil, einzig Wes Bentley als Cages Gegenspieler und Sam Elliot als väterlicher Vertrauter und Leidensgenosse können wirklich überzeugen, wohingegen Peter Fondas Darstellung des Teufels soweit im Overacting-Autopilot-Status schwebt, dass einem die Tränen, aber nicht des Glücks, kommen.

Spannung kommt selten bis gar nicht auf, der Anfang hebt sich leicht positiv hervor und die Handmade-Effekte sind ganz ordentlich.

Aber sonst heißt es, außer Spesen nichts gewesen.
Kein abgrundtief schlechter, aber sicher leicht unterdurchschnittlicher Big Budget - Streich.

4 von 10 Punkten

Wolf Creek

2009-10-02T21:52:00.002+02:00

Dieser Backpacker-Horror-Thriller aus dem Jahre 2005 erreichte recht bald nach seinem Release im Heimatland Australien einen gewissen Kultstatus auf internationaler Ebene und spielte seine Kosten mit spielender Leichtigkeit wieder ein

Regisseur Greg McLean setzt in seinem Werk auf einen realistischen, fast dokumentarischen Stil mit häufigem Einsatz der Handkamera. Er realisiert einen gefälligen Spannungsaufbau und gibt seinen Charakteren, ungewöhnlich für einen Horrorfilm, viel Zeit zur Entfaltung. Erst nach geschätzten 50 Minuten beginnt das Terrorkino, dann aber richtig. Zuvor hatte McLean seine Protagonisten ausschließlich auf ihrer Reise an entlegene Orte des Outbacks begleitet und kleinere Andeutungen gefahren.

Kameramann Will Gibson fängt wunderschöne Landschaftsaufnahmen ein, aber welches Land eignet sich dazu auch so hervorragend wie Australien. Die Klinge von Frank Tetaz sind häufig zurückhaltend und erfüllen gerade deshalb so adäquat ihren Zweck.

Die Protagonisten sind allesamt recht unbekannt, spielen aber sehr souverän und empfehlen sich für weitere Aufgaben. Vor allem John Jarratt gibt einen herrlich bösen Fiesling, der sich erst nach einer gewissen Zeit vollständig offenbart.

Der Film erinnert in seinen besten Momenten an die hypnotischen Bilder eines "The Texas Chainsaw Massacres" (ich spreche hier vom Original aus den 70er Jahren), leidet aber doch auch an so manchen Logikschwächen und Storyzugeständnissen, wie viele andere Vertreter des Genres auch.

Das ändert aber nichts daran, dass Wolf Creek ein sehenswerter Film ist, der vor allem zum Ende hin die Spannungs- und Brutalitätsschraube kräftig anzieht, glücklicherweise aber nie seine Charaktere vergisst. Die Opferreihenfolge scheint etwas beliebig, ist aber gerade daher sehr wirkungsvoll für den Zuseher.

Spannung ist garantiert, auch wenn das wahrlich nicht die Gefilde der Perfektion erreicht.

7 von 10 Punkten

Hunting Party

2009-09-19T15:06:00.003+02:00

Der hier vorliegende Film nimmt sich eines sehr ernsten Themas an, des Bosnienkriegs. Die Hauptdarsteller Richard Gere und Terrence Howard spielen zwei Journalisten, die über lange Jahre ein eingespieltes Reportageteam in den Krisengebieten der Welt waren. Geres Charakter rastet während einer Live-Schalte, die beiden berichten von einem Massaker an der unschuldigen Landbevölkerung, aus und wird vom Dienst suspendiert.
Darauf verlieren sich die beiden einige Jahre aus den Augen, Howards Duck macht große Karriere, während Geres Simon Hunt sich immer weiter auf das journalistische Abstellgleis manövriert. Als Duck, 5 Jahre nach Kriegsende, wieder nach Bosnien reist, passt Simon ihn ab und berichtet ihm, dass er eine große Story hätte. Er wisse, wo sich ein bekannter, "Der Fuchs" genannter, Kriegsverbrecher verstecke.
Duck begleitet Simon, trotz starken Zweifeln, um der alten Zeiten Willen. Gesellschaft bekommen sie von dem jungen Benjamin Strauss, Ducks Praktikant und Sohn seines stellvertrenden Senderchefs.

Die Geschichte beruht zu Teilen auf wahren Erlebnissen einer fünfköpfigen Journaistengruppe und der, hier Fuchs titulierte Kriegsverbrecher, ist an die Person Radovan Karadzic angelehnt.

Der Film übt Kritik an den internationalen Eingreiftruppen, der Nato, diversen Regierungen und dem Kriegsverbrechertribunal in Den Haag, dass ein landesweit gesuchter Kriegsverbrecher wie Karadzic (hier "der Fuchs") trotz angeblicher intensiver Suchmaßnahmen und großer Streitkräfte nicht gefasst werden konnte. Er stellt die Theorie auf, dass diverse Länder sogar Interesse verfolgten, die einer Ergreifung des Verbrechers entgegensteuerten.

Das Werk wandelt häufig auf den Pfaden zwischen Unterhaltungsfilm mit zynischem Unterton und düsterer Anklage. Diesen schmalen Pfad muss es doch das ein ums andere Mal verlassen und überzieht in manchen Szenen. Das machen aber oft die beiden beeindruckenden Hauptdarsteller Gere und Howard wett, nur hätte es den Sidekick-Charakter von Jesse Eisenberg nicht gebraucht. So hätte man sich auch die Szene mit Diane Kruger sparen können, die wenig bis gar nichts zum Geschichtsverlauf beiträgt. Gere war lange nicht mehr (oder vielleicht noch nie) so gut wie hier, das lässt doch etwas für seine schauspielerische Zukunft erwarten.

Der Film ist nahezu durchgängig spannend inszeniert, was aber seine Glaubwürdigkeit auch des Öfteren in Frage stellt. Die skurillen Charaktere, die es hier zuhauf gibt, passen sich zumeist gut in die Geschichte ein (der Verbrecherzwerg, donutmampfendes Streitkräfteoberhaupt, etc...), tragen aber auch nicht unbedingt zu einer geschichtlichen Nähe bei.

David Tattersall liefert wieder einmal großartige Bilder ab, Erfahrung hat er darin ja zuhauf (Star Wars, The Green Mile, The Matador) und der Score von Rolfe Kent ist auch gelungen. Die Settings sind ausdrücklich zu loben, ob in Krisen- oder Friedenszeiten.

Richard Shepard (Mord und Margaritas) gelingt ein Unterhaltungsfilm mit einer löblichen Botschaft, die aber von dem oftmals skurillen oder actionlastigen Grundtenor etwas verwässert wird.

6,5 von 10 Punkten

Spaceballs

2009-09-19T13:51:00.003+02:00

Mel Brooks nimmt sich in diesem Werke vorrangig dem Star Wars Universum an und das, in gewohnter Manier, wenig ernstahft.

So macht er aus Jabba the Hut Pizza the Hut, aus dem zotteligen Chewbacca wird Mawg (eine Mischung aus Mann und Hund) Barf, Darth Vader wird zu Lord Helmet (in der deutschen Synchronisation Lord Helmchen), aus dem weisen Yoda wird der tatterige und merchandiseerprobte Yogurt und so weiter und so fort.

An allen Ecken und Kanten tauchen Reminiszenzen an mehr oder minder meisterhafte Werke der Filmgeschichte auf. So werden Filmserien wie Star Trek, Alien oder Planet der Affen karikiert und auch 2001 - Odyssee im Weltraum und die Transformers Figuren bekommen ihr Fett weg.

Aus dem Leitspruch der Star Wars Filme "May the force be with you" ("Möge die Macht mit dir sein") wird weiterhin sehr rasch "May the Schwartz be with you", wobei die Herkunft des Begriffes Schwartz nie so recht geklärt werden konnte.

Die Settings und Kostüme sind erstaunlich nah an den Originalen und zeigen so eine, dem vorherrschenden Slapstick zum Trotz, durchaus vorhanden Detailverliebtheit.

Man könnte die Parodie stundenlang zitieren, kommen doch so wundervolle Zeilen wie "I'm a mog: half man, half dog. I'm my own best friend!", "Out of order? FUCK! Even in the future, nothing works!", "I am your father's brother's nephew's cousin's former roommate. ", "It's Mega Maid. She's gone from suck to blow. ", oder aber "You idiots! These are not them! You've captured their stunt doubles! ".

Spaceballs ist eine wahrlich witzige Parodie auf die Filme der 70er und frühen Achtiger und punktet gen Ende mit einer großartigen Alien-Hommage und einer sehenswerten "Planet of the Apes" Verbeugung.

Go and see this film, may the schwartz be with you!

8 von 10 Punkten

Malastrana

2009-09-17T19:59:00.002+02:00

Wer hier einen blutigen Giallo erwartet, der wird wohl nach Ansicht des Werkes von Aldo Lado enttäuscht dreinblicken. Lado legt den Fokus eher auf seine Charaktere, deren Entwicklung und optische Leckerbissen. Visuell hervorragend umgesetzte Kamerafahrten und die soghafte Musik von Ennio Morricone wissen den geneigten Zuseher zu entzücken.

Die Geschichte des Journalisten Gregory Moore, der das Verschwinden seiner Freundin Mira aufklären will und dadurch in große Gefahr gerät klingt bis dato wenig originell. Nur zäumt sich das Werk sozusagen von hinten auf. Moore Charakter wird relativ zu Anfang scheinbar tot in einer Parkanlage aufgefunden, doch ist er dies nicht wirklich. Er befindet sich in einer Art Wachkoma, lebt, aber kann sich seiner Umwelt nicht verständlich machen. Er versucht das Geschehene der letzten Tage und Wochen in seinem Geiste zu rekapitulieren und so wird der Zuschauer Zeuge der Ereignisse, die zu seinem Zustand führen sollten.

Dies alles steuert auf ein überraschendes Ende zu, bis zu diesem werden dem Zuseher stimmungsvolle Aufnahmen Prags, argentoeske Bilderlandschaften und spannungsvolle Momente serviert. Der Film ist ein Giallo, der weniger der Härte, denn seiner Geschichte und deren Protagonisten huldigt. Zwar kommt es zu kurzen Momenten der Gewalt und sexuellen Momenten, doch diese inszeniert Lado eher zurückhaltend.

Ihm stand mit so bekannten Namen wie Barbara Bach, Jean Sorel, Ingrid Thulin und Mario Adorf ein hervorragender Cast zur Verfügung, der auch eine gute Leistung bietet. In einer kleinen Nebenrolle gibt es übrigens Jürgen Drews (ja den mit dem "Bett im Kornfeld") zu sehen, der ein seltsames Liedchen vor sich her trällert. Ebenjener Sangesbarde hat auch einen sehr unterhaltsamen, wenn auch mit wenig Bezug zu diesem Film ausgestatteten, Audiokommentar eingesprochen.

Stimmungsvoller Thriller mit Giallo- und Okkultismus-Anleihen.

7 von 10 Punkten

Der stille Amerikaner

2009-09-17T19:21:00.002+02:00

Dieser Film von Regisseur Phillip Noyce (Catch a Fire, Todesstille, Der Knochenjäger) beruht auf einem Roman von Graham Greene, welcher zu Teilen auf Tatsachen beruht und zu anderen Teilen rein fiktionaler Natur ist. Er thematisiert die Geschehnisse an den Anfängen des Vietnam-Krieges und die Verstrickung zweier unterschiedlicher Männer darin, die beide die selbe Frau begehren. Einen davon spielt Michael Caine, welcher für diese Darbietung eine Oscar-Nominierung als bester Hauptdarsteller einheimsen konnte. Er spielt den alternden britischstämmigen Journalisten Thomas Fowler, der als Vietnam-Korrespondent für seine Zeitung fungiert. Er hat in Phuong eine bildhübsche und blutjunge Geliebte und versucht hauptsächlich wegen ihr seinen Abzug ins Londoner Büro seines Arbeitgebers hinauszuzögern. Weiterhin erschwert die Lage, dass Thomas noch verheiratet ist und seine hochrelegiöse Frau einer Scheidung und einer wiedermaligen Heirat ihres Mannes nicht einwilligen will, die Thomas' Geliebte Phuong absichern würde.

Im Laufe dieser Ereignisse tritt der Amerikaner Alden Pyle auf den Plan. Er stellt sich als Vertreter einer ärztlichen Hilfsorganisation vor und verliebt sich umgehend unsterblich in Phuong. Es entspinnt sich eine komplizierte Dreiecksbeziehung, die langsam aus dem Ruder läuft. Und nicht jeder ist das, als was er sich ausgiebt. Keiner von den Dreien wird diese Geschichte schadlos überstehen.

Phillip Noyce fokussiert sich in seinem Werk auf die Entwicklung seiner Charaktere. So stehen nicht die Gräuel des Vietnam-Krieges im Mittelpunkt der Geschichte, auch wenn diese in intensiven Zwischenintermezzi immer wieder thematisiert werden, sondern die bizarre Dreiecksbeziehung und ihre Folgen.

Thomas Fowler findet in seinen Recherchen viele unangenehme Dinge heraus, auch was Alden betrifft, aber auch er offenbart seine dunklen Seiten.

Michael Caine spielt groß auf und so recht können weder Brendan Fraser, auch wenn er seine Sache gut macht, und Do Thi Hai Yen, die Darstellerin der Phuong, hier mithalten. Caines Rolle ist von Natur aus vielschichtig angelegt, doch er verleiht ihr noch eine ganz besondere Aura. Unter den Nebendarstellern ist vor allem Rade Serbedzija als Inspektor Vigot hervorzuheben.

Kameramann Christopher Doyle, welcher sich vor allem für die Bebilderung vieler chinesischer und hongkongscher Werke verantwortlich zeichnet, hat ein Gespür für durchkomponierte Bilder und fängt das so mystische und verträumte aber in den Kriegswirren auch dreckige und grausame Bild Vietnams ein.

Craig Armstrong liefert einen adäquaten, weil so zur Stimmung und den Bildern passenden, Score ab, der ein intensives Hör- als auch Seherlebnis garantiert.

Der Film fesselt, hält aber leider auch einige wenige Ungereimtheiten und Längen parat.

Sehr anschauliches Unterhaltungskino mit Tiefgang.

7 von 10 Punkten

Inside Man

2009-09-14T13:47:00.002+02:00

Spike Lee, der sonst eher für tiefschürfende Dramen birgt, versucht sich an einem Film, den man wohl als hintergründigen Bankraub Thriller bezeichnen darf.

Lees Schauspielerriege beinhaltet so manchen großen Namen, da wären zum Beispiel Denzel Washington, Jodie Foster, Clive Owen, Willem Dafoe, Christopher Plummer oder Chiwetel Ejiofor an Bord.

Doch macht das alles "Inside Man" zu einem gelungenen Film? Ich kann darauf nur ein unklares "Jein" erwiedern. Der Film macht Spaß, legt den ein oder anderen gelungenen Story-Twist hin, ist gelungen fotografiert und orchestriert, aber ihm fehlt es vor allem an zwei Dingen, Seele und Tempo. Kaum eine der Figuren kann wirkliche Sympathien erzeugen, der Film hat so manche Länge im Mittelteil und gibt sich zum Ende hin zu erklärend.

Washington und Owen spielen gewohnt souverän, Jodie Foster und Willem Dafoe tun dies ebenfalls, haben aber kaum Screentime, Plummer bleibt etwas blass und Ejiofor hat kaum Zeit scih auszuzeichnen.

Erwähnung sollte noch Kameramann Matthew Libatique finden. Wieder einmal gelingt es ihm, einen Film mit seinen Bildern zu veredeln (siehe dazu auch: The Fountain).

Es scheint, wie die imdb-Datenbank es ausweist, eine Fortsetzung geplant zu sein. Dieser hätte es, meiner Meinung nach, nicht bedurft. Mit Teil 1 ist alles erzählt.

Ein Film für Zwischendurch. Souveräne gutklassige Unterhaltung, nicht mehr aber bestimmt auch nicht weniger!

6 von 10 Punkten

Die Krays

2009-09-09T19:48:00.002+02:00

Dieser Film befand sich schon des längeren auf meiner Must-See-Liste, war er mir doch Jahre zuvor einmal wärmstens empfohlen worden.
Nur dauerte es dann noch etwas, bis ich mich auch zu einer Sichtung durchringen konnte, was mich rückwirkend ärgert.
Denn das vorliegende Werk ist ein interessanter und ganz und gar unprätentiöser Einblick in das Unterwelt- als auch Familienleben der Zwillinge Ronald und Reginald Kray, welche die Londoner in den 50er und 60er gehörig auf Trab hielten und für Angst und Schrecken in der Bevölkerung sorgten.

Regisseur Peter Medak begeht erfreulicherweise nicht den Fehler, dass Leben der beiden Brüder zu glorifizieren beziehungsweise die Geschichte zweier Bestien zu bebildern. Er beachtet stets den menschlichen Aspekt der Geschichte, lässt uns an der Entwicklung der beiden teilhaben und in deren familiäre Verhältnisse eintauchen. Arm aber wohlbehütet aufgewachsen beginnen die Brüder rasch und mit radikaler Hand den Aufbau eines eigenen Imperiums. Stellen sich ihnen Gegner in den Weg, so bezahlen diese dies mit ihrem Leben oder werden ein Leben lang entstellt. Schon früh wiedersetzen sich die beiden dem britischen Staat und müssen dafür Gefängnisstrafen absitzen.
Als einizige Autorität dulden die Beiden ein Leben lang ihre eigene Mutter.
Der Bruch mit dem Vater, Ronald's Homosexualität, Reggies Ehe mit Frances, welche schließlich Selbstmord begeht, dass alles sind weitere Bestandteile des Drehbuchs.

Medak nimmt sich Zeit für seine Figuren, kommt aber glücklicherweise ohne Längen aus. Er versteht es gekonnt, die verschiedenen Seiten seiner beiden Hauptprotagonisten zu beleuchten. Diese werden von Martin und Gary Kemp dargestellt, beide Mitglieder der in den 80er Jahren bekannten Popband Spandau Ballet. Die Brüder liefern eine durchweg glaubwürdige und realgetreue Darbietung, solche Leistungen würde man sich von heutigen schauspielernden Popsternchen ab und an auch einmal wünschen.

Der leider bereits verstorbene Michael Kamen liefert einen superben Soundtrack, der die Stimmungen stets gekonnt unterstreicht. Die Bilder von Alex Thomson lassen einen das ein ums andere Mal in die Geschehnisse eintauchen.

Sehr positive Überraschung, ein Film, der eine Chance verdient!

8 von 10 Punkten

Edward mit den Scherenhänden

2009-09-09T19:23:00.002+02:00

It's Burton time, oh what a time!

Hier vereint des schrägen Filmes Meister Tim Burton alle Trademarks, die seine Filme auszeichnen.
Schräge aber stets liebenswerte Situationskomik, das Auge für die außergewöhnlichen Momente, ein warmherziger Grundtenor, egal wie kalt die Geschichte teils wirken mag und spleenige Charaktere, die von einem fernen Planeten scheinen.

Es war die erste Zusammenarbeit zwischen Johnny Depp und dem Regie-Exzentriker, hierauf sollten und werden noch einige folgen. Der visuell und narrativ einzigartige Stil Burtons kommt dem extrem wandlungsfähigen und ausdrucksstarken Depp hervorragend zu Pass. Diese Rolle ebnete ihm den Weg zu seiner großen Hollywoodkarriere, aber er ist erfreulichweise, trotz des Starruhms, immer noch ein Unikat geblieben.

Er verleiht dem titelgebenden Edward Scissorhands gleichzeitig eine wunderbare Warmherzigkeit aber auch eine nuancierte tollpatschige und schüchterne Note.
Aber er ist wahrhaftig nicht der einzige Darsteller des Werkes, der hier Erwähnung finden sollte. Dianne Wiest gibt die rührseelige Peg einfach wunderbar und wird von Filmehemann Alan Arkin superb unterstützt. Winona Ryder ist einfach bezaubernd als Edwards' Love Interest Kim und Anthony Michael gefällt ebenfalls als ihr grober, auf Edward eifersüchtiger Freund Jim. Schauspiellegende Vincent Price hätte kaum eine wunderbarere letzte große Rolle spielen können, jeder Moment zwischen ihm und Depp ist Magie pur.

Die Musik von Burtons Stammkomponist Danny Elfman wirkt stets leicht entrückt und ist damit passgenau auf die Geschichte zugeschnitten. Die Bauten und das ganze Setting unterstützen die nonkonforme filmische Vision Burtons' adäquat.

Ein runder Film, der trotz oder gerade wegen seiner bezaubernden Andersartigkeit auf fabelhafte Weise unterhält.

9 von 10 Punkten

K-Pax

2009-09-05T12:04:00.002+02:00

Und gleich noch eine filmische Überraschung und erfreulicherweise erneut positiver Natur.
In K-Pax gibt Kevin Spacey einen vermeintlich irdisch anmutenden Außerirdischen und das so überzeugend, dass der Zuschauer die gesamte Filmlänge und darüber hinaus so manche scheinbare Gewissheit überdenkt.

Spacey steht in Persona von Jeff Bridges ein adäquater Ko-Star zur Seite. Dessen Figur Dr. Mark Powell kommen je weiter der Film voranschreitet immer mehr Zweifel an der menschlichen Realität und unserem Wissen über die Galaxie, was er mit dem Zuschauer wohl gemein hat.

Iain Softley gelingt ein facettenreicher Film, der geschickt Andeutungen und Eventualitäten verwendet, aber nie für wirkliche Aufklärung sorgt. Er belässt den Zuseher im Ungewissen und genau das ist eine der großen Stärken dieses Films. Dieser versucht dem Zuseher nichts mit der Holzhammer-Methode einzutrichtern, Interpretationsmöglichkeiten sind zu jedem Zeitpunkt des Geschichtsverlaufs gegeben.

Der Cast ist passgenau erwählt, Mary Mc Cormack sollte aber an dieser Stelle noch eine lobende Erwähnung zuteil werden. Die Musik von Ed Shearmur ist zurückhaltend und wunderbar klassisch und passt sich dem ruhigen Grundtenor des Filmes exakt an. John Mathieson ist es gelungen, wie auch schon bei Hannibal und Gladiator, eine großartige Bildsprache für diesen Typus Film zu generieren.

Ein runder, ausgewogener und sehr nachdenklich machender Film. Für mich eine der größten Überraschungen seit langer Zeit.

8,5 von 10 Punkten

Vollidiot

2009-09-05T11:41:00.002+02:00

Erwähnt werden sollte, dass ich Tommy Jauds lieterarische Vorlage noch nicht goutiert habe, und dies wohl auch nie tun werde, und somit keine Vergleiche zwischen Film und Buch ziehen kann. Das sei anderen überlassen.

Ich hätte erstens weder gedacht, dass ich mir diesen Film jemals anschauen würde und zweitens, und jetzt kommts, ihn erträglich finden würde.
Das liegt vor allem an der Person des Hauptdarstellers Oliver Pocher, sind dessen platte Scherztiraden doch immer wieder Grund genug gewesen, dass ich mich beinahe mit Grausen vom Fernsehgerät abwenden musste.

Und dann spielt dieser Vertreter des peinlich-niveaulosen Humors sogar auch noch ansehbar die Hauptfigur Simon Peters, schenkt dem Zuseher sogar die ein oder andere kalauerfreie Minute. Zwar merkt man ihm und vielen Mitgliedern des Restcasts an, dass es dann doch etwas an schauspielerischer Pointiertheit mangelt, aber im Rahmen der Möglichkeiten liefert das Ensemble ansprechendes ab.

Den ein oder anderen Gastauftritt hätte man sich sparen können, doch Herbert Feuersteins Rolle entschädigt in der Folge wieder für so manches.

Die Geschichte ist gut ausformuliert, hat ihre Pointen, ist oftmals näher an der Realität als erwartet, glänzt aber leider auch mit der ein oder anderen Länge.

Viel mehr fällt mir zu diesem Werke von Tobi Baumann nicht ein, ist dessen Halbwertszeit doch auch arg beschränkt.
Festzuhalten bleibt, der Film hält das was er verspricht, er unterhält.
Das überrascht mich umso mehr, da Wahl des Hauptdarstellers, Regisseurs und Komponisten anderes erwarten ließen, aber positiv überraschen lasse ich mich doch immer gerne.

Verdiente, positiv durchschnittliche 5 von 10 Punkten

Psycho

2009-08-25T12:31:00.002+02:00

Es ist tatsächlich eine Erstsichtung. Man mag es kaum glauben, bei dem Ruf der diesem Film vorauseilt. Doch hat "Psycho" wirklich das Lob verdient, dass ihm von allen Seiten entgegenschlägt?

Darauf muss ich ein klares "Ja" erwiedern.
Der Film erzeugt über seine volle Laufzeit eine unheilvolle Atmosphäre und bietet für seine Enstehungszeit äußerst ungewöhnliche Kameraeinstellungen. Hitchcock gelingt der scheinbar perfekte Spannungsbogen, der sich in einem furiosen Finale entlädt. Die folgende Sequenz, die dem Zuschauer als Erklärung und Auflösung zugleich dienen soll, ist meine Erachtens etwas lange geraten, doch man muss auch den Entstehungszeitpunkt betrachten. Hitchcock ist hier in so vielen Dingen seiner Zeit voraus, sei es in der Stilisierung der Schreckensmomente, dem psychologischen Fundament oder dem geschickten Spiel mit Andeutungen und Irreführungen des Zuschauers.

Als schlichtweg sensationell sind natürlich die Szene in der Dusche und das Finale im Bates Haus zu bezeichnen, aber auch die Verfolgung Marion Cranes' durch den misstrauischen Polizisten kommt sehr stimmungsvoll daher.

Anthony Perkins spielt großartig und das wurde ihm zum Verhängnis. Er wurde sein weiteres Schauspielerleben auf dieses eine Rollenschema festgenagelt und reduziert. Vera Miles gibt eine resolute und glaubwürdige Schwester, Janet Leigh füllt ihre Szenen gekonnt aus und beherrscht das Spiel mit den Augen in Perfektion. Martin Balsam als Milton Arbogast hat eine interessante und stimmungsvolle Nebenrolle.

Hitchcock ist hier eine großartige Symbiose aus feinen Suspensemomenten, intensiven Darstellerdarbietungen und eruptiven Ausbrüchen, die ihrer Zeit weit voraus waren, gelungen.

Ein Meilenstein, der kaum an Wirkung verloren hat. Schade nur, dass ich im Vornherein bereits soviel über den Geschichtsverlauf wusste. Wenn ich mir ausmale, ich hätte zum damaligen Premierenpublikum gezählt, mit den damalig vorherrschenden Sehgewohnheiten...
Das muss ein ganz neuartiges und verstörendes Erlebnis gewesen sein!

9,5 von 10 Punkten

Couchgeflüster

2009-08-17T13:17:00.002+02:00

Couchgeflüster ist eine harmlose Dramödie, die einen aber sehr gut zu unterhalten weiß.
Das Leading Duo Uma Thurman und Meryl Streep darf maßgeschneiderte Rollen annehmen und auch der recht unbekannte Hauptdarsteller Bryan Greenberg macht seine Sache gut.

Streep gibt auch sehr amüsante Art und Weise die jüdisch-stämmige Psychotherapeutin Lisa Metzger, die erkennen muss, dass die neue Liebe ihrer Patientin Rafin ihr Sohn David ist. Und diese ist nicht nur wesentlich älter als David, sondern auch keine Jüdin.

So entspinnt sich ein charmantes Stück Film, gewürzt mit so manchem bissigen Dialog und kuriosen Intermezzi. Das David nun ein bisher unentdecktes Künstlertalent innewohnt wirkt etwas konstruiert, aber welcher romantisch unterlegte Stoff ist das nicht das ein ums andere Mal.

Das Ende ist ungewöhnlich, wofür ich sehr dankbar bin. Es ist eine Freude, wenn Filme dieses Genres nicht stets nach Schema F verlaufen! Howard Shores Neffe Ryan Shore schustert einen recht gediegenen Soundtrack zusammen und Kameramann William Rexer liefert adäquate Bildkompositionen.

Unterhaltendes Werk für Zwischendurch.

7 von 10 Punkten

Der Junge im gestreiften Pyjama

2009-08-03T23:08:00.002+02:00

Die Trailer ließen einen interessanten Film vermuten und das ist "The Boy in the striped Pyjamas" wahrlich.

Der Film ist ein Drama der leisen Töne und beruht auf dem gleichnamigen Jugendroman von John Boyne. Er gewährt einen Blick in die Geschehnissen rund um ein Konzentrationslager zu Zeiten des zweiten Weltkriegs und das aus der kindlich naiven Sicht des Hauptdarstellers.
Eine Freundschaft entsteht, die ungewöhnliche Grenzen überwindet und Rückschläge übersteht.

Das Werk ist bemüht, stets nur so viel zu visualisieren als nötig und die schrecklichen Bilder der Antizipation des Zusehers zu überlassen. Der Film lebt von seinen beiden jungen Hauptakteuren Asa Butterfield und Jack Scanlon, die ihren schwierigen Rollen soviel Herz und Wärme einverleiben. Zwischen ihnen ensteht eine Freundschaft, die so unschuldig und rein ist und entgegen dem, zu dieser Zeit vorherrschenden, Denken funktioniert.

David Thewlis gibt den einerseits liebevollen Vater, aber andererseits fanatischen Nationalsozialisten sehr glaubwürdig und auch Vera Farmiga als Mutter, die erst zu spät erkennt, was wirklich vor sich geht, war eine gute Wahl.

Das weitere Ensemble, dem z.B. auch Rupert Friend angehört, leistet sich ebenfalls keine Ausrutscher. Die Bilder von Benoit Delhomme sind im selben zurückhaltenden Stil, wie der Verlauf der Geschichte und gerade aus diesem Grund so erlesen. James Horner ist eine teils ruhiger und teils gekonnt dramatischer Score geglückt, der zum rechten Zeitpunkt seinen Höhepunkt findet. Er erinnert an die Klasse seines eigenen "Das Haus aus Sand und Nebel" - Soundtracks!

Das Ende ist unkonventionell und deshalb sehr wirkungsvoll.

8 von 10 Punkten

Videodrome

2009-08-02T00:11:00.005+02:00

Diese Rezension wird den Auftakt zu einer Welle neuer Cronenberg-Rezensionen machen. Ich habe des Weiteren seine Werke Scanners und Naked Lunch neu erworben und werden auch diese in absehbarer Zeit sichten.

Und Videodrome, soviel vorweg, hat die Vorfreude entfacht. Der Film ist eine flammende Kritik am zunehmend nach Sensationen und Extremen heischenden Fernsehpublikum und den skrupellosen Machern dieser Programme. Das faszinierende ist aber, dass der Film nicht dieser Tage entstanden ist, sondern zu Beginn der 80er-Jahre.

Cronenberg geht die Thematik gewohnt skurill und drastisch an und schickt seinen Protagonisten Max Renn (dargestellt von James Woods) auf eine Tour de Force zwischen Realität und alptraumhaften Visionen. Max ist Chef eines Fernsehsenders, dessen Programm nahezu ausschließlich aus Pornografie besteht. Er ist ständig auf der Suche nach neuen Sensationen und Grenzüberschreitungen, um seine Zuseher bei Laune zu halten. Als er, scheinbar zufällig, auf das "fiktive Format" Videodrome aufmerksam gemacht wird, in welchem Frauen vor laufender Kamera gequält und anschließend getötet werden, ist er auf seltsame Weise fasziniert und will dieses unbedingt für seine Zuschauerschaft gewinnen. Doch es stellt sich schnell heraus, dass Videodrome keinesfalls fiktiv ist und noch zu manch anderer Überrschung "gut" ist. Max wird immer tiefer in einen Sog aus Gewalt, Manipulation und Realitätsverlust gezogen, aus dem es schließlich kein Entrinnen gibt.

Bis heute hat der Film von seiner abschreckenden Wirkung nichts verloren. Seine Thematik ist heutzutage reeller als je zuvor. Die Pornoindustrie geht immer abartigere Wege, Verbrechen immer grausameren Ausmaßes nehmen ihren Lauf, die Fernsehlandschaft wird überschwemmt von Niveauarmut und Sittenverfall und das Eintauchen in neue Dimensionen wird dank moderner Techniken auch immer greifbarer.

Gewohnt sensationell sind wiederum die Speziaeffekte, vor allem wenn man die Enstehungszeit bedenkt. Sie geben dem Begriff "Body Horror" eine neue Dimension. Alles in diesem Film scheint organisch geprägt zu sein oder zumindest im Laufe des Films einen organischen Übergang zu bekommen. Auch die Verquickung von anspruchsvoller Kritik und horrorhafter Vision gelingt Cronenberg beinhahe traumwandlerisch sicher.

James Woods gibt eine gelungene Leading Performance und überstrahl den, wahrlich nicht schlechten, Restcast.

Die Musik von Howard Shore ist selbstredend wieder eine Bank und auch alle weiteren Cronenber'gschen Stammkräfte wie Mark Irwin, Rick Baker, Carol Spier, usw... liefern wieder großartige Arbeit.

Ein faszinierender Film, unterhaltend und anklagend zugleich!

9 von 10 Punkten

Martyrs

2009-07-31T22:23:00.004+02:00

Nun bekommen wir es mit einem ungleich fordernderem Stück Film zu tun. Martyrs eilt ein gnadenloser Ruf voraus. So soll man es hier mit dem krassesten Vertreter des Genres zu tun bekommen, schallt es von vielerorten. Eine Mischung aus Horrorfilm, Drama und psychologischem Thriller soll es sein, was einen da erwartet.

Und eines vorweg: So im Unrecht liegen ebendiese Meinungen meiner Ansicht nach nicht. Zwar kann ich mit Beschreibungen a la "der krasseste... " wenig anfangen, da diese, in Zeiten der Torture Porn Welle um Saw, Hostel und deren Epigonen, mittlerweile recht inflationär gewählt wird, doch ist "Martyrs" schon ein schwer konsumierbares Werk.

Der Film hält sich nicht lange mit einer ausgedehnten Einleitung auf. Zu Anfang begleiten wir ein Mädchen, dass blutverkrustet und tiefverstört vor etwas oder jemandem flüchtet. Kurze polizeiliche Ermittlungen werden angerissen, ihre Zeit im Kinderheim, ihre innige Freundschaft zu einer anderen Bewohnerin des Heims, ihre Verschlossenheit gegenüber allen weiteren Personen dieser Stätte und schließlich ihre Flucht. Einige Jahre später nimmt für sie und vor allem ihre Freundin Anna eine Tortur ihren Lauf, die selbst im Kino dieser Tage ihr gleichen sucht.

Zuviel zu verraten wäre bei Martyrs fahrlässig und somit sei dies genug zur Geschichte. Deren Grundstimmung ist durchgehend unheilvoll bis markerschütternd. Man scheint schon nach 45 Minuten den Gipfel erreicht zu haben und das stimmt wohl, wenn man diese allein von Seiten der Effektwarte betrachtet, doch was nun an psychologischem Horror auf einen einstürmt spottet jedweder Beschreibung. Regisseur Pascal Laugier inszeniert das nun Folgende repetetiv, rau und sehr direkt. Das Ganze ähnelt einem Sog und man möchte das ein ums andere Mal einfach wegsehen, hofft die Geschichte schägt endlich einen Haken, doch das titelgebende Martyrium nimmt seinen Lauf.

Viel bleibt mir nicht mehr zu schreiben. Ich bin immer noch zu sehr im Eindruck dieses Werkes, weiß nicht ob ich Laugiers Herangehensweise beklatschen oder in Frage stellen soll. Eins hat er aber in jedem Falle erreicht, er hat einen Film geschaffen, welcher hängenbleibt und das vermutlich noch sehr lange.

Seine Hintergrundgeschichte zum Ende, die die ganzen Geschehnisse unterfüttern soll, ist mir dann aber doch etwas zu herkömmlich und wenig durchdacht. Eine ganz spezielle Szene gen Ende erklärt dann auch das Interesse der Macher des Hellraiser-Remakes an Pascal Laugier. Diese Szene ist aber physiologisch zutiefst fragwürdig.

Ein Kompliment sei den avantgardistischen Soundkünstlern von "Seppuku Paradigm" gemacht, ihr Score begleitet diesen Trip bis in seine düstersten Ecken.

Das Setting ist ebenfalls sehr stimmig ausgefallen und rundherum kann man sich über die Arbeit der Crew nur lobend äußern. Hier zeigen die Franzosen zum wiederholten Male, wie weit sie uns doch mittlerweile enteilt sind.

Ich gebe dem Film einerseits 7 Punkte, da er mich gefesselt und verstört hat, bleibe aber auf diesem Punktelevel, da er einige Ungereimtheiten bereithält und über die Motivationen vieler Aktionen nur unzureichend in Kenntnis setzt!

Doomsday

2009-07-31T21:37:00.004+02:00

Heute abend erwartet euch wieder ein bunter Strauß neuer Rezensionen, nein Moment, es sind wohl eher zwei schwarze Rosen.

Den Anfang macht Neil Marshall's Nachfolgewerk zu seinem atemberaubenden Höhlenthriller "The Descent". Dieses taufte Herr Marshall auf den werten Namen Doomsday.

Schon schnell erkennt der Zuseher, wo die Wurzeln dieses rasanten Stückes Film liegen. Eine Heroin, die als weibliche Entsprechung Snake Plisskens (siehe: Die Klapperschlange ) verstanden werden kann. Hier hören aber die Paralellen zu Onkel Carpenter und seiner Klapperschlange nicht auf. Das Endzeitszenario seines Werkes trifft man sowohl in Titel als auch Storyline des hier rezensierten Filmes wieder.

Beiden bleiben nur knapp zwei Tage Zeit, um das in sie gesteckte Ziel zu realisieren, ansonsten droht eine Katastrophe von radikalem Ausmaß. Und natürlich sind auch hier die Auftraggeber weniger ehrenhaft, als sie sich darstellen. Die Seuchenthematik zu Beginn ist unlängst in 28 Days bzw. 28 Weeks Later thematisiert worden. Die sich im isolierten und lebenslos geglaubten Schottland befindlichen Punk-Kannibalen und deren Lebensstil erinnern doch das ein ums andere Mal an seelige Mad Max Zeiten. Das Ganze wird dann auch noch mit etwas Ritterspektakel gewürzt und zu guter Letzt mit einem Ps-reichen Finale serviert, dass die Grenzen der Logik gerne überschreitet, aber auf diese sollte man bei diesem Werk keinesfalls bestehen.

Im Film wird reichlich gesuppt, sprich die Special Effects Fraktion hatte einiges zu tun. Effekte jeglicher Coleur brechen auf den Zuschauer ein und Tempo ist ebenfalls stets geboten. Die einzelnen Storylines werden flüssig ineinander verwoben und passen, so unterschiedlich sie teilweise scheinen, dennoch gut zusammen. Marshall reaktiviert weiterhin, sehr zu meiner Freude, Altmeister Bob Hoskins (Falsches Spiel mit Roger Rabbit). Dieser gibt die ein oder andere gelungene Line zum Besten und gibt dem ganzen etwas schauspielerische Klasse.

Rhona Mitra ist als Titelheldin gewollt cool und macht ihre Sache, im Rahmen ihrer Möglichkeiten, ausgesprochen gut. Malcolm McDowell kommt als Burgherr etwas verschroben daher, wie wohl die ganze Storyline, uninteressant möchte ich das Ganze aber nicht benennen.
David O'Haras zynischer Bad Guy Canaris kommt großartig daher, der Gute hatte mir schon in Hotel Ruanda (Hotel Ruanda Review) ausgesprochen gut gefallen.

Die Musik von Tyler Bates (300, Dawn of the Dead) sei noch hervorgehoben. Sie rockt eigentlich über die volle Laufzeit das Boxensystem und macht einen Großteil des Spaßes aus.

Sicherlich ist Doomsday nicht der Originalität Vorreiter und Logik sucht man hier auch recht häufig vergebens, aber der Film ist erfolgreich in Sachen Unterhaltung unterwegs. Keine Längen sind zu erdulden, Klischees werden vorteilhaft eingesetzt und die Technik weiß auch zu munden.

So mancher Schöngeist mag sich wahrlich in alle Zeiten über Marshalls Plagiate-Orgie aufregen, ich habe sie, und das freiheraus, genossen!

Ein großer Spaß und somit verdiente:

8,5 von 10 Punkten

Django

2009-07-23T21:56:00.002+02:00

Ein Western, dem ein fester Platz in der Riege der ganz Großen des Spaghetti-Genres zuteil wird.
Ich habe ihn am gestrigen Abend erstmalig bewundern dürfen und kann mich der Lobhudelei, die das Werk allerorten erhält, nur bedingt anschließen.
Ganz sicher hat Corbuccis Django seine großartigen Momente und besticht mit grandiosen Nahaufnahmen, die einem Leone zur Ehre gereicht hätten.
Doch etwas fehlt. Der Film leidet an diversen kleinen Hängern und kann nie die Eleganz und Bildsprache der Meisterwerke des Genres erreichen.

Zwar bemüht man sich auf Darstellerseite redlich und hat auch mit Franco Nero einen markanten Hauptakteur gefunden, doch springt der Funke leider viel zu selten über. Es kommt trotz der recht kurzen Laufzeit zu unschönen Längen und auch die Actionmomente werden häufig überhastet abgearbeitet.
Die Kneipenschlägerei mit ihrer entfesselten Kamera und seine nächtliche Flucht nebst Sarg sind wiederum ein Augenschmaus sondergleichen und zeigen auf, worin der Ruhm dieses Filmes fussen könnte. Die Musik ist schmissig, hinkt der Klasse eines Morricone aber recht deutlich hinterher. Enzo Barbonis Kamerabilder sind oftmals ungewöhnlich und gerade deshalb stilprägend und interessant.

Django ist für mich kein Klassiker, aber ein sehr solider Vertreter des Spaghetti-Westerns mit vielen gelungenen Szenen, die teils haften bleiben.

7 von 10 Punkten

Silentium

2009-07-23T21:27:00.002+02:00

Endlich ist das vierte Semester zu Ende und somit auch die stressigsten Monate, die ich jemals hatte.
Nun werde ich den Fokus wieder vermehrt auf Filmperlen dieser Welt legen.

Den Anfang hierbei machte der österreischiche Comedy-Noir "Silentium", ein geschickt zwischen schwarzer Komödie, tiefgehendem Drama und spannendem Krimi schwankender Film aus dem Jahre 2004.

Die Geschichte ist in der Upper-Class Salzburgs angesiedelt und begleitet den schmierigen Privatdetektiven und Expolizisten Brenner bei seiner Schnüffelei. Dabei stößt dieser auf so manche Abartigkeit und Ungereimtheit in den Reihen der Kirche aber auch der Spielleitung der Salzburger Festspiele.
Regisseur Murnberger verschleppt seinen Zuschauer auf eine Tour de Fource, bei welcher dieser oftmals nicht so recht weiß, ob er nun lachen oder weinen soll.
Der Film kommt teilweise mit einem recht lakonischen und galligen Witz daher, was aber dennoch nicht die Wirkung der dramatischen Szenen verwässert.
Der Film beruht auf einem Buch von Autor Wolf Haas, welcher sich gemeinsam mit dem Hauptdarsteller Josef Hader und Regisseur Murnberger ebenfalls für das Drehbuch verantwortlich zeichnet.

Das Schauspielensemble ist wunderbar erwählt. Hader lässt eine jede Facette seines Charakters glaubwürdig erscheinen und bekommt mit Simon Schwarz als Berti einen launigen Partner zur Seite. Doch auch die Rollen von Udo Samel, Jürgen Tarrach und Joachim Król sind exquisit besetzt. Karl Fischer und Wolfgang S. Zechmayer geben ein grandioses, wenn auch leicht tolpatschiges, Killerduo.

Die Aufnahmen sind grandios, lange habe ich in einem so kleinen Film nicht mehr einen solchen Sinn für großartige Einstellungen und stimmiges Setting gesehen. Peter von Haller versteht was von seinem Handwerk. Die Musik der Sofa Surfers ist ebenfalls sehr stimmig und umrahmt das dieses filmische Prachtstück.

Dem Film gelingt zu jedem Zeitpunkt die Gradwanderung zwischen den einzelnen Genres und ich werde schnellstmöglich den Vorgänger "Komm, süßer Tod" als auch den Nachfolger "Der Knochenmann" ansehen.

Bestand für mich das Kino Österreichs bisher beinahe ausschließlich aus den Werken Michael Hanekes (Funny Games, Caché), so ist es hiermit um eine faszinierende Facette erweitert worden.

Ein toller Film, dem der Spagat zwischen ernsten und lustigen Szenen scheinbar mühelos gelingt.

9 von 10 Punkten

Liu San - Wächter des Lebens

2009-06-16T21:04:00.003+02:00

Der Film fusst auf einem Buch meines Lieblingsautoren Jean-Christophe Grangé. Ich habe dieses Buch, wie alle seiner bisherigen Werke, verschlungen. Der Originaltitel ist "Le Concile de Pierre". In deutschen Landen ist es unter dem Titel "Der steinerne Kreis" erschienen und diesen trug auch die gestrige TV-Ausstrahlung.
Der eigentliche deutsche Titel lautet aber "Liu San - Wächter des Lebens". Die Erwartungen an den Film waren gemäßigt, ist "Der steinerne Kreis" doch das, meiner Meinung nach, schwächste Buch Grangés bis dato. Weiterhin sprachen die ersten Kritiken aus dem Entstehungsland Frankreich von einem mittelprächtigen Werk.

Nach Anschauen des Filmes muss ich den Kritikern beipflichten. Regisseur Guillaume Nicloux und Drehbuchautor Stephané Cabel haben viele kleine und größere Details des Buches abgeändert, was den Fluss des Filmes stört, zu Ungereimtheiten führt und den Ton der Vorlage verfälscht. Vor allem gen Ende fallen die Änderungen in eklatanter und vor allem negativer Weise ins Gewicht. Der namensgebende steinerne Kreis wird kaum thematisert, die ausufernde Schlusssequenz des Buches arg gestrafft und ein aufgesetzes Ende präsentiert.

Ist Grangés Vorlage teilweise recht hanebüchen und unglaubwürdig, so mangelt es ihr nie an Spannung und Einzigartigkeit, was man zu kaum einer Phase dem Film zugute halten kann. Grandios ist aber die Einführungssequenz, welche minutenlang ohne Dialog auskommt, aber dennoch zu fesseln weiß.

Monica Bellucci spielt gut und glaubwürdig, doch ist ihre Figur leider lange nicht so facettenreich und tiefgründig angelegt, wie in der Literaturvorlage. Der Darsteller des kleinen Liu San macht seine Sache auch sehr gut und Moritz Bleibtreu und Catherine Deneuve spielen ebenfalls gewohnt souverän. Doch deren Charaktere üben gleichsam zu keiner Zeit die Faszination aus, die sie noch in geschriebener Form versprühten.

Die Bilder, welche die Kamera einfängt, sind erlesen. David Cronenberg's Stammkraft Peter Suschitzky liefert betörende Aufnahmen. Diesen ist das Drehbuch zu keiner Zeit ebenbürtig.

Auch ohne Buchvorlage wäre dies ein höchstens knapp überdurchschnittlicher Film, aber im Vergleich zum, wahrlich nicht perfekten, Buch, stinkt vorliegendes Werk deutlich ab.

Für einen Grangé-Fan eine große Enttäuschung. Wer eine großteils gelungene Grangé-Verfilmung anschauen möchte, der möge sich "Die purpurnen Flüsse" zulegen.

3,5 von 10 Punkten

Antikörper

2009-06-11T19:50:00.003+02:00

Christian Alvart belebte 2005 ein in Deutschland nahezu tot geglaubtes Genre wieder.
Sein Antikörper ist ein zwar wahrlich nicht ohne Schwächen, bietet aber auch großartige Momente.
Beim zweiten Ansehen hat der Film zwar etwas sein Wirkung verloren und dennoch bleibt er schlichtweg ein guter Film.

Besonders die Sequenzen zu Anfang und die irren Momente Engels bleiben haften. Andrè Hennicke gibt seinen Psychopathen mit großer Inbrunst und stellt für mich eine Idealbesetzung dar. Er versteht es einfach schwierigen Charakteren Leben einzuhauchen. Seine Darstellung des Blutrichters Dr.Roland Freisler in "Sophie Scholl" war schon zutiefst beängstigend und authentisch zugleich. Wotan Wilke Möhring gibt den Widerpart des strenggläubigen Dorfpolizisten ebenfalls sehr gekonnt, auch wenn er gelegentlich ins Overacting abrutscht. Heinz Hoenig bewegt sich eigentlich ständig in diesen Bereichen, aber das passt auch irgendwo zu seinem Charakter.
Der restliche geht in Ordnung, fällt aber kaum weiter auf.

Die Twists sind mal raffiniert, mal bemüht und gegen Ende hin leider totaler Käse. Das aufgesetzte Ende hinterlässt einen faden Beigeschmack, war doch die Hinführung zu diesem sehr gelungen. Der Look des Films ist oftmals sehr untypisch für eine deutsche Produktion und das ist definitiv gut so. Weiterhin ist es erfreulich, dass Alvart nicht den einfachen Weg geht und zum 1000sten Mal einen geschichtlichen Stoff aufwärmt, sondern eine eigene Geschichte verfilmt. Zwar gewinnt diese nicht den Innovationspreis, aber durfte man das wirklich erwarten?

Ich habe mich, auch beim zweiten Mal, hervorragend unterhalten gefühlt und verfolge interessiert, wie es Alvart auf seinem weiteren Weg ergehen wird. Seine nächsten zwei Projekte hat er im Schoße der hollywood'schen Traumfabrik realisiert. Ich hoffe sehr, es ereilt ihn nicht wie andere Regisseure und er versackt in deren Einheitsbrei.

Antikörper bekommt 7 Punkte (mit mindestens einem halben Punkt Bonus für Alvarts Mut, gegen den Strom zu schwimmen)

Barbershop

2009-06-11T19:29:00.006+02:00

Da lag er nun vor mir und kostete nur 2 Euro.
So kam ich an diesen Film, den ich unter anderen Umständen wohl nie erworben hätte.
Und einmal gekauft, sollte man das filmische auch einmal anschauen.
Wer meinen Filmgeschmack kennt, der wird wohl wissen, dass die Komödie nicht unbedingt zu meinen liebsten Genres zählt.

Doch genug der Vorrede, nun zur Rezension.
Der Anfang beginnt recht lustig, wenn auch etwas bemüht skurill.
Ice Cube gibt seinen Calvin souverän und macht schnell klar, wer hier der Leading Actor ist, auch wenn ihm gen Ende hin etwas die Puste schwindet.
Der Restcast darf sich zu einer Klischeemannschaft formieren, die zwar ab und an für eine zündende Pointe gut ist, aber zumeist lediglich Magerkost serviert.
Die eingepflegte Gangster-Story ist teils recht komisch, nur oftmals einfach nur zäh und mit dem falschen Timing.
Sean Patrick Thomas, mir von The Fountain noch recht positiv in Erinnerung und zu Großteilen Keith David, liefern eine Leistung ab, welche man als Schauspielerei benennen kann. Das dürfen leider nur wenige im Restcast von sich behaupten, mir scheint hier leider wieder einer der häufigen Fälle von Namedropping vorzuliegen. Das bedeutet, man nimmt sich soviele bekannte Gesichter wie möglich, hier auf das afroamerikanische Publikum zugeschnitten, und missachte, ob diese Schauspieltalent besitzen oder aber nicht.

Das alles klingt sehr negativ, aber so grausam war es gar nicht.
Barbershop ist ein Film, der einen leidlich unterhält, aber schneller wieder vergessen ist, als die Namen so mancher Z-Prominenter.

Wohlwollende 3,5 von 10 Punkten

V for Vendetta

2009-06-11T18:55:00.002+02:00

Es war die Zweitsichtung und auch hiernach kann ich die negative Kritik, die James McTeigues Werk seit Erscheinen teilweise entgegenschwappt, nicht nachvollziehen.
Viele echauffieren sich über die angeblich geschwätzigen Dialoge. Ein Punkt, den ich keinesfalls nachvollziehen kann. Dialogetiraden, vor allem aus dem Munde V's liegen vor, doch sind diese oft poetisch, mal elegant und auch stets etwas pathetisch, was der Figur V aber stets hervorragend zu Gesicht steht. Haben die Produzenten Larry und Andy Wachowski mit den Matrix Fortsetzungen Reloaded und Revolutions noch Filme geschaffen, welche nur so vor leeren Worthülsen und Pseudotiefgründigkeit stanken, so leistet dieses Werk stets einen moderaten Spagat zwischen Dialoglastigkeit und kurzen Action-Eruptionen.

Hugo Weaving, scheinbar einer der Lieblingsakteure der Produzenten, liefert eine superbe Performance ab und das bei einem Charakter, der allein von Stimmfülle und Gestik lebt.
Natalie Portman gefiel mir noch nie so gut wie in diesem Film. Sie spielt ausdrucksstark und weiß Momente tiefster Emotion glaubhaft darzustellen.
John Hurt, Tim Pigott-Smith und Roger Allam geben ein tolles Schurken-Trio, vor allem Hurt gibt den hitleresken Diktator mit einer Spielstärke, die er seit den Meilensteinen Elephant Man und 1984 nicht mehr erreicht hat (was nicht heißen soll, dass der Gute ansonsten ein schlechter Schauspieler ist).
Der restliche Cast ist ebenfalls handverlesen und weiß zu überzeugen.

Die Action und die großen Massenszenen sind rar, aber gut choreographiert und inszeniert.
Dario Marinelli, bis dato für mich ein eher unbeschriebenes Blatt in der Branche der Komponisten, kreiert einen jederzeit stimmigen und den Ton des Films begleitenden Soundtrack.
Kameramann Adrian Biddl, einstmals ein hoffnungsvolles Talent (Aliens, Butcher Boy), verstarb leider nach Fertigstellung des Filmes. Er liefert ebenfalls gute, wenn auch nicht überragende, Arbeit ab.

Die Schlusssequenzen sind beeindruckend, auch wenn mir hier teilweise etwas zu viel Matrix-CGI zum Einsatz kommt. Ich für meinen Teil bin schon sehr gespannt auf McTeigues Ninja Assassin und seinen X-Men Ableger "Magneto".

Ein Blockbuster, der nicht nur, wie so viele andere Vertreter dieser Gattung, hirnloses Action-Gekloppe bietet, sondern auch andere Töne anzuschlagen weiß.
Weiterhin sei erwähnt, dass ich den Comic, der als Vorlage diente, nie gelesen habe und somit keine Vergleiche ziehen kann und werde.

Diese Vendetta bekommt von mir 8,5 von 10 Punkten

Things will come...

2009-05-26T00:22:00.001+02:00

Howdy Folks.
Filme kommen momentan etwas zu kurz in meinem Leben, nichtsdestotrotz gibt's die Tage eine Rezension zu James McTeigues "V for Vendetta".
Ob nun Vorfreude angebracht ist, dass sei jedem von euch selbst überlassen.

An American Crime

2009-05-18T23:41:00.002+02:00

Beruhend auf der wahren Geschichte der 16-jährigen Silvia Marie Likens und ihrer Schwester Jennifer entstand der hier vorliegende Film. Die beiden werden aus Zeitmangel von ihren Eltern - zwei Zirkusschaustellern - in die Obhud von Gertrud Baniczewski. Die alleinerziehende Mutter von sieben Kindern erklärt sich bereit, gegen einen Wochenlohn von 20 Dollar, die beiden aufzunehmen. Die Likens willigen ein, da ihnen Gertrude liebenswert und zuverlässig erscheint.
Nur wenig später, die Eltern sind längst wieder auf Wanderschaft, beginnt ein Martyrium unfassbaren Ausmasses. Gertrude streitet sich immer öfter mit ihrem jüngeren Liebhaber, greift zur Flasche, das Geld wird knapp und Intrigen der leiblichen Kinder gegen die Neuankömmlinge nehmen zu. Gertrude beginnt die beiden zu schlagen und da Silvia ihre jüngere Schwester schützen will, nimmt sie deren Bestrafungen auf sich.
Es bleibt nicht bei Schlägen, die Bestrafungen nehmen immer folterähnlichere Methoden an und Gertrude bleibt nicht die einzige, die ihren Unmut an Silvia auslässt.

Selten habe ich so lange gezögert mir einen Film anzusehen. Beweggrund ist, dass ich vor zwei Jahren das Buch "Evil" von Jack Ketchum gelesen habe, dass Fakten des realen Falles mit fiktiven Ergänzungen des Autors verknüpft. Bis heute hat mich kein Buch in dieser Art und Weise mitgenommen, nie zuvor musste ich zwischenzeitlich ein Buch beiseite legen, um Abstand zu gewinnen. Aber nun zum Film.

Der Zuschauer wir in einen Sog der Grausamkeit gezogen, der ihn schockiert und fassungslos macht. Was können die Hintergründe für solche Taten sein? Wie kann jemand nur so weit gehen, so grausam sein?
Debütregisseur Tommy O'Haver versucht dieser Frage auf den Grund zu gehen, doch es ist bereits früh klar, auch er kann keine adäquate Erklärung geben. Nichtsdestotrotz setzt er die Geschichte detailgetreu, aber glücklicherweise zu keiner Zeit effekthascherisch um.
Er versammelt ein Ensemble wunderbarer Darsteller, aus dem vor allem Ellen Page in der Titelrolle und Catherine Keener als Gertrude Baniszewski herausragen. Diese Rollen sind unglaublich schwer zu spielen und doch glückt es beiden ihre Charaktere real, ja beängstigend real, zu verkörpern.
Das eingeflochtene Gerichtsszenario reißt den Zuschauer das ein ums andere Mal aus den schrecklichen Geschehnissen des Hauses und das ist dramaturgisch gut so. Schon so sind die Szenen schwer zu verdauen und wirken lange nach.

Ein beeindruckender und nachhaltig schockierender Film, der wohl kaum einen kalt lässt. Hut ab vor Tommy O'Haver, sich solch einen Stoff für sein Regiedebüt zu erwählen, dazu gehört viel Mut. Ihm gelingt stets der Balanceakt zwischen Visualisierung der menschlichen Abgründe und Off-Camera-Momenten. Während und nach der Lektüre des Buches dachte ich mir stets, dass es unverfilmbar sei, doch werde ich spätestens mit "An American Crime" eines Besseren belehrt. Zusätzlich ist noch der Film "The Girl next Door" entstanden, der auf Ketchums Roman fusst. Diesen muss ich mir aber noch anschauen.

Schwer zu konsumieren und keinesfalls etwas für Otto-Normal-Filmschauer. Ein intensives Stück Film, dass es lohnt zu entdecken.

9 von 10 Punkten

Lady Vengeance

2009-05-18T23:23:00.002+02:00

Lady Vengeance ist der Abschluss von Chan-wook Parks "Rache-Trilogie" und folgt somit auf "Sympathy for Mr.Vengeance" und "Oldboy".
Ersteren habe ich bis zum heutigen Tage noch nicht zu Gesicht bekommen, aber Oldboy zählt zu meinen Favoriten, seit ich ihn vor geschätzten 3 Jahren das erste Mal sehen durfte.

War Oldboy noch ein strikter Actioner mit dramatischen Einsprengseln und einem wunderbar schwermütigen Ende, so ist der Nachfolger nahezu über die ganze Laufzeit von einer allgegenwärtigen Schwermut geprägt.
Auch hier spielt eine Erzählerstimme eine große Rolle und auch die Rückblenden finden zahlreiche Verwendung. Dieser Film ist genau wie "Oldboy" eine Mischung aus gegenwärtigen Szenen und Einblicken in die Vergangenheit.

Wird uns die weibliche Hauptperson noch zu Anfang als kaltblütige Kindsmörderin vorgestellt, so wandelt sich ihr Bild im Verlauf des Films immer mehr. Durchzogen von der umwerfenden Musik eines Seung-hyun Choi entwickelt sich aus der Grundstruktur eines simplen Rachethrillers ein tiefgehendes und höchst emotionales Drama, dass in einem gleichzeitig grausamen, aber auch erlösendem Ende gipfelt.

Die Hauptdarstellerin ist jederzeit präsent und auch die weiteren Darsteller rutschen kaum ins, für das asiatische Kino so typische, Overacting ab.

Chan-wook Park ist und bleibt ein Meister der Bilder und erzeugt mithilfe hypnotischer Soundgerüste und einer pointierten Geschichte einen ebenbürtigen Nachfolger zu "Oldboy".

Steht dem Meisterwerk "Oldboy" kaum nach.

9 von 10 Punkten

Southland Tales

2009-05-18T22:55:00.002+02:00

Erst einmal möchte ich mich bei allen entschuldigen, die hier in den letzten Wochen reingeschaut haben, in der Hoffnung auf eine mögliche Aktualisierung.

Nun habe ich aber wieder Zeit und Muse einen Film zu besprechen und das wird zuallererst "Southland Tales" sein.

Für diesen Streifen ist kein Geringerer als Richard Kelly zuständig, der 2001 "Donnie Darko" auf die Menschheit losließ, einen abgefahrenen Trip, der Cineasten in der ganzen Welt Freudentränen in die Augen trieb.
Demtentsprechend waren auch die Erwartungen an sein neues Werk. Und die Frage, ob es denn nun die Erwartungen erfüllt, kann ich auch nicht wirklich entschieden mit ja oder nein beantworten.

Southland Tales ist mehr Trip, als es der bereits recht abgefahrene Darko war. Kelly vermischt Genres und Handlungsstränge ohne mit der Wimper zu zucken. Antworten lieferte er schon beim Vorgänger kaum (wobei der Director's Cut sich etwas einfacher deuten ließ), doch hier gibt er dies vollständig auf.

Kaum ist eine Plotline eingeführt und man versucht sich mit den ersten Geschehnissen auseinanderzusetzen, da schwenkt der Regisseur um und führt eine neue Geschichtsebene ein.

Kelly gelingt es nach wie vor seinem Zuschauer eine visuelle Traumlandschaft anzubieten, doch will die Geschichte da nicht wirklich mithalten.
Oft folgt auf einen vorzüglichen Dialog ein Kalauer, den man selbst der schlimmsten Schmonzette Hollywoods nicht zugetraut hätte.

Ich hätte es vor der Ansicht kaum für möglich gehalten, aber schauspielerisch gefällt mir Ex-Wrestler Dwayne "The Rock" Johnson noch am Besten in Kelly's Ensemble.
Hier ist eindeutig der Look der Star und nicht, wie anno 2001 bei Donnie Darko, die Symbiose aus visuellem Irrsinn und narrativer Magie.

Kelly zeigt viele gute Ansätze, scheitert aber nur allzu oft mit seinen religiösen und politischen Seitenhieben. Der Film hing lange in der Postproduction Hell und so ganz wird man das Gefühl nicht los, dass Kelly irgendwann selbst den Bezug zu seinem Werk verlor.

Hervorzuheben ist noch die wunderbare Musik von Moby und das Casting, dass Darstellern die Chance gibt, gegen ihre Rollenklischees anzuspielen.

Wahrlich kein schlechter Film, aber auch zu wechselhaft um ein wirklich guter zu sein.
Ich hoffe Kelly bekommt bei seinem nächsten Film, The Box, wieder die Kurve.

5 von 10 Punkten

Das Böse 3

2009-03-29T13:17:00.002+02:00

6 Jahre nach dem zweiten Teil schickt Coscarelli seine Serie in die dritte Runde und wieder gelingt ihm eine unterhaltsame Mischung aus Horror-, Action- und Comedy-Versatzstücken.

Dieser Teil ist hat mehr komische Momente als der Vorgänger und wildert in weiteren Genres. So integriert Coscarelli die schwarze Kampfamazone Rocky, die cool und selbstbewusst daher kommt. Reggie darf diese in einige amüsanten Szenen erfolglos umwerben, wobei er so manchen Spruch von sich gibt.

Auch der kleine Tim, Reggies cleverer kleiner Sidekick sorgt für Auflockerung und vor allem bei seiner Einführungssequenz für großartige Bilder.

Die Effekte werden von Film zu Film zahlreicher, doch kommen sie hier nicht ganz an den Einfallsreichtum derer des zweiten Teils heran.

Michael A. Baldwin gibt wieder den Mike, kommt aber lange nicht an James leGros' Präsenz aus des zweiten Teils heran. Auch Jody hat wieder einen Auftritt, der Tall Man hat ihn mittlerweile versklavt und in eine seiner Spheres verbannt, doch versucht er seinem Bruder und dessen Gefährten vor den Gefahren zu schützen.

Die Musik ist wieder stimmig und auch die Bilder sind teilweise exquisit, doch mangelt es etwas an der einzigartigen Stimmung des Vorgängers und auch etwas an Spannungsmomenten.
Dennoch eine vergleichsweise hervorragende Fortsetzung, dass können nur wenige bekannten Reihen in der Horrorfilmgeschichte von sich behaupten.

7,5 von 10 Punkten

Das Böse 2

2009-03-26T16:16:00.002+01:00

Was ein Film!
Selten war ich so platt und überrascht nach Ansicht eines Filmes.

Ohne große Erwartungen legte ich die DVD in meinen Player, aber was mich dann erwartete, das kann ich kaum beschreiben.

Der Film hat Tempo und das jede Menge, der Film hat Spannung, der Film hat Humor, der Film hat Action, aber Regisseur Coscarelli findet hin und wieder auch etwas Zeit für eine ruhige Szene.

Die Darsteller, vor allem James leGros in der Hauptrolle, machen ihre Sache sehr gut und die Effekte sind für einen Film dieser Budgetklasse sensationell.

Coscarelli findet, scheinbar mühelos, zu jedem Zeitpunkt den richtigen Ton für das Geschehen und setzt in vielen Bereiche Massstäbe. Die Musik avanciert schon schnell zum Ohrwurm und Angus Scrimm als Tall Man erschreckt alleine durch seine Präsenz.

Die Bilder der Paralellwelt sind grandios umgesetzt und auch ansonsten wird Atmosphäre, trotz des rasanten Filmtempos, hier groß geschrieben.

Ein völlig zu Unrecht recht unbekannter Vertreter des Genres. Während ein Jason Vorhees aus Freitag der 13. und Halloweens Michael Myers trotz vieler qualitativ unterklassiger Sequels heutzutage zu Kultcharakteren geworden sind, fristet der Tall Man immer noch ein gewisses Schattendasein, dass er wahrlich nicht verdient hat.

Fantastisch.

10 von 10 Punkten

2:37

2009-03-26T15:48:00.004+01:00

Regisseur Thalluri verarbeitet mit diesem Werk einen eigenen Selbstmordversuch und das merkt man dem Film im guten wie im schlechten an.

Thalluri entspinnt einen Plot, der die Probleme einer Gruppe von Schülern, welche alle die selbe australische Highschool besuchen, thematisiert und in einem tragischen Finale, genau um 2:37 (14:37 deutscher Zeit), mündet.

Dieses finale Ereignis wird zu Anfang in einer kurzen intensiven Szene vorweggenommen und darauf folgt ein Rücksprung zum frühen Morgen ebenjenen Tages. Es wird der Verlauf des Tages bis zur Uhrzeit 2:37 nacherzählt und die Ereignisse, welche dazu führen, werden geschildert.

Thalluri geht die Sache mit viel Herzblut und ungewöhnlich an. Er verwebt Interviewfetzen mit seinen Protagonisten mit der Filmhandlung und zeichnet ein recht realistisches Schulbild.

Seine Inszenierung ist aber auch des Öfteren sehr schwerfällig, worunter Spannung und Interesse des Zuschauers leiden.

Er inszeniert die kleinen und großen Dramen an der Schule mal mehr und mal weniger glaubhaft und schickt seine Schauspieler auf eine Odyssee der Gefühle. Er nimmt sich vielen schwierigen Themen an, sei es Selbstmord, unterdrückte Homosexualität, Missbrauch, Inzucht oder Behinderungen.

Der Film ist durchaus gelungen, hat aber einige Längen und inszenatorische Mängel. Die visuelle Seite ist recht simpel, aber in einigen Situationen somit auch sehr effektiv umgesetzt.
Die Musik ist sehr gut gelungen und auch das Sounddesign wusste zu gefallen.

Thalluri erzählt hier eine Geschichte, die in einigen Teilen sehr nah an seiner eigenen Biografie liegen dürfte. Das erschwert ein bisschen die nötige Distanz, die man zu einem dramatischen filmischen Stoff braucht, macht aber auch Teile des Films so soghaft intensiv.

Schwer zu bewerten, aber ich vergebe:

6,5 von 10 Punkten

Die Chroniken von Narnia

2009-03-26T13:38:00.003+01:00

Wegen der offensichtlichen Nähe der Vorlage zu Tolkiens "Herr der Ringe", der kindgerechteren Ausrichtung des Stoffes und den nicht gerade umwerfenden Trailern hat es "Die Chroniken von Narnia" erst jetzt, vier Jahre nach seiner Veröffentlichung, in meinen DVD-Player geschafft.

Der Film ist natürlich so etwas wie "Der Herr der Ringe" für die 6-12 jährigen, hat spannende Momente zu bieten, klare Aufteilungen in Gut und Böse und einen "Helden", der noch auf der Suche nach seiner Bestimmung ist.

Der Film ist oft recht handzahm geraten und Tilda Swinton gibt die White Witch meines Erachtens etwas zu exaltiert. Die Actionszenen sind gelungen inszeniert, was bei diesem Budget weniger verwundert, aber sie wirken das ein ums andere Mal abgehackt und schlecht strukturiert.

Die einzige Figur, die eine wirkliche Tiefe erreicht, ist die des Aslan. Das ist für einen Realfilm schon recht tragisch, man merkt dem Film überdeutlich an aus welchem Genre Regisseur Andrew Adamson kommt, dem Animationsfilm. Er tut sich mit der Inszenierung seiner realen Darsteller schwer, worunter vor allem die Performances der kindlichen Hauptdarsteller leidet.

Der einzige Darsteller aus Fleisch und Blut, der etwas aus dem Restcast herausragt ist James McAvoy als Mr.Tumnus.

Der Voice-Cast ist erstklassig, sei es Liam Neeson als Aslan, Rupert Everett als Mr.Fox oder Ray Winstone als Mr.Beaver.

Bekommen habe ich eigentlich das, was ich erwartet habe. Einen überlangen, visuell oft hervorragend umgesetzten, aufs kleine Publikum zugeschnittenen, handzahmen und vor allem wenig innovativen Film.

Unterhalten wird man trotzdem ordentlich, nur ein großer Wurf ist "Die Chroniken von Narnia" zu keinem Zeitpunkt.

5 von 10 Punkten

Brügge sehen und sterben

2009-03-24T22:53:00.003+01:00

Brügge sehen und sterben, im Original einfach mit "In Bruges" betitelt, ist eine skurille Mischung aus Thriller, Drama, Romanze, Komödie und Freakshow.

Colin Farrel und Brendan Gleeson geben die Killer Ray und Ken, der eine aufbrausend und voller Schuldgefühle, der andere ruhig und verschlossen.

Der Film mischt gekonnt die verschiedenen Stile und findet zumeist eine ausgewogene Balance zwischen Tragik und Komik.
Selbst in tragischsten Momenten gelingt es Regisseur McDonagh meist eine gewisse Süffisanz einzubringen und seinen Film mit einem leichten Augenzwinkern zu inszenieren.

Das letzte Drittel des Films ist trotz aller Tragik wunderschön anzuschauen und zieht einen optisch, akustisch als auch narrativ in seinen Bann, wirkt aber leider etwas konstruiert und vorhersehbar.

Die Darsteller-Riege ist namhaft und bietet auch eine stimmige Ensembleleistung. Sei es der wunderbare Brendan Gleeson, ein schmieriger Ralph Fiennes, die zauberhafte Clemence Poesy und der amüsante Jordan Prentice. Colin Farrel gibt sein Bestes, wusste mich aber nicht vollständig zu überzeugen.

Der heimliche Star des Films ist aber die Stadt Brügge und ihr wunderbar altmodisches Zentrum. Die Kamera schwebt förmlich durch die Gassen und die Musik von Carter Burwell (Stamm-Komponist der Coens) ist gewohnt hervorragend.

Eine kleine rohe Perle, die trotz diverser kleiner Makel wunderbar zu unterhalten weiß und verschiedenartigste Genres gekonnt verwebt.

8,5 von 10 Punkten

Evilenko

2009-03-24T22:24:00.003+01:00

Andrej Romanovic Tschikatilo, einer der größten Massenmörder der Moderne, wird hier von Regisseur David Grieco porträtiert.

Hier liegt der Fokus weniger auf der drastischen Bebilderung seiner Taten, sondern eher einem Ergründen der Beweggründe und Seele des "Ripper von Rostow" genannten Mörders.

Sowohl der Name als auch einige Fakten wurden für diesen Film verändert, doch besteht eine klare Paralelle zu Tschikatilo.

Malcom McDowell spielt ihn intensiv, gibt dem Grauen ein Gesicht und verinnerlicht seine Rolle dermaßen, dass man nicht selten an Anthony Hopkins Darstellung Hannibal Lecters in "Das Schweigen der Lämmer" denken muss.

Die Kamera verharrt nur selten auf den Opfern von Evilenkos Gräueltaten, sondern fängt die Mimik und Manierismen des Täters ein und spannt einen Bogen vom auslösenden Ereignis für Evilenkos Morde bis zu seiner Verurteilung im Jahre 1994.

Thematisiert wird auch Evilenkos streng kommunistische Gesinnung und wie ihn diese, mehr als einmal, vor einer früheren Festnahme beschützt. Der KGB setzt ihn als Spitzel ein und im Zuge einer Tarnbeschäftigung bei der Bahn reist er viel in der UDSSR herum und verteilt so seine Blutspur über große Teile des Landes.

Die anderen Darsteller haben es schwer bei McDowells intensivem Spiel große Glanzpunkte zu setzen, doch vor allem Ronald Pickup als schwuler Psychiater, fasziniert von Evilenkos Psychose, sticht aus dem Restcast heraus.

Marton Csokas spielt die Co-Hauptrolle schnörkellos, kann aber keine Akzente setzen.
Die Musik von Angelo Badalamenti (David Lynchs Haus- und Hof Komponist) ist simpel aber ungeheuer effektiv und unterstreicht die visuelle Ebene hervorragend.

Die Kameraführung von Fabio Zamarion ist versiert und sehr variabel. Er versteht es vor allem Evilenko faszinierend und beängstigend zugleich in Szene zu setzen.

Sehr ausgewogene Chronik einer kranken Psyche, die dankenswerterweise auf Effekthascherei verzichtet.

8 von 10 Punkten

Rabid

2009-03-24T22:03:00.002+01:00

David Cronenberg, ein klingender Name für jeden Filmfan, der drastischen filmischen Kopfgeburten wie hart inszenierten Thrillern nicht abgeneigt ist.

Rabid war nach Shivers sein zweites "größeres" Projekt. Seine Handschrift ist in einigen Szenen schon klar erkennbar, doch weist der Film auch so manche Ungereimtheit und Länge auf.

Vor allem das Epidemie-Szenario im letzten Drittel des Films weiß er stimmungsvoll und mit eindrücklichen Impressionen zu bebildern. So bleiben die Bilder des Abtransports der Leichen, mittels Müllwagen, im Kopf hängen und auch die Szenen in der U-Bahn sind nichts für Klaustrophobiker.

Leider leidet der Film unter einer schwachen und recht bemühten Einführung und oftmals unausgegorenen Dialogen.
Die Darsteller sind ordentlich, mehr aber auch nicht, Marilyn Chambers gibt eine recht farblose Leading Actress und auch Frank Moore bleibt als ihr Freund Hart recht blass.

Die Effekte sind in Bezug auf Budget und Entstehungszeit durchaus ordentlich, auch wenn sie niemals an spätere SFX-Eskapaden Cronenbergscher Werke heranreichen.

Solides, mit einigen netten Ideen angereichertes Frühwerk, dass aber gegenüber Cronenbergs folgenden Filmen qualitativ abfällt.

5,5 von 10 Punkten

Yankee

2009-03-24T00:46:00.002+01:00

Tinto Brass, berühmt und berüchtigt für seine filmische Auseinandersetzung mit Kaiser Caligula, schuf mit Yankee einen auf der Erzählebene konventionellen, aber visuell bemerkenswerten Vertreter des Italo-Western Genres.

Die Geschichte des Westernhelden, der ein Dorf von seinen Unterdrückern befreit, wenn auch nicht ganz uneigennützig, ist wahrlich nichts Neues.

Hervorstechend ist hier vor allem der Look. So mancher ungewöhnlicher Schnitt, virtuoser Szenenaufbau, aber auch eine eigenwillige Farbdramaturgie zeichnen dieses Werk aus und heben es von anderen, ähnlich gelagerten Werken ab.

Der Film triftet das ein ums andere Mal unnötigerweise ins parodistische ab, sind es doch die zynischen und spannungsbildenden Momente, die das Werk vorantreiben.

Die Darsteller sind markant, auch wenn keiner von ihnen einen Galaauftritt auf den Präriestaub zaubert.

Die Musik ist schmissig und geht ins Ohr, reicht aber nicht an die Klasse eines Morricone heran.

Interessanter Western, der seine Schwächen hat, aber doch über große Strecken der Laufzeit zu unterhalten weiß.

6 von 10 Punkten

Salem's Lot

2009-03-24T00:30:00.003+01:00

Wieder einmal eine King-Verfilmung in Mini-Serien Form.
Ich habe weder die erste Verfilmung dieses Kingschen Werkes aus den 70er Jahren gesehen noch die Literaturvorlage gelesen und war gespannt, was mich wohl erwartet.

Auf der einen Seite stehen einige gute bis hervorragende Verfilmungen des "Master of Horror", doch dem gegenüber eine weitaus größere Anzahl ziemlich schwacher filmischer Umsetzungen.

Die hier vorliegende Mini-Serie darf man ruhig ersteren zuweisen, bleibt sie doch nahezu über die komplette Laufzeit spannend und ist mit einigen Überraschungsmomenten versehen.

Die Schauspieler, vor allem Rutger Hauer und Rob Lowe seien hier erwähnt, liefern eine gute Leistung ab. Der Film erinnert manchmal an die ebenfalls gelungene King-Verfilmung "Needful Things", vor allem beim wohldosierten Spannungsaufbau.

Die Effekte sind für eine TV-Produktion erstaunlich zeigefreudig und in den Vamipr-Szenen gelingt es Regisseur Salomon eine dezent düstere Aura zu erzeugen.

Das Schluss-Twists kommt etwas zu verfrüht, ist aber durchaus gelungen.
Alles in allem ein herrlich altmodischer Vertreter des Vampir Genres, der einen gewissen Gothic-Charme versprüht.

Eine der besseren TV-Produktionen in der Kingschen Hierarchie, das wäre durchaus öfter wünschenswert.

7 von 10 Punkten

Black Christmas

2009-03-24T00:13:00.002+01:00

Nun ja, in meinen Rezensionen zu Botched und Hatchet deutete ich ja bereits an, dass ich scheinbar zu alt werde, für Filme die der Schnittmenge zwischen Fun-Splatter und Slasher entspringen und Black Christmas festigt meine Ansicht.

Der Film ist ein Remake zum 74er-Werk "Jessy - Die Treppe in den Tod", welches sich noch in seiner ungeöffneten Originalverpackung in meinem DVD-Schrank befindet. Nach Ansicht dieser Wiederaufbereitung stellt sich mir die Frage, ob das Original in naher Zukunft den Weg in meinen DVD-Player findet.

Der Film bietet sämtliche Klischees, die das Slasher Genre zu bieten hat. Bildhübsche, aber strunzdoofe Opfer, Biestigkeiten, die sogleich bestraft werden, einen geisteskranken Killer, dessen Psychose auf seine Kindheit zurückzuführen ist und einige, nahezu ausschließlich hanebüchene Plot-Twists.

Der Gewaltgrad ist recht hoch, dient aber mehr dem Schauwert, denn dem Storyverlauf. Charaktereinführung findet kaum, aber wenn dann sehr ungelenk statt.

Optisch regiert hier eher solides Handwerk und der Soundtrack ist arg monoton. Der Showdown zieht sich mächtig und macht das Ganze nicht unbedingt erträglicher.

Ein-zwei Effekte stechen positiv heraus, aber das wars dann auch schon.

08/15 Slasher mit dünnem Handlungsgerüst und wenigen Schauwerten.
Keinesfalls eine zweite Ansicht wert und jetzt schon beinahe wieder vergessen.

Knappe 3 von 10 Punkten

Neue Rezensionen im Anmarsch

2009-03-18T16:21:00.002+01:00

Demnächst werde ich hier wieder ein paar Rezensionen online stellen.
Unter anderem werden die Stephen King-TV-Neuverfilmung Salem's Lot, die Horrorfilme Das Böse 2 und 3, Herr der Ringe - Die Gefährten, Die Chroniken von Narnia und das Jugend-Drama 2:37 vertreten sein.

Harret der Dinge, die da kommen!

So finster die Nacht - Låt den rätte komma in

2009-02-05T21:24:00.005+01:00

Was hat man nicht schon alles gehört über diese skandinavische Mischung aus Vampirismus- und Coming-of-Age-Drama, gewürzt mit einer kräftigen Prise Horror und so manch garstigem Effekt.

Und was soll ich sagen, der Film hat jedwede Vorschusslorbeere verdient.
Der Film ist mal wundervoll gefühlvolles Drama, mit Momenten, die einen den Atem anhalten lassen, mit den jungen Hauptakteuren mitleiden und hoffen lassen. Dann schlägt er unerwartet eine ganz andere Richtung ein, wartet mit einer eisigen Kompromisslosigkeit und unerwartet drastischen Szenen auf, nur um in der folgenden Szene wieder der Andersartigkeit zu huldigen.

So behutsam und doch direkt wurde das Thema Vampirismus noch selten umgesetzt, doch auch die handlungsleitende Freundschaft der beiden ist dermaßen ergreifend und natürlich dargestellt, dass es einem das ein ums andere Mal die Sprache verschlägt.

Die beiden Hauptdarsteller sind der Wahnsinn, vor allem wenn man ihr Alter bedenkt. Ihre Blicke sagen mehr als tausend Wort, ihre Dialoge sind von einer Schlichtheit aber auch Natürlichkeit und Offenheit, das es eine Wonne ist.

Der Film ist gespickt mit Andeutungen und Deutungsmöglichkeiten, offenbart aber bis zum Ende glücklicherweise lange nicht alle seine Geheimnisse. Es bleibt vieles der Fantasie des Zusehers überlassen.

Die Kamera fängt die triste Gegend atmosphärisch ein, fährt aber auch erlesenste Aufnahmen der verschneiten Landschaft auf. Die Bilder wirken oft sogartig, ich starrte die Leinwand des Öfteren wie hypnotisiert an.

Regisseur Tomas Alfredson hat hier einen Diamanten, wenn auch von ungeschliffener Schönheit, geschaffen und lässt für die Zukunft großes erwarten.

Hier gibt's tragische, wunderschöne, magische, herzzereißende, komödiantische, unerbittliche, blutige, grauenvolle, aber zu jedem Zeitpunkt einzigartige Aufnahmen zu bestaunen und jeder halbwegs offene Filmfreund sollte sich diese Perle zu Gemüte führen.

Wunderschöne Aussenseiterballade.
Großartig!
Einer der besten Filme der letzten Jahre.

10 von 10 Punkten

Orozco the Embalmer

2009-02-04T20:39:00.003+01:00

Hierbei handelt es sich um eine sogenannte Shockumentary, einen Film der die Genres des Dokumentarfilms und des Explotation-Kinos vereint.

Nur geht dieser Vertreter die Sache ernsthafter an, als die breite Masse des Genres.

Die Dokumentation gibt Einblick in den Arbeitsalltag des Leichenpräparators Froilan Orozco, der im kriminellsten Viertel der kolumbianischen Großstadt Bogota seiner Tätigkeit nachgeht.
Orozco hat im Laufe seines Lebens ca. 50000 Leichen präpariert und geht die Sache somit auch äußerst routiniert und handfest an.
Man brauch schon einen starken Magen um den Film anzuschauen. Er geht ins Detail, zeigt die Öffnung der Leichen, ihre Präparation und das Zurrechtmachen der Körper, bevor diese den Weg gen Sarg antreten.

Dem Film geht es aber weniger darum, sich an grausamen Details aufzugeilen, sondern mehr den außergewöhnlichen Alltag dieses Mannes und seiner Kollegen zu betrachten und auch die Situation der Stadt im Allgemeinen aufzuzeigen.

Die Kameraeinstellungen sind selten künstlerisch erwählt, sondern sollen einen möglichst realistischen Eindruck der Straßen Bogotas und den Geschehnissen darin gewähren. Die Musik bietet einen recht ungewöhnlichen Gegensatz zum Geschehen vor der Kamera und kommt manchmal sogar regelrecht beschwingt daher, was aber interessanterweise selten unpassend erscheint.

Orozco ist ein recht ruhiger und zurückhaltender Charakter, der aber des Öfteren eine harsche Wortwahl an den Tag legt, was wohl bei dem Grauen das er Tag ein Tag aus erlebt kein Wunder darstellt.

Die Dreharbeiten zogen sich über einige Jahre hin und kurz vor Fertigstellung dieses Werks verstarb Froilan Orozco an den Folgen seiner körperlich als auch seelisch harten Arbeit.

Ein Film der schockiert, sich aber im Gegensatz zu vielen anderen Shockumentaries sehr seriös und ernsthaft mit seinem Sujet auseinandersetzt.

Empfehlung, wenn auch nur für die diejenigen, die einen außerordentlich starken Magen haben und sich nicht von der doch, zugegeben, recht ungewöhnlichen Thematik abschrecken lassen.

7 von 10 Punkten (auch wenn mir hier eine Bewertung sehr schwer fällt, handelt es sich hier doch nicht im Entferntesten um einen "unterhaltenden" Film, sondern eher um eine sehr ruppige Lehrstunde)

Some Changes

2009-02-04T00:37:00.002+01:00

An der rechten Seite sind nun alle Filme, welche ich biher hier rezensiert habe, einzeln anwählbar.
Somit fällt das störende Suchen nach einem Titel, dessen Rezension man sich entweder noch einmal in Erinnerung rufen will oder neu entdecken möchte, in Zukunft weg.
Des Weiteren habe ich den Farbregler etwas betätigt, da mir die alte Farbgebung etwas kalt erschien.
Vielleicht berbeite ich das Ganze in den nächsten Tagen noch etwas und ändere weitere Nuanncen ab, aber das steht noch in den Sternen.

Kritik zu den Neuerungen ist, auch und gerade wenn sie negativer Natur ist, erwünscht.

Il Ritorno di Ringo - Ringo kommt zurück

2009-02-01T15:32:00.002+01:00

Der Nachfolger zu "Eine Pistole für Ringo" schließt nicht wirklich an den ersten Teil an, sondern teilt eigentlich nur den Namen des Hauptdarstellers mit diesem und nahezu den gleichen Cast.

Giuliano Gemma darf wiederum Ringo mimen und gibt diesmal einen Rückkehrer, der seine Heimatstadt und seine Frau nebst Kind aus den Fängen einer mexikanischen Gangsterfamilie befreien will.

Das alles geht natürlich nicht ohne die nötigen Schlägereien, Schusswechsel und derben Zoten ab und ist vom Ton die vom ersten Teil gewohnte Mischung aus ernsten und komischen Momenten.

Die erste Hälfte des Films ist sehr ruhig und zeigt die Heimkehr Ringos und wie die ständig neuen schlechten Botschaften ihn zu zerbrechen drohen. Erst ein heimlich arrangiertes Gespräch mit seiner Frau weckt in ihm die Verpflichtungen, die er gegenüber seiner Familie und der Gemeinschaft verspürt.

Nun dreht der Film auf und mündet in einem bleihaltigen Finale. Davor gibt es noch eine wunderbare Aufnahme, bei der man Ringo nahezu ikonenhaft als schattig umrandeter Rächer in der Kirchentür bewundern darf. Solche Einstellungen bleiben hängen, genauso wie der wiederum gelungene Score von Maestro Ennio Morricone.

Stimmiger Spaghetti-Western, der über die ganze Laufzeit gut unterhält, aber nicht ganz an den Vorgänger heran kommt.

6 von 10 Punkten

The Wind that shakes the Barley

2009-02-01T15:01:00.002+01:00

Ken Loach hat sich hier dem Thema des irischen Befreiungskriegs bzw. des daraus resultierenden Nordirland-Konflikts angenommen, ein Thema das bisher recht selten in filmischer Form behandelt worden.

Er hat dazu ein Ensemble äußerst talentierter Schauspieler versammelt, allen voran Cillian Murphy und Padraic Delaney. Murphys Charakter Damien wird als angehender Arzt und in politischen Dingen neutraler Bewohner der grünen Insel dargestellt, der in bälde eine Karriere in London anstrebt.
Dahingegen ist sein Bruder Teddy ein militanter Befreiungskämpfer, der gegen die britischen Besatzer aufbegehrt.
Als beide Zeuge der grausamen Misshandlung und anschließenden Tötung eines Freundes werden beginnt Damien zu zweifeln, doch erst der Druck seiner Freunde, aber vor allem seines Bruders, bewegt ihn dazu, dem irischen Widerstand beizutreten.

Die Widerstandskämpfer und die Besatzer schaukeln den Konflikt in blutigen Kämpfen immer weiter auf, bis man den Widerständlern einen Vertrag mit einigen Zugeständnissen anbietet.

Teddy ist bereit diesen zu unterzeichnen, doch Damien ist mittlerweile ein radikaler und unerbittlicher Kämpfer für die irische Unabhängigkeit geworden und will sich nicht damit zufrieden geben.

Die beiden Brüder entfremden sich immer mehr und kämpfen schließlich gegeneinander an, was zu einem tragischen, aber auch unumgänglichen Ende führt.

Loach gelingt es die damaligen Verhältnisse glaubwürdig und vor allem sehr realitätsnah einzufangen. Man fühlt sich förmlich in diese Zeiten mitten hineinversetzt, was auch ein großer Verdienst der Darsteller ist.
Der Look ist authentisch, die Landschafts- als auch die Gefechtsaufnahmen sind superb.

Doch was hier sehr sauer aufstößt, dass ist Loachs sehr eindimensionale Bewertung und Sicht der Ereignisse. Man merkt zu deutlich, wem er in diesem Konflikt zuhält und so dämonisiert er die Seite der Besatzer förmlich und vergisst eine bei diesem Stoff äußerst notwendige kritische Distanz recht oft.

Das stört den positiven Gesamteindruck empfindlich und tut der Prämisse des Films nicht gut.

Optisch beeindruckend, großartig gespielt, emotional, aber auch mit fragwüriger Aussage ausgestattet.

6,5 von 10 Punkten

The Thing - Das Ding aus einer anderen Welt

2009-02-01T14:39:00.003+01:00

So langsam mausere ich mich zum Carpenter Komplettisten.
Wieder habe ich einen seiner Filme zum ersten Mal angeschaut.

Es handelt sich um sein Remake des 50er Jahre Gruslers "Das Ding aus einer anderen Welt".
Hier geht es Carpenter um einiges expliziter an, als es noch beim atmosphärischen Original der Fall war. Aber die Effekte zerstören keinesfalls die unheilvolle Spannung, die jederzeit zu spüren ist.

Schon der recht wortkarge, aber stimmig gefilmte und vor allem grandios orchestrierte Anfang weiß zu gefallen und in seinen Bann zu ziehen. Für die Musik ist kein Geringerer als Ennio Morricone zuständig, der hier sowohl seinen eigenen Arbeiten aber auch Carpenters Scores huldigt und jederzeit den Ton des Filmsmitbestimmt.

Die Spannungsschraube wird stets angezogen und steuert auf ein apokalyptisches Ende zu, das aber den Fortgang weitesgehend offenlässt.
Die Effekte sind sehr blutig geraten, man hat aber nie den Eindruck das diese dem puren Selbstzweck geschuldet sind. Das Setting ist grandios gestaltet und auch die Kameraarbeit überzeugt mit teils wundervollen Aufnahmen.

Es bleibt zu hoffen, dass John Carpenter in der Zukunft wieder einmal sein Händchen für spannende und vor allem stilbildende Werke zeigt.

Wie auch der kurz zuvor entstandene "Escape from New York" (siehe Kritik: Escape from New York) ist "The Thing" heutzutage nicht umsonst für viele Zuschauer ein Klassiker in seinem Genre.

9 von 10 Punkten

Navajo Joe

2009-01-31T22:53:00.002+01:00

Was schmissig mit dem Song "Navajo Joe" beginnt, dass wandelt sich bald zum, zumindest für die Enstehungszeit, recht derben Revenge-Western mit einem noch unbekannten Burt Reynolds in der Hauptrolle.

Der Indianer Joe verteidigt, scheinbar um des Geldes Willen, ein Dorf vor einem Haufen grimmiger Ganoven. Und dabei geht es doch recht explizit zu.

Der Film hat kaum Längen und lebt auch von dem wundervollen, wenn auch noch nicht ganz perfekten Score von Ennio Morricone. Sergio Corbucci, seines Zeichens Regisseur des Genre-Primus "Django", zeigt hier schon nahezu alle Trademarks, die ihn später ausmachen sollten. Sei es die erhöhte Brutalität, der zynische Witz oder die furiosen Actionszenen. Das Finale ist etwas zu lang geraten, wenn auch nicht ohne Spannung.

Das Ende des letzten Fights ist ausgesprochen explizit und für den Western dieser Zeit sehr ungwöhnlich.

Gelungene Fingerübung Corbuccis, die einen die komplette Spielzeit zu unterhalten weiß!

7 von 10 Punkten

Shuttle

2009-01-31T22:23:00.002+01:00

Edward Anderson hat hier einen kleinen, aber wahrlich garstigen Thriller gedreht.
Der Film beginnt beschaulich am Flughafen, dreht aber schon nach kurzer Zeit auf.
Was wie ein harmloser und a-typischer Entführungsthriller beginnt, das dreht schon recht bald in Richtung wendungsreichem Psycho-Thrill ab.

Die Twists kommen oftmals abrupt und wissen selbst alte Hasen noch zu überraschen. Dabei stehen hier weniger blutige Effekte im Vordergrund - auch wenn sie vorhanden sind - sondern die zwischenmenschlichen Schicksale und die stets unheilvolle Atmosphäre.

Auch wenn das Drehbuch den ein oder anderen Zufall zuviel bemüht, so ist es doch geschickt konstruiert und legt den Figuren nicht bloß klischeetriefende Dialoge in den Mund. Anderson versteht es seine Darsteller glaubwürdig zu inszenieren und ihnen verschiedenste Facetten zu geben.

Der Look ist treffend und die Musik passt zum visuellen Ton des Films.
Die Darsteller agieren glaubwürdig, weshalb man förmlich mit ihnen mitleidet.

Das Ende stößt einen vor den Kopf und ließ mich schon etwas sprachlos zurück.

Unerwartet guter Thriller, der Lust auf weitere Filme des Regisseurs macht!

8,5 von 10 Punkten

99 Francs a.k.a. 39,90

2009-01-31T21:05:00.002+01:00

Jan Kounens Filme waren immer schon sehr extrem, was Gewalt, Humor und Photografie angeht und da macht sein neues Werk keine Ausnahme.

Die grelle Abrechnung mit den Machenschaften der heutigen Werbeindustrie ist in der ersten Hälfte wunderbar anarchisch, ihr geht aber vor allem im letzten Drittel die Puste aus.
Das Kounen kein Regisseur ist, der seine Filme über tiefschürfende Dialoge oder akribisch ausgearbeitete Dramaturgie voranbringt, dass dürfte mittlerweile wohl jedem bewusst sein, doch heißt es hier nicht gänzlich "Style over Substance". Er bemüht sich, vor allem zu Anfang, seinen Darstellern pointierte und hintersinnige Dialoge in den Mund zu legen und setzt die visuellen Spielereien sehr bewusst und stets storydienlich ein.

In der zweiten Hälfte kommt man sich teilweise vor, als schaue man einen anderen Film. Von Kritik ist nur noch recht wenig zu sehen, vielmehr konzentriert sich Kounen hier auf seine visuellen Schauwerte, mischt Comicstrips mit knallbunten Realszenerien und setzt damit die selben Mittel und Oberflächlichkeit ein, die er eigentlich an der Werbewelt kritisieren und persiflieren wollte, ohne sich um einen stringenten Fortlauf der Geschichte zu kümmern.

Das vermeintliche Ende ist dann aber wieder wunderbar zynisch inszeniert, doch nachdem bereits der Abspann abläuft setzt plötzlich wieder der Film ein, um auf ein anderes Ende zuzuspeuern. Das zieht den Film unnötig in die Länge und zerstört vieles der Message, doch die zu Ende eingeblendete Texttafel, die darauf hinweist, dass nur mit 10 % des weltweiten Werbebudgets ausreichen würden, um die Armut der Welt um 50 % zu reduzieren, ist dann weit übers Ziel hinausgeschossen.

Diese Tafel entspricht nicht der Herangehensweise an das Projekt und wirkt wahrlich deplaziert.

Optisch aufregend, inhaltlich ambitioniert, aber unterm Strich doch nur gutes Mittelmaß!

6 von 10 Punkten

The Matador - Mord und Margaritas

2009-01-28T22:52:00.002+01:00

Der Titel klang bekannt, die Müdigkeit noch nicht sehr ausgeprägt und der Durst nach neuen filmischen Werken, die es zu entdecken galt, unersätzlich.

Also Fernseher an und unverhofft schon in den ersten Minuten mehrmals beinahe am Boden liegend vor Lachen.

Der Film hört auf den klangvollen Titel "The Matador" oder im deutschen Äquivalent auch nicht wirklich unpassend "Mord und Margaritas".
Und vorweg muss gesagt sein, der Film bietet einen Pierce Brosnan in Hochform. Wie er den schmierigen aber irgendwie auch liebenswürdigen Serienkiller mit recht dünnem Nervenkostüm gibt, das ist wahrlich eine Pracht.
Er schafft es einem eigentlich durch und durch widerwärtigen Charakter so etwas wie Seele zu verleihen und ihn trotz seiner enormen Vielfalt an Macken in ein gutes Licht zu rücken.

Die Dialoge sind zu Anfang herrlich bissig und unkorrekt und man leidet mit dem armen, aber auch etwas trotteligen, von Greg Kinnear dargestellten, Danny mit. Dieser erzählt Julian von einem schweren persönlichen Schicksalsschlag, nur das dieser völlig unpassend einen Themenwechsel zu vollziehen versucht.

Der Film verliert im mittleren Bereich etwas an Fahrt und leidet unter der ein oder anderen Länge, aber dafür entschädigt immer wieder skurille Situationskomik und bissiger Humor.

Die Nebenrollen sind hervorragend besetzt. Zum einen wäre da Phillip Baker Hall, der Julians Auftraggeber sehr gekonnt ein Konterfei gibt, aber auch die wunderbare Hope Davis, die als Dannys Jugendliebe und Ehefrau brilliert und den beiden sozusagen ein Trio Infernale komplettiert.

Die Musik von Rolfe Kent ist wunderbar, er scheint bei solchen Stoffen (siehe "Thank you for Smoking") zur Hochform aufzulaufen und die stimmigen Bilder von David Tattersall tragen auch ihr übriges zum Gesamtbild bei.

Rundum vergnüglicher Film, der auh vor dramatischen Seiten nicht zurückschreckt.

7 von 10 Punkten

The Air I breathe

2009-01-28T22:10:00.004+01:00

Darstellerkino made in Hollywood, wie die Schauspielerliste vermuten lässt.
Und im Grunde ist es das auch, der Film ist sehr auf seine Charaktere und ihr Handeln fokussiert, aber auch die Begriffe Schicksal und Zufall spielen hier eine übergeordnete Rolle.

Regisseur Yieho Lee fährt hier den ein oder anderen namhaften Darsteller auf und treibt sie, meines Erachtens, zu guten Leistungen an. So seien bei diesem Film vor allem Brendan Fraser und Sarah Michelle Gellar hervorgehoben, die ihrem herkömmlichen Acting entgegen herrlich unprätentios agieren.

Der Geschichtsaufbau mit seinen paralell verlaufenden Storylines, die gegen Ende hin ihren Weg zueinander finden, erinnert des Öfteren an das episodisch anmutende Rassismus-Drama "L.A. Crash", in dem Brandan Fraser ebenfalls besetzt war.

Der einleitende Part wartet mit einem wiederum grandios aufspielenden Forest Whitaker auf, dem einmal mehr zu wenig Screen-Time gegeben wird. Das er einen Film nahezu alleine tragen kann, das hat er wohl spätestens mit seiner Darstellung Idi Amins in "The Last King of Scotland" (ich schrieb einst darüber http://movie-affairs.blogspot.com/2008/08/last-king-of-scotland.html) bewiesen.
Der Film kommt ohne größere Hänger aus und hat in Andy Garcias' Charakter einen klar definierten, aber gerade deshalb nicht weniger beeindruckenden Bad Guy. Garcia gefiel mir lange nicht mehr so gut, man sieht ihn in letzter Zeit einfach zu selten, ist er doch stets ein solider bis herausstechender Akteur.

Die Kameraarbeit fällt ist eher unauffälig und der Sound ist passend zum Geschehen. Was wirklich Hochachtung verdient ist das Production Design, dass ein höheres Budget vermuten ließe.

Schauspielerisch sollte man noch Kevin Bacon und Evan Parke hervorheben, die aus ihrer geringen Screen-Time nun wirklich das Beste herausholen und im Gedächtnis haften bleiben.

Ein runder und gelungener Film, dem aber das gewisse Etwas fehlt, um an ähnlich gelagerte Klassiker heranzureichen.

6,5 von 10 Punkten

The Fountain

2009-01-28T21:43:00.003+01:00

Arronofsky the Third.
Dieser Mann hat es geschafft, mich mit seinem filmischen Debütwerk als auch dem direkten Nachfolger zu einem absoluten Fanboy zu machen.
War Pi noch ein surrealer, in schrägen Schwarz-Weiss Bildern erzählter, Trip in das Hirn eines manischen Mathematikgenies, so stellte sich auch das Nachfolgewerk "Requiem for a Dream" als visuell geradezu explodierendes Drama dar, dass wohl jeden Drogensüchtigen zumindest etwas an sich und seinem Tun zweifeln lassen sollte.
Doch beide Filme behandelten vor allem eins, die Süchte bzw. Manien aber auch die Paranoia der heutigen Gesellschaft.

Mit "The Fountain" hatte er sich nun einen scheinbar gänzlich anders gelagerten Stoff, der oberflächlich eine Mischung aus modernem Drama, Historienepos und Science-Fiction darstellt, ausgesucht, aber in seinem tiefsten Inneren wiederum eine poetische Parabell mit einem (oder eher drei) manischen Hauptdarstellern ist.

Die ineinander verwobenen, oft ätherisch anmutenden Geschichten stellen aber nur ein Gerüst dar, für die visuell und philosophisch so verkopfte Vision des Darren Arronofsky. Dieser Film beantwortet keine Fragen, er wirft viel eher neue auf. Er thematisiert das menschliche Schicksal und die Versuche des Protagonisten dieses bestimmen zu können, Herrscher über die Geschicke zu werden, die Geschehnisse nach seinem Willen zu lenken.

Was auf den Zuschauer, vor allem zu Ende des Films, zukommt ist kaum in Worte zu fassen. Hier gehen Bilder, die wie einzigartige Gemälde anmuten, mit den sphärischen Soundkonstrukten eines Clint Mansell eine Liason ein, wie sie betörender und hypnotischer kaum sein könnte, und bisher auch kaum auf die Leinwand gebracht wurde.

Nach Betrachtung des Films kommt einem stets "2001 - Odyssee im Weltraum" in den Sinn, der sich genau wie dieses Werk vollkommen linearen Erzählstrukturen und filmischen Gesetzen verweigert und oftmals einzig soghafte Bilder sprechen lässt.

Ein Film den ich wohl noch sehr oft anschauen werde, wodurch ich wohl immer wieder die Chance bekommen etwas neues darin zu entdecken.

Ganz großes Kino Mr. Arronofsky.
Einerseits ganz anders als sein bisheriges Schaffen, aber irgendwie dann doch nicht.
Eine visuelle Orgie!

10 von 10 Punkten

Eyes of Crystal

2009-01-21T23:42:00.002+01:00

Das Genre der Gialli ist ein bisher von mir recht unerforschtes Gebiet.
Höchstens die Filme Argentos und Bavas sind mir dort ein Begriff, einige von ihnen durfte ich schon bewundern.

Das Wort Giallo bedeutet so viel wie gelb. Es bezeichnet einen Genrefilm, meist italienischer Produktion, der besonderen Wert auf seinen Look hält und oftmals eine härtere Gangart anschlägt. So sind z.B. die Werke Argentos visuell geradezu explodierende Filme, mit teils recht drastischen Effekten, die zwar einen strukturierten Geschichtsaufbau besitzen, aber eher die überbordende Visualität in den Vordergrund stellen.

So genug zum Begriff an sich, nun zum zu besprechenden Werk, im italienischen Original namentlich Occhi di Cristalo. Die Hochzeit der Gialli war wohl Ende der 60er, in den 70ern und Anfang der 80er Jahre des vergangenen Jahrhunderts.

Eyes of Crystal ist aus dem Jahre 2004, legt aber wie seine Vorfahren großen Wert auf sein Äußeres, was heißt, den Look. Der Film ist farblich sehr gekonnt in Szene gesetzt und wartet mit manch raffinierter Kamera- bzw. Farbspielerei auf. Die Geschichte ist recht ähnlich zu früheren Vertretern des Genres, der irre Mörder darf natürlich nicht fehlen, dessen Taten ihren Ursprung in seiner verkorksten Kindheit haben und auch grafisch explizite Szenen gibt es so einige zu bewundern. Und hier muss man klipp und klar sagen, die Effekte sind hervorragend umgesetzt.

Natürlich ist der Geschichtsverlauf nicht der Weisheit letzter Schluss, aber wer erwartet das hier schon. Die Bilder sprechen für sich und auch die Darsteller sind durchaus gut gewählt, vor allem die beiden Hauptprotagonisten.

Es bleibt festzuhalten, dass Eyes of Crystal ein Fest für die Augen, aber wahrlich nichts für puristische Kunstfilm-Fanatiker ist.

7 von 10 Punkten

The Three Burials of Melquiades Estrada

2009-01-21T23:20:00.002+01:00

Die erste Regiearbeit von Tommy Lee Jones, als sehr schräges Werk verschrieen und genau das ist es auch.
Jones schert sich hier nicht um die Konventionen Hollywoods und dreht einen kleinen rauen, aber auch sehr poetischen und emotionalen Westertrip, in dem er selbst die Hauptrolle einnimmt.

Er spielt einen gebrochenen Charakter, der erst durch die Freundschaft zu einem illegalen mexikanischen Arbeitskollegen wieder etwas aufblüht. Doch als dieser erschossen wird, macht sich Jones' Charakter auf den Weg, den letzten Wunsch des toten Freundes zu erfüllen, nämlich in seiner Heimat begraben zu sein.

Er verschleppt den versehentlichen Todesschützen auf eine quälende Odyssee quer durch karges Land und die Wüste, verfolgt von einer Reihe Grenzpolizisten und anderen Gesetzeshütern. Stets im Gepäck, die Leiche Melquiades', die aus Gründen der Verwesung zwischenzeitlich auch einmal mit Salz konserviert wird.

Die beiden, sich eher feindlich gesinnten, Gefährten, kommen sich mit der Zeit näher und befinden sich eher auf einer Reise zu sich selbst, als auf einem Leichentransport.

Das ganze nimmt zum Ende hin schon recht meditative Züge an und verschließt sich oftmals einer klar strukturierten Storyline.

Lee Jones hat hier ein stimmiges Ensemble zusammengetrommelt und die grandiosen Landschaftsaufnahmen von Chris Menges, lassen einen wie bei einer seiner einstigen Arbeiten "The Mission" förmlich in die Szenerie eintauchen.

Die Musik von Marco Beltrami ist schön zurückhaltend und bildet einen ausgewogenen Klangteppich.

Eine Empfehlung für Zuseher, die auch vor teils anstrengender, fordernder Kost nicht zurückschrecken!

8 von 10 Punkten

Blackout

2009-01-18T20:19:00.004+01:00

Die Grundkonstellation:

Drei Menschen bleiben in einem Aufzug stecken, alle drei haben es aus differierenden Gründen eilig und das Haus, in welchem sich der Aufzug befindet, ist nahezu unbewohnt.
So weit, so konventionell.
Doch Rigoberto Castaneda macht daraus einen optisch einwandfreien und nicht spannungsarmen Thriller, der zwar stets recht vorhersehbar ist, doch auch einige wenige Überraschungen und Schockmomente in Petto hat.

Star des Films ist eindeutig der Sound. Die Filmmusik des deutschen Duos Johnny Klimek und Reinhold Heil als auch die Arbeit der Tontechniker um Luca Anzelotti sei hier hervorgehoben. Der Sound trägt ungemein zur Athmosphäre bei, ja bestimmt sie oftmals sogar.

Die Darsteller spielen souverän, auch wenn keiner der drei Hauptdarsteller eine preisverdächtige Leistung aufbietet, aber das ist hier auch gar nicht von Nöten.

Ein Film der leistet, was er verspricht. Leidlich spannende und kurzweilige Thriller-Unterhaltung mit dramatischen Einsprengseln, nicht mehr aber auch nicht weniger.

5,5 von 10 Punkten

Hannibal Rising

2009-01-18T19:57:00.002+01:00

Die Skepsis war groß, als eine weitere Fortsetung der Lecter-Saga angekündigt wurde.
Noch dazu die vernichtenden Buchkritiken zu Harris' Vorlage.

Doch der stimmige Anfang des Films überraschte mich dann doch etwas. Hier hatte Regisseur Webber, dem wir den wunderbaren "Das Mädchen mit dem Perlenohring" zu verdanken haben, einen spannenden und vor allem athmosphärischen Einstand geschafft. Doch sobald Hannibal und Lady Murasaki, welche von Gong Li dargestellt wird, aufeinandertreffen nimmt der Film eine Wendung, welche mir ganz und gar nicht zusagt.

Hannibal agiert immer blutrünstiger und getrieben einzig von Hass und man vermisst den geistreichen Gourmet Hannibal Lecter hopkinscher Prägung, der trotz seiner grausamen Taten einen gewissen eiskalten Charme aufzuweisen hatte.

Im direkten Vergleich mit Sir Anthony Hopkins kann Gaspard Ulliel eigentlich nur scheitern. Er versucht sein bestes, doch gelingt es ihm kaum dem Charakter Hannibal eigene Trademarks zu verpassen, geschweige denn an die legendäre Darstellung eines Hopkins zu Zeiten eines "Schweigen der Lämmer" heranzureichen.

Hannibal ist aber wahrlich nicht schlechte Film, zu dem er oftmals gemacht wurde. Der Film besitzt stimmige Settings und Schauplätze, die Darsteller spielen stimmig und auch der Score fügt sich gut ein.
So bleibt ein solider, überharter Thriller, der als alleinstehender Film durchaus zu gefallen weiß.

Doch kommt er niemals an "Hannibal", geschweige denn "Das Schweigen der Lämmer" heran.

Einmal anschauen ist durchaus zu empfehlen, man sollte nur seine Erwartungen herunterschrauben.

6 von 10 Punkten

Armageddon

2009-01-18T19:09:00.002+01:00

Vorweg:

Der Film lief im Fernsehen und da ich gerade nichts besseres zu tun hatte, da habe ich gedacht, geb dem Film doch noch eine Chance. Die erste hatte er zu seinem damaligen Kinostart bekommen und sie wahrlich nicht genutzt.
Nein, man kann sogar mit Fug und Recht behaupten, dass dieser Film mich dazu gebracht hat über den Mainstream-Rand zu spähen und nach gelungenen, zumeist günstiger aber auch liebevoller inszenierten, Werken zu suchen.

Ich war im Kino so schockiert über die Inhaltslosigkeit, die grenzdebilen und höchst schmalzigen Dialoge, den an jeder Ecke greifbaren Kitsch und das misslungene Acting ansonsten so souverän agierender Schauspieler.
Nach wiedermaliger Sichtung bin ich beinahe noch schockierter, als dies vor ca. 11 Jahren der Fall war. Strunzdoof ist noch kein Ausdruck hierfür.

Ich habe in meinem Leben zwei Michael Bay Filme im Kino gesehen und beide sind für mich der Inbegriff des inhaltslosen und geldgeilen Blockbusterkinos der hollywoodschen Traumfabrik.
Transformers kann man "immerhin" zu Gute halten, dass er auf keiner weise erdachten Drehbuchidee basiert, sondern ein knallbuntes Vehikel um Kinderspielzeug herum darstellt.

Doch Armageddon ist eine überbudgetierte Weltraum-Soap, die kein Mensch braucht.
Schade, um die vielversprechenden Akteure.

1,5 von 1o Punkten

Right at your Door

2009-01-10T14:43:00.003+01:00

Ein Film aus Hollywood, abseits des hoch budgetierten, aber auch stark konformierten Mainstream-Marktes.
Chris Gorak, seines Zeichens Art-Director bei "Minority Report" oder "Fight Club", setzt hier ein kammerspielartiges Stück Film in Szene. Über große Teile der Laufzeit handelt es sich hier um ein Zwei-Personen-Stück, dass sich zu Anfang und vom Mittelteil an zwischen den beiden Ehepartnern Brad und Lexi abspielt, dazwischen interagieren Brad und der Hausmeister der Nachbarn Alvaro.

Eine Katastrophe zieht, ganz plötzlich, über Los Angeles herein, die Nachrichten überschlagen sich, binnen weniger Augenblicke bricht das Chaos los. Brad versucht Lexi, die sich gerade im Stadtkern auf dem Weg zur Arbeit befindet, zu erreichen, um sie in Sicherheit zu bringen, doch wird er von den Polizeiposten, die die ganze Stadt abriegeln, davon abgehalten.

Nach einigen Versuchen bleibt ihm nichts anderes übrig, als sich in seinem Haus zu verschanzen und, zuerst widerwillig, mit Hilfe von Alvaro das ganze Haus mit diversen Folien vor den aufsteigenden giftigen Dämpfen zu isolieren.

Die Medien empfehlen diese Sicherheitsmaßnahmen, wissen aber selbst kaum Rat. Da sie aber der einzige Kontakt der beiden nach außen sind, nehmen sie die Ratschläge an.

Zum großen Drama wird der Film, als Lexi plözlich am Haus erscheint und Brad bittet sie herein zu lassen, dieser aber nach langem Hin und Her dies aus Gefahrengründen ablehnt. Daraus entsteht eine heftige Mischung aus Partnerkonflikt und machtloser Verzweiflung.

Der Film spielt geschickt sein, budgetbediengt, kleines Set zu einer Stärke aus und nutzt die Härte dieser intimen Situationen, um Spannung und eine unheilvolle Grundstimmung zu erzeugen. Diesem Film bedarf es weder aufwendig inszenierten Explosionen noch herausragender Special Effects, er spielt sich im kleinen, aber dafür viel erschreckenderen zwischenmenschlichen Rahmen ab.

Das Ende ist das wohl physisch härteste seit "The Mist" und lässt einen innerlich aufschreien.

Auch wenn nicht alles perfekt ist und die eine oder andere Länge vorhanden ist, so ist "Right at your Door" doch ein kleines und hundsgemeines Thriller-Drama, dass auf jeden Fall das Anschauen lohnt.

8 von 10 Punkten (halber Bonuspunkt für das Ende)

Black Snake Moan

2009-01-10T13:55:00.002+01:00

Ich muss es ja zugeben, mich hat eher weniger der künstlerische Anspruch des Streifens angelockt, denn die im Trailer doch recht freizügige Christina Ricci.
Aber so wurde ich immerhin auf dieses kleine Filmchen aufmerksam, das durchaus Stärken zu bieten.

Die Geschichte die sich um die nymphomane Rae und den verbitterten Lazarus entspinnt, ist zwar recht einfach ausformuliert, hat aber einige erinnerungswürdige und höchst menschliche Momente.
Lazarus, der seiner Frau nachtrauert und darüber das Weiterleben vergisst und die in ihrer Kindheit missbrauchte Rae, die seitdem so einige krankhafte Neurosen und eine Sexsucht mit sich schleppt geben sich gegenseitig Halt, auch wenn dies nicht ohne höchst unkonventionelle Methoden und einen rabiaten Umgang miteinander vonstatten geht.

Die schwülen Bilder fangen das Geschehen adäquat ein, Ricci zeigt mehr als einmal ihre körperlichen aber vor allem schauspielerischen Vorzüge und Jackson gibt den "Retter in der Not" schön bärbeissig, aber auch mit dem Herz am rechten Fleck.

Die anderen Darsteller werden in dieser Two-Actor-Show beinahe zum bloßen Zuschauen degradiert, erfüllen aber vollkommen ihre Aufgaben. Justin Timberlake versucht sich hier mal wieder am Schauspielfach, nicht absolut überzeugend, aber auch nicht negativ aus dem Raster fallend.

Über allem schwebt der gefühlsbetonte und inbrünstige Blues-Sound, den man als absolut gelungen klassifizieren darf.

Gute Unterhaltung mit, für Hollywood dann doch recht untypisch, Botschaft und Herz.

7 von 10 Punkten

While she was out

2009-01-10T13:27:00.002+01:00

Manchmal ist es doch ein Graus mit den Ansprüchen.
Da erwartet man sich von einem Thriller doch tatsächlich etwas Spannung, gelungene Actionszenen, den Ansprüchen genügende Darstellerleistungen und zumindest ein wenig Glaubwürdigkeit.

Aber der hier vorliegende Film bietet leider relativ selten einen der angesprochenen Punkte.
Man darf Kim Basinger auf der Flucht vor einer durchgeknallten Gang Jugendlicher begleiten und bekommt dazu noch eine hübsche Einführung nebst prügelndem Mann und arroganten Ex-Mitschülern.

Weiß die Kamerafahrt zu Anfang durchaus noch zu gefallen, so geht die Klischeekiste rechtzeitig mit der Einführung des gewalttätigen Ehemanns, von Craig Sheffer dargestellt, auf und wird leider bis zum Ende nie wieder geschlossen.

Die aggressive Jugend-Gang stellt sich im Folgenden als eine Ansammlung von klischeehaften Reisbrettcharakteren heraus. Der sprücheklopfende und vorpreschende Anführer, mehr schlecht als recht gespielt von Lukas Haas, sein bester Kumpel, dem er doch ach so dringend seinen größten Wunsch erfüllen will und zwei weitere Knallchargen, die für den ein oder anderen völlig sinnbefreiten One-Liner zur Verfügung stehen.

Und auf der Flucht fällt Kim Basinger ein, dass sie doch eigentlich gerne einen auf Splatter-Mutti machen würde und so denkt man sich halt auf Drehbuch-/Regieseite möglichst einfallsreiche Sterbesequenzen für die bösen Buben aus, dass auch ja keiner auf die Idee käme hier ein langweiliges und zutiefst unglaubwürdiges Stück Film zu sehen.

Und am Ende der Hatz, sowie beim Heimkehren der "Mutti" wird noch einmal schön nihilistisch zu Werke gegangen und wie von der Regisseurin, im Making-of, auch freudestrahlend erzählt, das hier ach so glaubwürdige "Stockholm-Syndrom" zitiert.

Quatsch mit Soße im ansprechendem optischen und akustischen Gewand.

3 von 10 Punkten

Going to Pieces: The Rise and the Fall of the Slasher Film

2009-01-08T22:42:00.002+01:00

Eine Dokumentation über des Horror-Genres beliebtesten Teilbereich, den Slasher.
Angefangen bei ersten Vorfahren wie Psycho oder Peeping Tom, über den eigentlichen Ursprung "Halloween" bis hin zum durch "Scream" einsetzenden persiflierenden Wandel.

Die Doku konzentriert sich vor allem auf die Blütezeit des Slashers, angefangen in den späten 70er Jahren des letzten Jahrhunderts bis hin zu den Ausklängen der 80er Jahre.

Es werden die großen Vertreter des Genres wie "Halloween", "Friday the 13th" und deren Fortsetzungen thematisiert, aber auch deren mehr oder minder gelungene/ aufwendige Epigonen.

Der Film bleibt oftmals etwas zu sehr an der Oberfläche und lässt die Interviewten des Öfteren reine Floskeln zum Besten geben, doch ist es auch erstaunlich, wer hier alles zu Wort kommt. Seien es die großen Regisseure wie "John Carpenter", "Wes Craven" oder "Sean S. Cunningham", kongeniale Orchestraten wie "Harry Manfredini", begabte Effektkünstler ala "Tom Savini" oder aber eher unbekanntere Regisseure wie z.b. Joseph Zito und Paul Lynch.

Es werden viele Filmtitel dieser Zeit in den Raum geworfen, doch selten geht man näher auf Geheimnisse, Besonderheiten dieser Produktionen oder tiefergehende Statements der Beteiligten ein, man setzt hier eher auf Ausschnitte der Filme und kurze Abhandlungen zu finanziellen und zeitgeschichtlichen Eckdaten.

Alles in allem durchaus ein Ansehen wert, aber keinesfalls essentiell.
Der ähnlich gelagerte American Nightmare gefiel mir da doch etwas besser.

Wohlwollende 5,5 von 10 Punkten

Kiss Kiss Bang Bang

2009-01-08T22:11:00.002+01:00

Um Shane Black, ehemalig höchstbezahlter Drehbuchschreiber der Traumfabrik (Last Boy Scout, The Last Kiss Goodnight), war es bis zum Jahre 2005 relativ ruhig geworden. Zuletzt hatte er 1998 das Script zu Lethal Weapon 4 verfasst und dann war fürs Erste eine siebenjährige Ebbe angesagt.

Dann wurde sein Regiedebüt "Kiss Kiss Bang Bang" im Jahre 2005 aber mit Lob der Kritik überhäuft und ich habe mir vor etwa einem Monat ein eigenes Bild von diesem Werk gemacht.

Die Geschichte um Robert Downey Jr.'s Charakter, der durch Zufall in ein Schauspielervorsprechen platzt und sich so einer Festnahme entzieht, ist gespickt von urkomischen Szenen, vom Drehbuch intelligent in Szene gesetzt und einigen dramatischen Einsprengseln.

Val Kilmer, der hier einen schwulen Privatdetektiv spielt, hat teils dermaßen schreiend komische Szenen auf seiner Seite, dass es eine Freude ist. Der ganze Cast liefert eine zutiefst launische und höchst vergnügliche Show ab und Shane Black beweist, dass er sein Timing für messerscharfe Satire nun wirklich nicht verlernt hat.

Die Schluss-Sequenz ist dermaßen hanebüchen, aber sogleich auch rasant und lustig, dass man sie so schnell nicht vergisst.

Toll geschriebene Mischung aus Komödie, Thrilleranleihen und dramatischen Elementen.

8 von 10 Punkten

Die Klapperschlange - Escape from New York

2009-01-08T21:46:00.002+01:00

Und wieder ein Klassiker des Action-Genres, den ich nun endlich zum ersten Mal angeschaut habe.

Nun fehlt mir von der gesamten Carpenter-Filmografie, soweit ich mich entsinnen kann, nur noch "Das Ding aus einer anderen Welt", aber wie es der Zufall so will, gehört die DVD zu besagtem Werk seit dem heutigen Tag ebenfalls meiner Sammlung an. Man darf gespannt sein.

Aber nun zu "Escape from New York". Hier dreht sich alles um Snake Plisskens Rettungsversuch des abgestürzten und verschleppten Präsidenten, gespielt von Donald Pleasence, der in einem apokalyptisch anmutenden New York in die Hände skrupelloser Verbrecher, angeführt von Isaac Hayes Charakter "The Duke", gerät.

Schon bevor man ein Bild zu sehen bekommt, zieht einen der hypnotische Elektronik-Score, von Carpenter selbst, in seinen Bann. Wie schon zuvor bei z.B. "Halloween", "The Fog" oder "The Assault" kreiiert der Meister, mit seinem ihm eigenen Stil, einen furiosen Score, der noch bis heute zu fesseln weiß.

Carpenter hat einen Riege großartiger Schauspieler versammelt. Sei es Kurt Russel in seiner wohl herausragendesten Karriereleistung, Lee van Cleef als knallharter Auftraggeber Hauk, Ernest Borgnine als Sidekick im Bud Spencer-Stil, Harry Dean Stanton als charismatischer Brain, Donald Pleasance als schmieriger und arroganter Präsident, Adrienne Barbeau als rigorose Maggie oder Isaac Hayes als hipper "Duke". Hier spielen sie alle ganz groß auf und haben sichtlich Spaß dabei.

Zu der enorm spannungsfördernden Musik kommen stimmige Settings, feine Stunts, grandiose Matte-Paintings und umwerfende Kamerafahrten. Allein die Einführung des Militärgeländes, nach vormaligem Verweilen auf der Freiheitsstatue, wird sich in die Erinnerung einbrennen.

Das Ende ist schön nihilistisch, so wie ich das mag.

Furioser Actioner, dem man sein Alter beileibe nicht ansieht.

9 von 10 Punkten

Hellbound - Hellraiser

2009-01-07T22:30:00.003+01:00

Nur kurze Zeit nach dem ersten Teil entstand diese Fortsetzung, die entgegen dem ersten Teil nicht von Monsieur Barker himself, sondern von Tony Randel inszeniert wurde. Ob des sonst filmisch eher minderwertigen Outputs des Herren Randel, ist es nahezu unglaublich was ihm hier für ein Film gelungen ist.

Die Fortsetzung legt in allen Belangen, zum an sich schon superben Vorgänger, zu, sei es auf Seiten der Effekte, in Hinsicht auf die Atmosphäre, die Settings oder die Storyline.

Dieser Film macht keine Gefangenen und legt mit einer dermaßen unangenehmen Atmosphäre los, dass es selbst einem alten Genre-Hasen wie mir eiskalt den Rücken herunterläuft.

Die Effektexzesse gehören bis heute zum faszinierendsten was dem Genrefan bis zum heutigen Tage geboten wurde. Sei es die wunderbar und vor allem schrecklich direkt inszenierte Szene auf der Matratze oder die Szenen um einen neuen "Über-Cenobiten" zu Ende des Films (Menschen, die den Film bereits bewundern durften, wissen wovon ich spreche).

Auch die Vorgeschichte Pinheads wird in atemberaubende Bilder gekleidet, aber noch von den ausufernden Settings gen Ende (oftmals umgesetzt mittels grandioser Matte-Paintings) überboten, die einen bis heute staunend zurücklassen.

Die Cenobiten werden wohldosiert eingesetzt und Pinhead darf erneut einige erinnerungswürdige One-Liner zum Besten geben, wobei er dieses Mal vom Channard-Cenobite fast überboten wird.

Unbedingt ansehen, a true horror classic!

It is not hands that summon us. It is desire.

10 von 10 Punkten

Hellraiser

2009-01-07T22:10:00.003+01:00

Auf Clive Barkers Novelle "The Hellbound Heart" fussender Horror-Thriller, der wohl am ehesten als Gothic-Horror umschrieben werden kann.

Barker nahm die Umsetzung selbst vor, nachdem die zwei vorigen Umsetzungen seiner Geschichten "Rawhead Rex" und "Transmutations" (als Underworld verfilmt) ihm so gar nicht zusagen wollten.

Der bis dahin filmisch nie in Erscheinung getretene Barker liess in diesem Werk sprichwörtlich die Hölle los. Sein Werk trifft genau die richtige Mischung aus Anspruch und blutigen Eskapaden.
Er erzählt die Geschichte des schmierigen Frank, der mittels eines Zauberwürfels in Dimensionen des größten Schmerzes gelangt und dort auf die genauso geheimnisvollen wie auch grausamen Cenobiten trifft. Er versucht diesen mithilfe seiner intriganten Schwägerin Julia und allerlei benötigten blutigen Opfern zu entfliehen.

Soweit zur Grundgeschichte. Barker gelingt es die Charaktere adäquat und stimmungsvoll einzuführen und stets das Gleichgewicht zwischen Makabrem Effektspektakel und faszinierendem Grusler zu halten.
Er wird unterstützt von der herausragenden Orchestrierung des damals aufstrebenden Komponisten Christopher Young, der den Balanceakt zwischen Poesie und düsteren Klängen genauso zu gehen vermag, wie es auch der Regisseur tut.

Die Effekte von Bob Keen sind für das zur Verfügung stehende Budget und die damalige Zeit grandios und kommen stets richtig dosiert, aber nie zu überbordend zum Einsatz. Die Darsteller sind für einen Film des Genres erstaunlich erlesen ausgewählt und kommen nie zur reinen Staffage.

Ein bis heute mitreißender Film, der schon früh Barkers Händchen fürs Filmische aufzeigt, welches er bis heute viel zu selten einsetzte. Und vor allem ein Film, der in Ehren altert, was heißt, der mit jeder Sichtung besser wird.

Jesus wept.

9 von 10 Punkten

Brick

2009-01-07T21:44:00.003+01:00

Ein im dramatischen Sektor angesiedeltes Jugend-Drama im Neo-Noir Stil.

Was sich konfus anhört, ist eben genau dies. Der Film verweigert sich über große Teile der Laufzeit herkömmlichen Sehgewohnheiten und wartet mit einer elegischen, von eher im Mainstream verwurzelten Zusehern wohl hingegen als zäh anzusehenden, Erzählweise auf.

Der Hauptprotagonist stapft sinn- und personensuchend durch die Kleinstadt und wirkt dabei wie eine jugendliche Antwort auf Humphrey Bogarts Rolle in "Der Malteser Falke".

Es wäre zwar falsch den Film als reinen Vertreter der schwarzen Serie anzusehen, doch transportiert er die Gesetze dieses Genres gekonnt in die Gegenwart und entfacht nebenbei noch packende, wenn auch oftmals schwer zu durchdringende, Jugendkonflikte.

All das entsteht aus der Suche des selbsterwählten Einzelgängers Brendan nach seiner Freundin Emily. Schon allein die ruhigen, aber doch so faszinierend mit Kameraeinstellungen und traumhaften Close-Ups spielenden, Anfangsszenen erschaffen einen ganz eigenen Filmtypus.

Der Film weißt keine Längen auf, nein er nimmt sich einfach Zeit für seine Handlung. Die Dialoge sind nicht überbordend, dafür aber erlesen verfasst.

Ein ganz wunderbarer, scheinbar etwas von dieser Welt entrückter Streifen, dessen Ende leider etwas zu konform geraten ist. Definitiv aber kein Film für die breite Masse, sondern etwas für den anspruchsvollen Kinogourmet.

Trotzdem: Ganz klare Empfehlung!

8 von 10 Punkten (das Ende verhindert eine höhere Wertung)

Coming Soon

2008-12-30T17:41:00.002+01:00

So, lange lag hier mal wieder einiges im Argen.

Die nächsten Tage wird es aber wieder einige Rezensionen hageln, darunter illustre Werke wie z.B. den Jugend-Noir "Brick", die beiden Horrorklassiker "Hellraiser" & "Hellbound - Hellraiser 2", welche auf Werken von Clive Barker fussen und der Western Trip "The Three Burials of Melquiades Estrada".

Harret der Dinge, die da kommen!

Children of Men

2008-12-14T21:55:00.001+01:00

Großes Budget muss nicht unbedingt auch auf ein mainstreamtaugliches Endprodukt hinauslaufen, das zeigt "Children of Men" des mexikanischen Regietalents Alfonso Cuaron.
Der Film verbindet dramatische Elemente mit raren, aber nichtsdestotrotz perfekt inszenierten, actionlastigen Momenten.

Der Film schickt den Zuschauer auf eine Tour de Force, wie man sie seit Längerem nicht mehr bewundern durfte. Er verläuft kompromisslos und täuscht die Erwartungen des Zusehers ein ums andere Mal.
Er liefert keine vorgefertigten Antworten oder Lösungen, lässt seine Akteure leiden und verströmt doch stets eine unterschwellige Zuversicht.

Julianne Moore und Michael Caine spielen groß auf, auch wenn sie nur wenig Screentime zur Verfügung haben. Clive Owen gibt einen vom System desillusionierter Cop stets glaubwürdig und trägt den Film als Hauptprotagonist. Auch die Nebendarsteller um den talentierten Chiwetel Ejiofor passen sich ins sehr positive Gesamtbild ein.

Das Setting ist jederzeit schmuddelig realistisch und stellt dieses apokalyptische England superb dar. Die Kamera von Maestro Emmanuel Lubezki (The New World, Sleepy Hollow) folgt dem filmischen Geschehen stets auf dem Fuß und hat einige erinnerungswürdige Einstellungen zur Hand. Der bei vielen modernen Filmen störende immens rucklige Kameralook passt hier wie die Faust aufs Auge. Der Schnitt von Cuaron selbst ist dermaßen exakt und pointiert, dass es eine Freude ist.

Alle Departments haben einfach hervorragende Arbeit geleistet und eine stimmige, ernste aber auch hoffnungsvolle Zukunfts-Utopie entstehen lassen.

So hat großes Kino auszusehen.

9,5 von 10 Punkten

Riddick - Chroniken eines Kriegers

2008-12-14T21:37:00.002+01:00

Lang habe ich mich gedrückt, ob der recht schwachen Kritiken, der mir zu bunten Trailer und der Ermangelung eines mir sympathischen Casts, aber nun habe ich mich doch dazu durchgerungen!

Gefiel mir der Vorgänger "Pitch Black" ob seiner düsteren Schlichtheit, seinen kargen Dialogen und seiner oftmals ruppigen Machart, so muss ich leider sagen, dass genau dies dem Nachfolger abgeht.
Der Film ist des Öfteren zu geschwätzig, die Effekte sind teils grandios, teils selbst einem B-Movie unwürdig und die Trailer täuschten nicht, der Film ist bis auf einige Ausnahmen ein buntes Knallbonbon.
Die Sets könnten oftmals einer drittklassigen TV-Sci-Fi entstammen und die Kostüme sind nicht wirklich Quell steter Zuschauerfreude!

Vin Diesel schauspielerische Klasse ist, wie vorher absehbar, recht beschränkt und seine Darstellung nicht gerade sehr nuanciert, um es vorsichtig zu beschreiben. Der restliche Cast ist zwar mitunter recht bekannt, aber chargiert ebenfalls recht lustlos vor sich her.

Alles in allem eine schwache Fortsetzung zu einem überraschend spannenden, kleinen und dreckigen Sci-Fi-Abenteuer. Kaum zu fassen, dass der Regisseur der selbe ist.

2,5 von 10 Punkten

Schade!

Catch a Fire

2008-12-14T21:11:00.002+01:00

Phillip Noyce, mir von "Todesstille" mit Mrs. Kidman noch in guter Erinnerung, inszeniert hier ein ergreifendes, aber glücklichweise unkitschiges, Drama zum Thema "Apartheid".

Tim Robbins besetzt er, entgegen seiner höchst liberalen politischen Einstellung im realen Leben, als eiskalten und regimetreuen Terrorismus-Fahnder, der die Verdächtigen mit scheinbar gütigem und verständnisvollen Auftreten zum Reden bringt.
Robbins Charakter wird auf der anderen Seite als liebevoller, aber oftmals unglücklich agierender, Familienvater dargestellt.
Derek Luke gibt den tüchtigen, aber wenig kritischen, Mitläufer, der erst durch die Ereignisse im Verlauf der Geschichte zum bedingungslosen Widerstandskämpfer wird.

Ins Gedächtnis einbrennen wird sich mir auf lange Zeit die Szene, in welcher Tim Robbins' Charakter die inhaftierten Chamussos zum Lunch bittet. Wie er in dieser Szene zugleich die "scheinbar" heile Welt seiner Familie zur Schau stellt und die Gefangenen demütigt, das ist grausamer als jeder noch so aufwendig in Szene gesetzte blutige Effekt!

Die Bilder sind fantastisch, da kann man sich schon auf die nächsten Beteiligungen der beiden Kameramänner freuen. Die Musik ist ruhig komponiert und passt sich der unaufgeregten und altmodischen Inszenierung Noyces an.

Die Umschnitte zwischen den einzelnen Szenerien fallen auffällig häufig an, was einen, und das ist verwunderlich und meisterlich zugleich, nie aus den Geschehnissen reißen oder verwirren!

Well down, Mr. Noyce!

7,5 von 10 Punkten

Hot Fuzz

2008-11-24T21:02:00.004+01:00

Lange habe ich mir Zeit gelassen, den "Quasi"-Nachfolger der wilden Mischung aus Zombiefilm- und Beziehungskomödie "Shaun of the Dead" anzusehen.
Wieder sind Nick Frost und Simon Pegg als Leading-Duo mit von der Partie und auch Edgar Wright sitzt wieder auf dem Regiestuhl, sozusagen das "never change a winning team" - Prinzip.

Und was soll man sagen, das Konzept funktioniert auch als Parodie auf den Polizeifilm, den Kriminalfilm und das typische Buddie-Movie.
Das liegt einfach an dem wunderbaren verspielten, trockenen, aber immer auch feinfühligen Humor des Drehbuchs, erneut von Pegg und Wright in Kooperation verfasst. Die Geschichte wird immer mit dem nötigen kleineren oder manchmal auch größeren Augenzwinkern versehen, versteht es aber auch vorzüglich den ein oder anderen dramatischen Moment mit einzustreuen.

Die Effekte sind wiederum exquisit und stets recht derb inszeniert. Die Kameraarbeit ist gelungen und darf des Öfteren durchaus als skurill bezeichnet werden. Der Schnitt war mir etwas zu hektisch in den actionlastigen Szenen, aber noch nicht so störend wie bei einem Großteil der aktuellen Produktionen. Hier sei am Rande noch einmal das aktuelle Negativ-Beispiel "Ein Quantum Trost" erwähnt.

Die Nebendarsteller-Riege ist sehr beeindruckend und agiert auch so, Rafe Spell und Paddy Considine zum Beispiel, als DS Andy Cartwright und DS Andy Wainwright, sind zum Schreien und auch Ex-Bond Timothy Dalton ist ein Genuss als überheblicher und selbstverliebter Dorfunternehmer Simon Skinner. Das sind einige von vielen wunderbaren Darstellerauftritten!

Ich hoffe sehr bald auf einen dritten, ähnlich gelagerten Film, der sich z.B. dem Western-Genre oder der Fantasy bzw. dem Science-Fiction annehmen könnte.

Ein Menge Spaß, ähnlich komisch wie "Shaun...".

8,5 von 10 Punkten

Todesmelodie

2008-11-16T22:37:00.003+01:00

Simply Magic, was Sergio Leone hier erneut auf den Zuseher loslässt.

In schwelgerischen Bildern, untermalt von elegischer Musik und verstärkt von wunderbaren schauspielerischen Darbietungen, erzählt "Il grande Maestro" die Geschichte zweier unterschiedlicher Revolutionäre und ihrer aufkeimenden Freundschaft.

Der Film beginnt, untypisch für Leone, sehr gesprächig, was sich aber im Laufe des Films wandeln soll, denn zu Ende hat man das Gefühl den dialogärmsten aller Leones gesehen zu haben. Gewohnte und liebgewonnene Trademarks früherer Werke kommen erneut zum Einsatz, seinen es die atemberaubenden Cinemascope-Bilder, die pure Weite und Größe vermitteln, die wiederum grandiose Musik von Ennio Morricone und die oft minutenlangen, ohne Worte auskommenden Close-Up Aufnahmen, die die tiefsten Gefühle nur anhand Gestik und Mimik der Akteure wiedergeben.

James Coburn und Rod Steiger spielen fantastisch und geben ihren Charakteren die Tiefe, den Ausdruck, die sie benötigen, sie erfüllen sie ganz und gar mit Leben.
Die Explosionsaufnahmen, vor allem im Finale, sind selbst heutzutage noch ungemein beeindruckend und der schonungslose Realismus, der die Aufnahmen durchzieht und die Unerbittlichkeit, mit der die Geschichte voranschreitet, setzen bis heute Maßstäbe im Western-Genre.

Die Landschaften sind dermaßen traumhaft eingefangen, dass es eine Wonne ist. Die Rückblicke sind zwar gelungen inszeniert, reißen einen aber etwas aus der Hauptgeschichte, und am Ende ist die Rückblende schlichtweg zu lang geraten. Aber um nicht falsch verstanden zu werden, das ist Kritik auf allerhöchstem Niveau. Er kommt nicht ganz an die Perfektion eines "Spiel mir das Lied vom Tod" oder "Für ein paar Dollar mehr" heran, aber weit entfernt davon ist er wahrlich nicht!

GRANDIOS!

9 von 10 Punkten (unter Leone-Gesichtspunkten, normal eine glatte 10)

Hatchet

2008-11-15T21:26:00.002+01:00

Eigentlich hatte ich dem Fun-Splatter nach der Sichtung des "Machwerkes" Botched für eine lange Zeit abgeschworen. -> siehe Kritik
Doch als mich, kürzlich, Hatchet von Adam Green aus dem DVD-Regal anlächelte, da wurde ich dann doch schwach.

Und was soll ich sagen?
Warum halte ich mich nicht einfach an meine Prinzipien und Vorsätze?

Hatchet's Storyline verläuft nach Schema F. Die Effekte sind reichlich und derb, aber handwerklich des Öfteren sehr schwach realisiert.
Der Look ist, entgegen vieler anderer Genre-Vertreter, recht professionell, zumindest in den Szenen, die sich in New Orleans abspielen. Den Szenen in den Sümpfen sieht man ihre Studiokulissen leider oftmals zu deutlich an.

Der Plot beginnt schon sehr flach, entwickelt sich aber immer mehr zum Ärgernis und variiert Genre-Klischees nur marginal. Die beiden Hauptdarsteller agieren noch größtenteils gefällig und sympathisch, nur der restliche "Sumpf-Cast" ist kaum ansehbar.

Die Gastauftritte von Robert Englund und Tony Todd sind charmant, und gehören zu den rar gesäten Highlights. Musik und Kamera fallen nicht negativ auf, mehr Worte müssen hier wohl nicht verloren werden!

Wahrlich nicht so unerträglich wie ehemals "Botched", aber auch sehr sehr schwach und unnötig.

3 von 10 Punkten

Haus des Grauens

2008-11-12T23:15:00.003+01:00

Dieser Film war mir bis dato völlig unbekannt.
Als ich den Hammer-Schriftzug zu Anfang des Films erblickte, stellte sich schon ein leicht mulmiges Gefühl ein, da mich die englische Kult-Filmschmiede schon des Öfteren negativ überrascht hatte.

Doch alle Bedenken waren schon bald wie weggeblasen. Ich fühlte mich oftmals an den wundervollen, ebenfalls in schwarz-weiss gedrehten, Schloss des Schreckens aka The Innocents erinnert. Das kam nicht von ungefähr, wie die nach dem Film erfolgte Internetrecherche ergab. Regisseur Freddie Francis zeichnete sich bei letztgenanntem als Kameramann aus. Zu meiner Überraschung entdeckte ich in der Filmographie als Kameramann noch so manche Perle bei Herrn Francis. Sei es mein heißgeliebter Der Elefantenmensch, das spannende Kap der Angst-Remake, der interessante Glory (für den er einen seiner insgesamt zwei Oscars bekam) oder der wunderbare Straight Story.

Aber nun wieder zum Film. Die Geschichte wird ruhig, aber zu keiner Zeit behäbig inszeniert. Der Film ist nicht auf plumbe Schockmomente aus, sondern bietet feinen Grusel mit Stil. Die Laufzeit ist recht knapp bemessen und es kommt zu keiner Zeit zu Längen. Oliver Reed ist in seiner Rolle als Simon Ashb fantastisch und gibt den "Psychopathen im Schafspelz".

Die Musik von Elisabeth Lutyens ist sehr stimmungsvoll, genau wie die Motivwahl von Kameramann Arthur Grant.

Ein wunderbarer, in Ehren gealterter, Grusler, der nicht ganz an die Klasse eines "Schloss des Schreckens" heranreicht, aber sehr zu gefallen weiß.

8 von 10 Punkten

007 - Quantum of Solace

2008-11-10T20:33:00.002+01:00

Ich habe mich an dieser Stelle dazu entschieden, im Gegensatz zu meinen sonstigen Rezensionen, den Originaltitel statt der deutschen Variante zu verwenden. Aus dem einfachen Grund, dass der deutsche Titel selten dämlich ist.

Aber nun zum Kern des Beitrags, meiner Besprechung des neuesten Bond-Abenteuers. Vorfreude kam bei mir auf, als der Regisseur des Werks bekannt gegeben wurde, da sich ebendieser Marc Forster bisher für einige exzellente Werke zu verantworten hatte.

Ich erwartete einen tiefgründigen Bond-Film, mit ausgeprägten Charakterzeichnungen und kurzen, knackig inszenierten Action-Momenten. Ob ich dies bekam, das lässt sich mit einem klaren "jein" beantworten.

Wie die Antwort, so ist auch der neue Bond eine zwiespältige Angelegenheit. Die Actionszenen sind erlesen, aber erschlagen den Plot fast in ihrer Anzahl und Lautstärke. Der Bösewicht ist schmierig und fies, kommt aber zu keiner Zeit an große "Vorbilder", wie Gerd Fröbe oder Telly Savalas , heran. Die dunklen, dramatischen Momente packen einen, sind aber, bis auf wenige Ausnahmen, zu kurz. Daniel Craig überzeugt, wie beim Vorgänger, verleiht aber gerade diesen charakterintensiven Szenen meist zu wenig Tiefe.

Enttäuschend ist die Musik von David Arnold, die eine Symbiose aus den grandiosen Soundtracks eines Gustavo Santaolalla (Babel, Brokeback Mountain) und anderen bekannten Komponisten, des momentanen Kinos, zu sein scheint, aber nie an deren Klasse heran kommt.

Die Anfangs- und Endcredits sind gelungen gestaltet, der Titelsong gefällt mir von Mal zu Mal immer besser und die Kameraarbeit ist auch durchaus gefällig komponiert.

Schade, das die Einführungssequenz lange nicht an die Eleganz alter Tage heranreicht, sie ist zwar rasant, aber wenig innovativ.

Die beiden Boundgirls sind hübsches Beiwerk, wobei ich von Gemma Atherton gerne etwas mehr gesehen hätte. Ihr Abgang ist aber einer der großartigen Momente des Films, zitiert er doch einen der, wenn nicht den, besten Bond-Film bis zum jetzigen Zeitpunkt, mehr will ich hier nicht verraten.

Nun denn, um zum Ende zu kommen! Quantum of Solace ist ein rasantes, zu kurz geratenes Action-Abenteuer, mit kurzen dramatischen Einsprengseln, fühlt sich aber nur selten wie ein Abenteuer aus der Bond-Reihe an. Marc Forster sollte sich wohl in Zukunft eher wieder dramatischen Stoffen zuwenden. Hier hat er schon des Öfteren seine unbestreitbare Klasse aufblitzen lassen, nur sein Bond reiht sich eher im Mittelmaß der langen Reihe ein!

Wahrlich kein schlechter Film, aber ich hatte mir, was ich hier unumwunden zugebe, weit mehr erwartet.

6,5 von 10 Punkten (mal schauen, wie sich das Werk bei der zweiten Sichtung anfühlt)

Eine Pistole für Ringo

2008-11-06T22:32:00.003+01:00

Again it's Western Time!
Una Pistola per Ringo, wie das Werk im Ursprungsland Italien benannt wurde, ist ein amüsanter, und sich wohlwissentlich nicht allzu ernst nehmender, Spaghetti-Western von Duccio Tessari.

Genregröße Giuliano Gemma hat die Hauptrolle des Ringo inne, und füllt diese ebenso süffisant, wie auh spielfreudig aus. Er verleiht dem Hauptcharakter den nötigen rauen Charme, aber ebenso auch die, spitzbübisch anmutende, nötige Findigkeit.

Allein die, viele Vorbilder persiflierende, Eröffnungssequenz sucht ihresgleichen. Grandios!
Die Musik von Ennio Morricone ist rustikal und wie vom Maestro gewohnt, immer mit dem nötigen Augenzwinkern versehen.

Ein vollkommen vergnüglicher und leicht konsumierbarer Spaghetti-Spaß, ohne größeren Anspruch.

7 von 10 Punkten

Eine Flut voll Dollars

2008-11-03T20:53:00.002+01:00

Carlo Lizzani inszeniert hier einen Rache-Western der herkömmlichen Sorte, der nur sehr wenige Höhepunkte aufzuweisen hat.

Enstanden ist das Werk im Jahre 1966, kurz vor der Blütezeit der Spaghetti-Western ebenjener Machart, und unterscheidet sich nur selten von den anderen Vertretern des Genres.

Die Musik weißt einzelne kleine Höhepunkte auf, was aber nicht weiter verwunderlich ist, da sie doch von Altmeister Ennio Morricone arrangiert wurde, der kurz zuvor den superben Score zu "Für eine Handvoll Dollar" orchestriert hatte.

Die Darsteller agieren größtenteils gefällig, nur Henry Silva strapaziert mit seiner Darstellung des Mendez die Nerven des Zusehers sehr.

Fotogrfiert ist der Film durchaus passend und bietet das ein ums andere Mal eine interessante Einstellung, doch hebt dies den Film nicht aus seinem unterklassigen Mittelmaß heraus.

Der Film ist voller Längen, und das trotz seiner geringen Laufzeit von nur 86 Minuten.

Einmal durchaus ansehbar, aber wahrlich kein Highlight des Genres!

4 von 10 Punkten

Zodiac

2008-11-02T22:14:00.002+01:00

Der neue Fincher, kann er die hohen Erwartungen erfüllen?

Er nimmt sich, das erste Mal seit seinem meisterhaften Thriller "Se7en" aus dem Jahre 1995, wieder einem Serienkiller-Stoff an.
Diesmal beruht er, im Gegensatz zu Se7en, aber auf einem wahren Fall, dem des Zodiac-Killers. Dieser brüstete sich in den späten 60ern und frühen 70ern öffentlich mit seinen Taten und versendete Briefe an ortsansässige Zeitungen, in denen er sich zu den Taten bekannte.

Fincher inszeniert seinen Film sehr ruhig und nimmt sich viel Zeit für die Entwicklung seiner Charaktere. Er vermeidet nahezu gänzlich blutrünstige Szenen und wer große Actionszenen sehen will, der ist hier definitiv an der falschen Adresse, beziehungsweise beim falschen Film.

Der Film ähnelt über seine 2 1/2 stündige Laufzeit eher einem psychologisch-dramatischen Verwirrspiel, als einem waschechten Thriller und lässt tief in die menschlichen Abgründe der einzelnen Protagonisten blicken.

Die Schauspielerriege ist, wie bei Fincher gewohnt, wohlselektiert und überzeugt bis in die kleinste Nebenrolle völlig. Robert Downey Jr. als desillusionierter und labiler Starjournalist ist eine Pracht, Mark Ruffalo als ausgebrannter Ermittler ebenfalls sehenswert und Jake Gyllenhaal zeigt erneut, das er momentan eines der größten Schauspieltalente ist. Die Riege der anderen Darsteller, unter anderem Brian Cox, Chloe Sevigny oder Elias Koteas ist ebenfalls perfekt besetzt.

David Shire's Score passt sich dem ruhigen Stil des Films an und setzt wenige feine, aber nuancierte Highlights. Der Look und die Bildsprache sind fincher-typisch erste Sahne.

Es bleibt ein ruhiges Kammerspiel, mit der ein oder anderen Länge, aber zu jeder Zeit faszinierend und anspruchsvoll.

8 von 10 Punkten, mit Luft nach oben.

The Oxford Murders

2008-10-30T21:31:00.002+01:00

Alex de la Iglesia.
Ein wohlklingender Name in meinen Ohren.
Zuständig für den anarchistischen Aktion Mutante, den schrägen El Dia de la Bestia, den wunderbaren La Communidad und diverse andere beachtenswerte filmische Werke.

Mit "The Oxford Murders" kommt dieser Kino-Sonderling nun also mit seinem ersten, komplett englischsprachigen Werk daher (Perdita Durango hingegen wies noch einige spanischsprachige Passagen auf). Er versammelt eine Riege recht namhafter Akteure, darunter unter anderem Elijah Wood, John Hurt, Dominique Pinon und die wunderbare Leonor Watling.

In Erwartung eines orginellen, leicht schräg angehauchten, raffiniert ausgetüftelten, Thrillers, ging ich an den Film heran und wurde, soviel vorweg, leider bedingt enttäuscht.

Iglesia liefert hier seinen, bisher, zahmsten und mainstreamigsten Film ab und vergeudet die Chance, eine an sich durchaus reizvolle Story, spannend und wendungsreich in Szene zu setzen.

Woran hapert es?
Vor allem an einem, der Finesse. Der Plot wirkt des Öfteren konstruiert, das Tempo zu gemächlich und die zündenden Ideen und Twists fehlen.
Ein weiteres Manko ist die Fehlbesetzung der Hauptrolle. Elijah Wood kommt als mathematisches Genie und zugleich Frauenheld wenig überzeugend daher und kann John Hurt in den bissigen Dialogszenen wenig mimische Klasse entgegensetzen. Hurt dagegen brilliert in einer Paraderolle, als alternder, schlitzohriger Mathematikprofessor.

Leonor Watling, die die weibliche Hauptrolle inne hat, ist einfach berauschend. Eine wunderschöne Frau, die ihre Sache in schauspielerischer Hinsicht sehr ordentlich macht. Ich hoffe von ihr in näherer Zukunft mehr zu sehen!
Hocherfreut war ich auch, seit längerem mal wieder Dominique Pinon bei seinem Schauspiel zusehen zu dürfen, auch wenn seine Rolle sehr kurz, aber nicht unwichtig ist.

Die Musik von Roque Banos sei hervorgehoben, sie ist sehr stimmungsvoll und treffend arrangiert. Die Kameraaufnahmen und das Setting sind durchaus von hohem Standard und können über so manche Länge hinwegtrösten.

Wahrlich kein schlechter Film, aber bei Senor Iglesia sind die Ansprüche nun einmal sehr hoch. Ich hoffe in seinem nähsten Werk zeigt er sich wieder von einer, etwas schrägeren und einfallsreicheren Seite.

6 von 10 Punkten

Gomorrha - Reise in das Reich der Camorra

2008-10-27T21:56:00.002+01:00

Da ich kurz zuvor die Lektüre des Mario Puzo Bestsellers "Der Sizilianer" beendet hatte, der eine indirekte Fortsetzung, zu den Geschehnisse seines "Pate"-Romans, darstellt, bekam ich Lust auf diese, von der Kritik als sehr nüchtern und realitätsnah beschriebene, Mafia-Studie.

Und das Wort nüchtern trifft es perfekt. Dieser Film zeigt das Mafia-Geschehen, im Gegensatz zum Paten Coppolas zum Beispiel, ungeschönt und ganz und gar realgetreu. Das einst so glamouröse Bild dieser verbrecherischen Organisation wird demontiert und entmystifiziert.

Schon der Anfang beginnt hart, direkt und kompromisslos und der triste Look und das Fehlen jeglicher Filmmusik erhöhen die, dokumentarisch anmutende, Machart noch erheblich.

Der Film verweigert sich großteils den Sehkonventionen des herkömmlichen Kinogängers und ist wahrlich kein leichtes Filmvergnügen. Was einem hier vorgesetzt wird, ist genauso rau und unbarmherzig wie das Leben und stellt die Mafia als das dar, was sie ist, eine eiskalte, höchstkriminelle und so gar nicht glamouröse Verbrecherorganisation.

Interessanter, mutiger, aber auch sehr schwer verdaulicher und extrem dokumentarischer Film über die sizilianische Mafia.

6,5 von 10 Punkten

Hellboy - Die goldene Armee

2008-10-27T21:35:00.003+01:00

Von mir lange erwartet und nun endlich zu Gesicht bekommen, diese neue Reise in die bunte und fantastische Welt des sympathischen Höllenjungen.

Del Toro schart wieder das selbe, eingespielte Team des ersten Teils um sich und, soviel sei im Voraus verraten, ihm gelingt ein rasanter und nur so vor Ideen sprühender zweiter Teil.

Er baut die Verbindung zwischen Hellboy und Liz aus und konfrontiert den Zuschauer mit den Alltagsproblemen der Beiden. Diese Beziehung arbeitet der Regisseur sehr liebevoll und mit viel Fingerspitzengefühl aus. Liz hat eine Überraschung für Hellboy, die wahrlich auch einen, hoffentlich bald in die Produktion gehenden, 3.Teil beeinflussen wird.

Abe darf sich ebenfalls von seiner, für ihn ungewohnt, romantischen Seite zeigen und seinen Liebeskummer in einer urkomischen Szene, nebst gemeinsamer Gesangseinlage, mit Hellboy betrinken.

Die Effekte entsprechen dem hohen Standard, den Del Toro mit seinen Vorgängerfilmen selbst gesetzt hat und wirken zumeist goldrichtig platziert.

Lediglich die Einleitung wirkt etwas deplaziert und der Jungdarsteller weiß leider keineswegs überzeugen. Auch sind die Szenen, mit der titelgebenden Goldenen Armee, nicht der wirkliche Höhepunkt des Films, sondern eher die teils urkomischen Szenen und die dramatischen Einflüsse.

Wundervoll und ganz fantastisch inszeniert ist die Szene in der Hellboy vor sich hin grübelt und darüber der wunderbare Song "Beautiful Freak" der Band Eels gelegt wurde.

Tolles Effektspektakel, mit jeder Menge Herz!

8,5 von 10 Punkten (mit Luft nach oben)

Death Sentence

2008-10-20T23:05:00.003+02:00

Nun da haben wir mal wieder ein diskussionsträchtiges Werk.
Das Thema Selbstjustiz ist an sich schon recht heikel, der Versuch die Entstehung zu bebildern und ihre Gründe aufzuzeigen umso mehr.

Kevin Bacon gibt einen mit sich hadernden Familienvater, der stets an seiner Rache zweifelt, sie dann aber und da liegt der problematische Punkt, in jeder fraglichen Situation ausübt.

Er ist zu Ende des Films nicht besser, als diejenigen die seinen Sohn auf dem Gewissen haben und von ihm gejagt werden. Er nimmt Leben und das auf eine, oft als Notwehr getarnte, höchst sadistische Art.

James Wan versucht das ambivalente der Situation des Hauptprotagonisten zu verdeutlichen, bringt ihm aber stets mehr Sympathie entgegen, als seinen Wiedersachern. Er stellt eine Person als "Helden" in den Mittelpunkt seiner Geschichte, der wahrlich alles ist, nur das nicht.

Wan kann man zu Gute halten, das er ein differenziertes Werk schaffen wollte, es gelingt ihm aber nicht vollkommen. Ein fader Beigeschmack bleibt immer übrig.

Kevin Bacon gibt den Hauptcharakter hervorragend, hier ist er in seinem Element. John Goodman darf einen herrlich fiesen Typen geben und hat leider etwas zu wenig Screentime.

Der Look ist dreckig, die Stunts und Effekte sind roh und die Kamera stets lebhaft ins Geschehen integriert.

Wie bei Wan's Erstling, dem allseits gehypten Thriller "Saw", der eine wahre Welle an Nachahmern auf den Plan gerufen hat, hinterlässt mich der Film irgendwie ratlos.
Auf der einen Seite wusste er zu gefallen und bot über die volle Spielzeit Spannung, doch fehlte etwas, was ich schon nach der Sichtung von "Saw" nicht genauer bestimmen konnte.

Zudem ist mir die Message des Films etwas zu fadenscheinig und mehr gewollt, als gekonnt.

Solides, inhaltlich durchaus streitbares Werk!

6,5 von 10 Punkten

Tödliche Versprechen

2008-10-19T18:52:00.002+02:00

David Cronenberg's neuester Streich, in seinem Stil und seiner Herangehensweise wie eine Quasi-Fortsetzung des düsteren Vorgänger-Thrillers "A History of Violence" anmutend.

Wieder ist Viggo Mortensen mit an Bord. Und diesmal bewegt er sich also im Dunstkreis der russischen Mafia, als scheinbar negativ behafteter Charakter.

Cronenberg inszeniert das Ganze detailverliebt, was sich nahezu in jeder Szene wiederschlägt und vor allem wieder kompromisslos, aber das war noch bei keinem seiner bisherigen Werke anders festzuhalten. Wie bei "A History..." sind die Nebenrollen mit namhaften Darstellern besetzt, wie Armin Mueller-Stahl oder Vincent Cassel.

Ungewöhnlich, und doch typisch für Cronenberg, dass kein Mitglied der russischen Mafia von einem Bewohner ebenjenem Landes dargestellt wird.

Aber das fällt nicht wirklich auf, Cassel, Mortensen und Stahl machen ihre Sache gut und leben sozusagen ihr unterbewusste "russische Seele" aus.

Naomi Watts füllt die weibliche Hauptrolle aus, und lässt ihren Charakter immer wieder zwischen Momenten größter Stärke und hilfloser Schwäche pendeln.

Die Bilder sind, wie immer bei Cronenberg's, formidabel und der Score von Haus- und Hof-Komponist Howard Shore gewohnt exzellent.

Aber dennoch mangelt es dem Film etwas an Emotionalität und Tiefe und vor allem ist er viel zu kurz. Hätte ich mir schon den Vorgänger etwas länger gewünscht, so wird es hier noch augenscheiniger, einige Szenen hätten mehr Laufzeit verdient und die Auflösung, wenn man sie denn so nennen will, kommt auch zu abrupt daher, ist aber dennoch stimmig.

Alles in allem ein sehr sehr solider Thrill von Meister Cronenberg, wahrlich nicht sein ausgereiftetes Werk, aber dennoch weit über dem Thriller-Einheitsbrei heutiger Tage anzusiedeln.

7,5 von 10 Punkten

Glut der Sonne

2008-10-18T16:29:00.004+02:00

Und, ungewöhnlich für mich, direkt folgend die Rezension eines weiteren Italo-Western.
Diesmal aber einer der wesentlich ernsteren Sorte.

Es handelt sich bei "Glut der Sonne" um einen, an Shakespeares "Romeo und Julia" angelehnten, Western italienischer Prägung, der den Kampf zweier verfeindeter Familien, die sich anbahnende zarte Bande zwischen einem männlichen Mitglied der einen Familie, namentlich Johnny Monter und einem weiblichen Mitglied der anderen Seite, namentlich Giulietta Campos und die daraus entstehende Tragik, thematisiert.

Soweit, so ungewöhnlich, doch Regisseur Puccini nutzt diese interessante Ausgangssituation nicht wirklich aus. Er verheddert sich mit schmalzigen Dialogen, absurden Drehbucheinfällen und recht langwierigen Passagen und das trotz der recht kompakten Laufzeit von gerade einmal 84 Minuten.

Der Look ist teils recht imposant, die Musik ordentlich und das Ende reißt einiges wieder heraus, ist es doch perfekt inszeniert und wirklich untypisch für einen Western.

Es war durchaus mehr drin, doch am Ende bleibt ein durchschnittliches Werk, das vor allem wegen seines Endes und der zwei bildhübschen Hauptdarstellerinnen einen Blick wert ist.

5,5 von 10 Punkten

Verflucht, verdammt und Halleluja

2008-10-18T16:05:00.002+02:00

In frühester Jugend habe ich stets gebannt vor dem Fernseher gesessen, als die Herren Hill und Spencer ihre Gegner in Italo-Western-Klamotten ala "Vier Fäuste für ein Halleluja" vermöbelten.

Als Terence Hill diesen Film drehte, war er kurz zuvor durch seine ersten Zusammenarbeiten mit Sidekick Bud Spencer zu Bekanntheit gelangt. Da sich Spencer nicht mit einer kleineren Nebenrolle begnügen wollte, der Regisseur aber keinen Main-Actor-Part für ihn vorgesehen hatte, musste sich Hill hier nun alleine "herumschlagen".

Der Film vermischt die typischen Prügel-Klischees der damaligen Italo-Klamotten mit einer zarten Lovestory und einem lakonischen Abgesang auf den alten Wilden Westen, ohne "modernen" Schnickschnack, wie etwa die Eisenbahn.

Die erste Hälfte des Films ist recht amüsant in Szene gesetzt und zeigt einmal von einer etwas untypische Seite. Er hat namhafte Darsteller der Szene zur Seite gestellt bekommen und sie interagieren doch ganz spßig.

Nur im Fortlauf der Geschichte bleibt die ein oder andere Länge leider nicht aus und die A-typischen Prügelszenen ziehen sich, für meinen Geschmack, dann doch etwas zu sehr in die Länge.

Zum Ende hin hebt sich der Film aber wieder von den meisten der Genre-Vertreter ab und hat einen sehr ungewöhnlichen Abschluss zu bieten.

Ganz interessant, aber die Begeisterung alter Zeiten konnte der Film bei mir nicht hervorrufen, doch für so manchen Schmunzler reichte es dann schon.

6 von 10 Punkten (1 Bonuspunkt in Gedenken an meine Jugend)

You kill me

2008-10-18T15:47:00.003+02:00

Eine Komödie über einen Auftragskiller, der Mitglied bei den Anonymen Alkoholikern wird, um sein Leben und seinen "Job" in den Griff zu bekommen und wieder der Alte zu werden.

Kann das funktionieren?

Und ob!

Ben Kingsley gibt sich dermaßen spielfreudig, das es eine Pracht ist. Er verleiht seinem Charakter eine gelungene Mischung aus Tragik und süffisantem Zynismus, lässt ihn aber stets sympathisch erscheinen und das trotz seines, sagen wir mal ungewöhnlichen, Arbeitsfelds.

Tea Leoni, als sein Love Interest, mit so mancher seelischer Macke behaftet, brilliert ebenso und gibt ihrem lakonischen Charakter sehr viel Tiefe. Der Rest der Darsteller rundet das Ganze stimmig ab. Vor allem hervorzuheben wären hier Luke Wilson und Bill Pullman, in untypischen und gerade darum urkomischen Rollen.

Der Film schwankt zwischen dem ein oder anderen tragischen Moment und schwarzhumorigen Passagen hin und her und meistert diesen Spagat meist souverän. Das niedrige Produktionsbudget fällt kaum auf, höchstens in einer, am Computer entstandenen, Sequenz auf der Golden Gate Bridge. Aber dieser etwas unpassende Moment, fällt bei den ganzen kuriosen und herrlich skurillen Ideen, die das Drehbuch parat hat, nicht weiter auf.

Ein amüsanter Film mit einer wohldosierten dramatischen Note, der sich vom Holzhammer-Humor der meisten aktuellen Produktionen, angenehm abhebt.

8 von 10 Punkten

Frontieres la Seconde

2008-10-18T15:27:00.004+02:00

Endlich komme ich mal wieder zum Schreiben und greife in diesem Blog-Eintrag auf einen alten Bekannten zurück.

Das französische Horror-Extrem "Frontieres", welches ich, wie in meinem letzten Beitrag bereits erwähnt, zuvor nur in stark gekürzter Form bewundern habe dürfen.

Nun also habe ich ihn in der ungekürzten, vom Regisseur gewollten, Fassung erblickt und siehe da, die Wertung bleibt die selbe, es bleibt zu überlegen, ob nicht noch ein halber Punkt Abzug wünschenswert wäre.

Wie bereits im ersten Review vermutet, benötigt der Film grundlegend keine exzessiven Gewaltdarstellungen und nach Sichtung der unzensierten Fassung, muss ich diese Vermutung meinerseits klar bejahen.

Die teils dermaßen in die Länge gezogenen Folter- und Meuchelszenen nehmen dem Film oftmals Spannung und Drive und wirken häufig enorm over-the-top. Kaum wird das Spannungsrad angezogen, da kommt auch schon der nächste, minutenlang in seiner Gewaltästhetik schwelgende, Gewaltexzess.

Schade, dass der moderne Horrorfilm nur noch recht selten ohne diese, oftmals unnötige, Brutalität auskommt. Haute Tension, ebenfalls französischer Bauart, hat bewiesen, dass man Spannung und Gore durchaus vortrefflich zu einem gelungenen, runden Ganzen verbinden kann.

Es bleibt festzuhalten, dass der Film durchaus seine gelungenen Momente hat und zu gefallen weiß, aber mit dem nötigen Feingefühl hätte er auch um einiges ausgewogener und faszinierender werden können.

Herabstufung auf 6 von 10 Punkten

Hier der Link zum Schluss-Song, ein Ohrwurm, wie ich finde:

http://www.youtube.com/watch?v=0dDjddXccT8